From Zero représente un retour sur disque pour Linkin Park après le suicide de Chester Bennington en 2017. Le groupe peut maintenant compter sur la chanteuse Emily Armstrong (Dead Sara) qui, sans chausser les bottes de Bennington, s’intègre parfaitement dans le style du groupe grâce à sa voix puissante. Trois des quatre premiers simples démontrent un véritable un retour aux sources. « Heavy is the Crown » présentait une excellente carte de visite avant que « The Emptiness Machine ne devienne l’un des plus grands succès rock de l’année, un classique instantané. Quant à « Two faced », on ne peut s'empêcher de penser que le groupe ne fait que copier son style du passé : il y a un mouvement similaire à « Figure 09 », un riff et un découpage comparables à « One Step Closer », sans oublier des scratches déjà entendus. Le reste de l'album s’avère beaucoup moins excitant. « Over Each Other » est tout simplement ennuyante et ne cadre pas dans le style de l’album, pendant que beaucoup d’autres titres ne servent que de remplissage sur ce disque déjà trop court (32 minutes). Et même si Emily est très solide (et originale sur « IGYEIH »), elle semble vouloir imiter Bennington en plusieurs occasions, ce qui ramène inévitablement la comparaison. En conclusion, From Zero nous laisse sur notre appétit. Il nous épate grâce à ses deux premiers simples qui s’ajoutent admirablement au répertoire de Linkin Park, mais nous déçoit par la suite, se terminant en nous transmettant un sentiment de frustration. (chronique principale de décembre 2024)

Vidéoclips : « Heavy is the Crown » - « The Emptiness Machine » - « Over Each Other » - « Two Faced »

Avec la suite logique de Music of the Spheres paru il y a 3 ans, Coldplay poursuit son exploration de l’espace. Le groupe anglais reprend où il nous avait laissé et nous propose un album positif et lumineux. L’ouverture au piano présente une superbe introspection de la part de Chris Martin, qui se fond parfaitement dans le très agréable premier extrait « feelslikeimfallinginlove », la pièce phare de cet album. Elle est suivie de « WE PRAY », un mélange de cordes dramatiques et d’un rythme hip hop agressif présentant une très belle énergie unificatrice, un appel à l'action mettant en vedette le rappeur anglais Little Simz, la superstar nigériane Burna Boy, l'artiste argentin Tini, et l'auteur-compositeur et interprète chilien palestinien Elyanna. L’acoustique « JUPITER » s’avère beaucoup moins captivante et laisse présager une deuxième moitié d’album en dents de scie. Le groupe se perd carrément avec l'épopée exploratoire indiquée par l'image d'un arc-en-ciel (mais officiellement intitulée « Alien Hits/Alien Radio »), un voyage de six minutes intégrant du shoegaze, du new age, du folk acoustique, du piano classique et un échantillon de Maya Angelou qui nous rappelle de nous concentrer sur les arcs-en-ciel de la vie. C’est dommage parce que les premiers moments du disque nous laissaient croire que Moon Music pourrait peut-être compétitionner avec les plus grands albums du groupe. Heureusement que « GOOD FEELINGS » (avec la chanteuse Ayra Starr, le guitariste Nile Rodgers et les Chainsmokers) rappelle le succès instantané de « Adventure of a Lifetime ». « AETERNA » présente un mélange intéressant de musique électro dansante digne d’une nuit dans un club, mais elle cadre mal dans le concept et l’ambiance du disque. En tant que binôme de « Music of the Spheres »), Moon Music donne parfois l'impression d'être une collection de faces B, des restants du dernier disque. Ce nouvel album propose de bons moments, très satisfaisants, mais s’avère malheureusement inégal. Puis avec seulement 10 pièces, on se retrouve à en couper la moitié assez rapidement. Il reste donc bien peu de moments marquants qui nous resteront en tête longtemps. (chronique principale de novembre 2024)

Vidéoclips : « feelslikeimfallinginlove » - « WE PRAY »

Almost Monday nous arrivent avec un premier album après deux mini-albums en 2020 et 2021, ainsi qu’un simple qui a particulièrement capté l’attention en 2022, « Cough Drops ». Le trio de San Diego propose une musique pop brillante et optimiste aux mélodies accrocheuses, enrobée dans une production de premier plan. Amis depuis l’école secondaire, Dawson Daugherty (chant), Cole Clisby (guitare) et Luke Fabry (basse et clavier) ont commencé avec les maigres aspirations habituelles d'un groupe local d'adolescents, jouant des concerts dans de petites salles improvisées comme un magasin de surf voisin ou un hangar d'avion désaffecté. Un représentant d'Hollywood Records s'est intéressé au groupe, et a fini par le signer au début de 2019. Cette entente a permis à Almost Monday de débuter la sortie de chansons pop alternatives lumineuses et pleines d'espoir en 2020. Parmi celles-ci, notons « Broken People », une chanson contagieuse accompagnée d'une vidéo stylisée qui est devenue la chanson la plus importante du groupe à ce jour. Après « Sweet Feelings » en 2023, le groupe partage « Is It Too Late? » en 2024, en prévision de son premier album. Le disque de 11 pièces totalisant tout juste 28 minutes inclut plusieurs chansons de qualité tout en étant entraînantes, qui peuvent rappeler Franz Ferdinand à l’occasion. Le titre qui se démarque ici est « Sunburn », qui arrive tard sur l’album et vient ajouter un point d’exclamation à un excellent premier disque. Dommage qu’il soit un peu trop court. (découverte du mois de novembre 2024)

Vidéoclips : « Is It Too Late? » - « Can’t Slow Down » - « Tidal Wave » - « She Likes Sports » - « Jupiter »

Depuis Witness en 2017, la vision créative de Katy Perry semble embrouillée. Ses succès se font de plus en plus rares à chaque album et sa gloire appartient désormais au passé. Depuis les messages politiques confus et les tentatives de musique électronique dansante pas souvent réussies sur Witness, elle peine à conserver l’intérêt au sein d’une scène pop en mouvement constant. Ce fut un bel essai avec Smile en 2020, mais sans arriver à satisfaire les nostalgiques de l’époque de Teenage Dream. Avec son septième album, 143, son déclin se trouve officiellement confirmé. On n’y trouve que des morceaux sans vie, à commencer par le premier simple quasi-féministe à la production disco générique « Woman's World ». La réalisation de Dr. Luke (un choix controversé considérant son passé trouble avec Kesha) rend les morceaux lumineux et prêts pour la radio, mais il ajoute également au sentiment général de stagnation. Il n'y a pas de réelle innovation dans la tentative d'adoption de sonorités house sur le rythme endiablé de « Lifetimes » ou dans la lenteur de « I'm His, He's Mine », qui met en scène Doechii et s'inspire de Crystal Waters. « Nirvana » ressemble à une réécriture plus faible de « Dark Horse », et « Wonder », la dernière chanson de l'album réalisée par Stargate, met en place de nombreux éléments des succès passés (refrains hymniques, arrangements mélodiques, paroles positives) en espérant que quelque chose va coller, mais non. Même l'aide de quelques invités talentueux ne peut pas vraiment sauver les nombreux moments faibles de l'album. Le rappeur d'Atlanta JID fait de son mieux en s'exprimant avec lucidité sur « Artificial », mais il n'a pas grand-chose à faire avec le rythme électro mal adapté et le refrain lent et sans relief de la chanson. 21 Savage, quant à lui, se contente d'un flow distrait sur la pop générique de « Gimme Gimme », et il n’a clairement aucune connexion avec la chanson. Katy semble en retard sur les nouvelles tendances musicales en plus d’offrir des chansons franchement ennuyantes, ce qui la rend dépassée et sans grand intérêt. Il manque définitivement ce côté frivole, amusant et indéniablement accrocheur que « California Gurls » pouvait nous apporter. (chronique principale d'octobre 2024)

Vidéoclips : « Woman’s World » - « Lifetimes » - « I’m His, He’s Mine »

Après avoir flirté avec la musique country l’an passé sur Austin, Post Malone s'engage complètement dans cette voie sur F-1 Trillion, accompagné de nombreux collaborateurs spécialistes du genre. Et il semble très à l’aise dans cet univers, qui l’a certainement influencé par le passé dans son environnement texan. La liste d'invités est époustouflante et l'aide à capturer l'esprit de liberté et de plaisir pur de la musique country contemporaine. On peut entendre Tim McGraw en ouverture sur l’entraînante « Wrong Ones », Chris Stapleton sur l’excellente « California Sober », Luke Combs sur « Guy for That », sans oublier Morgan Wallen sur le succès de l’été, « I Had Some Help ». Les autres invités incluent les légendes Dolly Parton, Hank Williams Jr. et Blake Shelton. En plus de l'émouvante « Nosedive » avec Lainey Wilson, deux pièces en solo (la touchante ode à sa fille, « Yours », et la douce romance de « What Don't Belong to Me ») présente tout son côté émotionnel, démontrant à quel point il a mûri et changé les priorités dans sa vie ces dernières années. 2024 est une année record pour les artistes qui se sont tournés vers le country (Beyoncé, Yung Gravy, Lana Del Rey) et les succès country pop (« A Bar Song [Tipsy] » de Shaboozey), et Post Malone vient s’inscrire parfaitement dans ce courant, que ce soit calculé ou non. Dans tous les cas, l’exercice est réussi. À noter qu’en plus des 18 morceaux du disque, Post Malone nous a fait la surprise d’inclure un deuxième disque à la dernière minute contenant neuf titres supplémentaires. (chronique principale de septembre 2024)

Vidéoclips : « I Had Some Help » - « Pour Me a Drink » - « Guy for That »

Eminem a connu le succès principalement grâce à son alter ego Slim Shady, le personnage exagéré à qui il passait le micro lorsque venait le temps de lancer ses paroles les plus dérangeantes. Slim Shady revient sur l'album conceptuel The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), dans lequel les deux facettes de la personnalité du rappeur s'affrontent. Il revient avec les mêmes blagues, références et points de vue un peu dépassés, passant la première moitié de l'album à cracher autant de menaces que possible, visant vaguement la culture de l'annulation, la génération Z, l'utilisation des pronoms et le wokeisme. Eminem fait à nouveau une excellente démonstration de son flow à plusieurs niveaux et de sa dextérité. « Habits » possède l'éclat pop qui l'a fait passer de l'underground à la radio, mais « Brand New Dance » s’avère plutôt discutable. Mise de côté en 2004, la pièce se moque de l'acteur tétraplégique Christopher Reeve, décédé la même année. Pour l'essentiel, The Death of Slim Shady présente un concept général qui vieillit rapidement, et présente un sévère manque d'idées nouvelles. Eminem fait ce qu'il a déjà fait par le passé, soit de recycler un passage de rock classique (« Abracadabra » du Steve Miller Band) pour le refrain de « Houdini », une excellente pièce qui nous ramène à ses meilleures années. Il passe aussi à un flow plus rapide que la moyenne à la fin de « Lucifer » et termine par une ballade émotive sur « Somebody Save Me », avec Jelly Roll. Le concept du disque semble s’arrêter à six titres de la fin, devenant complètement décousu par la suite. Avec 19 pièces et plus d’une heure de musique, Eminem étire la sauce sur un sujet un peu trop mince. Quelques bonnes chansons se retrouvent malheureusement noyées dans un ensemble un peu futile. Son humour grinçant ne réussit pas à s'installer, les paroles transphobes et anti-woke s’avèrent plutôt embarrassantes, et les propos choquants de Slim Shady sont dépassés et manquent d’inspiration. The Death of Slim Shady (Coup de Grâce) présente en quelque sorte une réflexion sur l'âge d'Eminem, sur sa place dans la culture rap et sur sa relation avec sa propre célébrité et son art après tant d'années. L'album a débuté au sommet, mais peu de matière lui permettra d’y demeurer longtemps. (chronique principale d'août 2024)

Vidéoclips : « Houdini » - « Tobey (feat. Big Sean & BabyTron) »

Après une période d'introspection sur le double album Mercury (2022), Imagine Dragons ramènent le rythme sur leur septième album. Réalisé par le groupe en collaboration avec les Suédois Mattman & Robin, Loom est un court album de moins de 32 minutes, 10 chansons qui contiennent tout ce qui a fait d'Imagine Dragons des vedettes internationales. On y trouve des mélodies inoubliables et des rythmes endiablés de pop rock, soutenus par des percussions percutantes. Le groupe touche aussi au hip hop, surtout sur le premier titre, « Wake Up », qui rappelle Eminem. Ensuite, on peut entendre les excellents « Nice to Meet You », un morceau disco pop entraînant, et l’inquiétant succès dubstep « Eyes Closed » (que l’on retrouve aussi en conclusion avec J Balvin). La pièce latine « Take Me to the Beach » poursuit le rythme du disque, qui s’avère en bout de ligne grandement efficace. Dommage qu’il soit aussi court; on aurait bien pris quelques titres additionnels. Le quatuor de Las Vegas revient donc en grande forme avec Loom. (chronique principale de juillet 2024)

Vidéoclip : « Eyes Closed »

Quatre ans après son dernier album, Future Nostalgia, les attentes devenaient de plus en plus grandes pour un nouveau disque par cette nouvelle star de la pop. Surtout après des succès immenses comme « Houdini » et « Training Season ». Même « Illusion » commence à provoquer de sérieuses réactions. Dua Lipa nous arrive donc enfin avec Radical Optimism, son troisième enregistrement en carrière. Pour l’occasion, la chanteuse londonienne a demandé les services de Kevin Parker de Tame Impala (qu’elle admire particulièrement sur l’album Currents). Il en résulte de bien bons moments, notamment avec les succès nommés ci-dessus. Cependant, plusieurs pièces s’avèrent tout juste sympathiques, avec un manque évident de cohésion entre elles. En fait, c’est le principal défaut de cet album, qui manque cruellement d’un fil conducteur ou d’un thème récurrent. On y trouve quelques chansons plaisantes à l’oreille, mais ce sont les succès mentionnés plus tôt, et peut-être aussi « These Walls », que vous risquez fort d’écouter en boucle. Il reste que Dua Lipa représente parfaitement la nouvelle génération pop et qu’on l’entendra encore longtemps. (chronique principale de juin 2024)

Vidéoclips : « Houdini » - « Training Season » - « Illusion »

Avant même sa sortie, ce deuxième acte de la trilogie Renaissance était attendu comme un album country par cette icône du R&B. De quoi faire frémir les puristes du genre. Cependant, il n’en est rien et il s’agit plutôt d’un hommage aux pionniers (et surtout aux pionnières) de la musique country noire. Ce clin d’œil à la musique country se dessine principalement par des interventions de légendes comme Willie Nelson, Linda Martell (première femme noire à obtenir un succès country dans les années 1960) et Dolly Parton, mais on reconnaît toujours le style pop, soul, R&B et hip hop de la célèbre chanteuse qui ne fait qu’intégrer les codes de la musique country. La chanson à succès « Texas Hold ‘Em » est probablement la plus country parmi les 27 pièces de l’album. Beyoncé propose un mélange de hip hop et de house sur « Sweet Honey Buckiin’ », rappelant le premier acte de Renaissance et faisant du même coup un pied de nez aux puristes en célébrant l’influence afro-américaine dans l’électro. En fait, c’est ce que l’artiste semble vouloir nous démontrer ici : que la musique country n’est pas que blanche et qu’elle a été fortement influencée par la culture afro-américaine. En plus des légendes nommées plus tôt, Beyoncé s’entoure de jeunes artistes talentueux comme Miley Cyrus, Post Malone et Tanner Adell. Elle présente non seulement de nouvelles compositions brillantes fusionnant les genres et l’histoire, mais aussi des reprises de classiques : « Jolene » de Dolly Parton, « Blackbird » des Beatles, ainsi que des extraits de chansons de Chuck Berry. Dans « Ya Ya », un mélange de soul et de pop dansante, elle réussit à reprendre à la fois « These Boots Are Made for Walkin’ » de Nancy Sinatra et les Beach Boys. Cowboy Carter n’est pas un album country, c’est un album de Beyoncé, tout simplement! (chronique principale de mai 2024)

Vidéoclip : « Texas Hold ‘Em »

Il aura fallu quatre ans à Ariana Grande pour qu’elle nous revienne avec un nouvel album, son septième. Eternal Sunshine présente la fin d’une relation (conclue par un divorce) et le début d’une nouvelle. Il s’agit d’un court album de 35 minutes, incluant une introduction d’une minute et demie. On peut bien sûr y entendre le succès disco « Yes, and? », mais aussi les excellentes « Bye », « Supernatural », « The Boy is Mine », « We Can’t Be Friends » et la chanson-titre. Sur Eternal Sunshine, Ariana propose une musique R&B de grande qualité. On y découvre à nouveau toutes les capacités de sa voix, même si elle ne la pousse pas toujours à son maximum, mettant plutôt l’accent sur la qualité des mélodies. Sur ce nouvel enregistrement, la jeune trentenaire réussit à nous offrir son album le plus cohérent à ce jour. (chronique principale d'avril 2024)

Vidéoclips : « Yes, and? » - « We Can’t Be Friends (Wait for your Love) »

Après la Symphonie #1 en 2019 et les Symphonies 3 & 4 en 2023, le chef Yannick Nézet-Séguin (en compagnie de l’Orchestre Métropolitain de Montréal) nous revient avec les Symphonies 2 & 5 du compositeur finlandais Jean Sibelius (1865-1957). Enregistrées à la Maison symphonique de Montréal, ces deux œuvres font partie des plus appréciées de Sibelius, composées à une quinzaine d’années d’intervalle. La « Symphonie #2 » marque la conclusion de sa première phase stylistique caractérisée par le romantisme national. La « Symphonie #5 » établit quant à elle les bases de ce qui allait être le langage de la maturité du compositeur. Encore une fois, voici une grande performance de Nézet-Séguin et l’OM, qui met parfaitement en valeur l’œuvre de Sibelius. (avril 2024)

Avec son nouvel album, Jennifer Lopez crée en quelque sorte une suite à This Is Me… Then, paru en 2002, qui rendait hommage à son amoureux de l’époque, Ben Affleck, en plus de contenir le succès intemporel « Jenny from the Block ». C’est certainement ses retrouvailles avec Affleck en 2021, suivi de leur mariage à l’été 2022, qui ont inspiré Jennifer pour This Is Me… Now. L’album de près de 45 minutes est accompagné d’un film complet regroupant des vidéoclips pour chacune des 13 chansons du disque, de la chanson-titre à « Greatest Love Story Never Told », en passant par le succès « Can’t Get Enough ». On peut aussi découvrir un documentaire intitulé The Greatest Love Story Never Told qui emprunte son titre à une série de lettres d’amour écrites pour Jennifer par Affleck. Contrairement au film qui contient plusieurs caméos (Jane Fonda, Post Malone, etc.), l’album est beaucoup plus sobre, sans invités et entièrement concentré sur la chanteuse latine. Peu de titres ressortent du lot, mais l’ensemble demeure agréable jusqu’à la fin et plaira assurément à ses nombreux fans. (chronique principale de mars 2024)

Vidéoclip : « Can’t Get Enough »

Après 35 ans de carrière, le trio californien déborde toujours autant d’énergie et nous arrive avec Saviors, quatre ans après Father of All…. Le groupe poursuit dans la même direction pop punk un peu plus adulte, avec un son plus propre, malgré l’agressivité caractéristique du trio. Leurs mélodies demeurent toujours aussi efficaces, et quelques ballades de qualité viennent confirmer leur polyvalence. Le groupe ne renie pas ses influences du passé, mais Green Day est toujours en mesure d’en faire ses propres chansons, son style bien à lui. Les instincts pop de Billie Joe Armstrong sont incontestables, ce qui fait de Saviors un album à la fois puissant et inoubliable. Green Day ne propose peut-être pas un album qui fera oublier ses classiques du passé, mais suffisamment de chansons parmi les 15 vous donneront envie de taper du pied ou de chanter à tue-tête. (chronique principale de février 2024)

Vidéoclips : « The American Dream Is Killing Me » - « Dilemma » - « One Eyed Bastard » - « Bobby Sox »