Dès qu’on déballe ce nouvel album d’AC/DC, leur premier en 8 ans, on peut sentir une certaine nostalgie de l’époque de Back In Black. Emballage et titre similaires, les 5 mêmes musiciens et évidemment un style musical qui n’a pas trop évolué depuis l’époque vous renverront assez facilement au sommet de leur carrière en 1980. Le succès « Rock N Roll Train » démarre l’album en trombe, suivi des très bonnes « Skies On Fire » et « Big Jack ». Ces 3 pièces qui sont dans le plus pur style d’AC/DC réussiront assurément à conserver l’intérêt de leurs nombreux fans. Par la suite, le groupe réussit à surprendre avec « Anything Goes » qui semble plutôt empruntée au répertoire de Van Halen. Mais, pour les purs et durs, rassurez-vous puisque le groupe revient rapidement avec son rock n’ roll unique sur « War Machine », une de mes préférées. Par la suite, on retrouve un peu trop de pièces mid-tempo à la créativité douteuse. C’est précisément ce qui vient nuire à cet album de 15 titres qui était pourtant sans faille lors du premier tiers. Le groupe nous sert encore quelques titres efficaces comme « Spoilin’ For A Fight » et « Wheels », mais il va un peu trop dans la facilité puisque ces pièces semblent faire partie de leur répertoire depuis toujours. Le groupe peut compter ici sur le réalisateur Brendan O’Brien pour rendre son son plus grand que nature. De ce côté, c’est réussi, même si j’aimerais entendre un son un peu plus cru de la part de ce groupe rock n’ roll incomparable. Le principal problème de Black Ice est simplement qu’il est trop long avec 15 pièces totalisant plus de 55 minutes. 4 ou 5 titres en moins auraient consolidé ce disque qui contient de très bonnes compositions. (chronique principale de février 2009)

Après 5 albums sur des étiquettes mineures, voilà que le groupe pop punk de Chicago Alkaline Trio se retrouve avec son premier album pour une étiquette majeure, 10 ans après ses débuts. Évidemment, on devait s’attendre à un album plutôt poli et surproduit, mais comme le groupe avait déjà pris un tel virage il y a déjà quelques années, le contraste n’est pas si insupportable qu’il a pu l’être pour beaucoup d’autres groupes punks qui se sont retrouvés avec de gros contrats en poche. En fait, Agony & Irony poursuit parfaitement dans la lignée de Crimson paru il y a 3 ans, mais en y enlevant les côtés un peu plus crus et sombres. Le son est beaucoup plus pop que punk et les références se rapprochent davantage du rock alternatif des années 80 que du punk des années 90 et 2000. Parmi leurs contemporains, on peut tout de même les comparer à des groupes comme Panic At The Disco et Good Charlotte qui ont pris passablement le même type de virage sur leurs derniers enregistrements. Dès les premiers moments de « Calling All Skeletons », on sait qu’on ne pourra plus se débarrasser de la mélodie. Elle est certainement parmi les plus efficaces du disque, avec l’énergique « I Found Away » (à la Bon Jovi) et l’excellente « Love Love, Kiss Kiss », ma préférée. Certaines autres pièces sont intéressantes, sans être trop excitantes (« Help Me », « In Vein », etc.), ce qui ne rend pas l’album à la hauteur de nos attentes. On ne peut s’empêcher de tomber dans la nostalgie de l’album précédent alors que le groupe réussissait à nous présenter son côté sombre tout en demeurant pop et accrocheur. (novembre 2008)

American Speedway est un groupe de Philadelphie formé au début de 2007 et qui fait renaître de ses cendres le punk rock n’ roll, un rock n’ roll extrême avec une énergie incomparable dans la lignée de groupes comme les New Bomb Turks. L’album Ship Of Fools était paru auparavant en version vinyle, mais il est maintenant disponible mondialement en CD avec 2 pièces en boni, « Pennsylvania » et « Watch Your Step ». On peut également y entendre le succès « One Foot In, One Foot Out » et la chanson-titre qui démarre l’album en trombe dans un style qui n’est pas sans nous rappeler les Ramones dans leurs bonnes années. La pièce « American Speedway » est aussi très solide, tout comme l’excellente « Cocaine », ma préférée du disque qu’aurait certainement aimé interpréter Motörhead. La voix criarde de Michael Thursby Speedway rapproche quelque peu le groupe de la scène métal, mais leur attitude demeure essentiellement punk. Le groupe se fout d’ailleurs pas mal de sa responsabilité sociale avec des textes comme dans « Drinkin’ And Drivin’ » et « Make Some Noise ». En somme, les gars d’American Speedway jouent ce qu’ils ont envie de jouer avec une énergie hors du commun. Leur musique n’a absolument aucun potentiel commercial, mais elle ne laissera personne indifférent. Voici donc un très bon premier disque par un groupe qu’on a le goût de suivre de près. Plaisir assuré! (janvier 2009)

La carrière de la chanteuse Ersi Arvizu ne date pas d’hier puisqu’elle chantait déjà au milieu des années 60 avec ses sœurs dans un groupe qui s’appelait de façon originale The Sisters. Elle a également fait partie, dans les années 70, de El Chicano, un groupe de rock latin important à Los Angeles. Elle s’est par la suite complètement retirée de la musique avant de recevoir un appel de Ry Cooder en 2004. Il avait besoin d’une voix unique pour participer à son album Chavez Ravine. Elle nous présente maintenant son tout premier album solo avec Friend For Life. Réalisé par Cooder, le disque nous propose un mélange très réussi de genres musicaux. Essentiellement constitué de musique latine, il intègre des éléments de R&B, jazz, rock et pop. La ligne directrice demeure la voix basse et puissante d’Ersi qui nous fait passer par toute une gamme d’émotions. Friend For Life est un album unique et intemporel qui n’entre dans aucun courant musical actuel. Il contient des moments doux, mais aussi quelques morceaux énergiques qui vous feront taper du pied malgré vous (« Soledad », « Cruisin’ To The Hop », etc.). C’est un très bon disque qui plaira à la fois aux fans de rock latin et aux amateurs de musique originale et différente. (découverte du mois de juin 2008)

Voici un projet audacieux pour le légendaire chanteur français Charles Aznavour. Duos a été enregistré sur 3 ans entre New York, Londres, Paris, Bologne et Cologne avec l’aide de 3 réalisateurs, Erik Benzi, Phil Ramone et Patrick Shart. Les plus grands succès d’Aznavour y ont été enregistrés en duo avec différents artistes internationaux. Le premier des 2 disques contient 13 duos en français. Il s’ouvre avec l’excellente « Toi et moi » dans un duo impressionnant avec Céline Dion. On peut également l’entendre avec Julio Iglesias, Placido Domingo, Laura Pausini, Elton John, Johnny Hallyday, Nana Mouskouri, Sting, Josh Groban (« La bohème »), Carole King, Paul Anka et Herbert Grönemeyer. Le disque se conclut sur un duo virtuel inédit avec Édith Piaf pour la pièce « C’est un gars ». Quant au deuxième disque, il inclut 11 pièces du premier CD, interprétées cette fois-ci dans la langue du duettiste et dans un ordre différent. On y ajoute 4 titres additionnels : « Quiet Love » avec Liza Minnelli, « She » avec Bryan Ferry, un duo virtuel avec Frank Sinatra (« Young At Heart ») et un autre avec Dean Martin (« Everybody Loves Somebody Sometime »). Une des idées de base de l’album était d’offrir ces succès avec des arrangements différents de ceux d’origine. Par contre, le mélange des genres et des voix est parfois plutôt bizarre (Placido Domingo) et certains arrangements sont carrément ratés (entre autres ceux avec Johnny Hallyday et Nana Mouskouri). Puis, certains chanteurs ne sont pas trop convaincants en français, particulièrement Elton John et Sting. En bout de ligne, c’est un projet totalement hétérogène qui nous est offert et on peut facilement faire ressortir quelques pièces intéressantes qui valent le coût à travers ces 28 versions. Aussi, les francophones risquent d’être agacés par le deuxième disque alors que les anglophones ne trouveront rien d’intéressant au premier CD. Même si seulement Charles Aznavour pouvait se permettre un tel projet à ce moment-ci de sa carrière, il reste qu’il était beaucoup trop audacieux pour être totalement réussi. (février 2009)

Ce CD double présente une soirée de gala qui a eu lieu le 17 février 2007 au profit de l’opération « 1000 Enfants d’Arménie », pays d’origine du légendaire Charles Aznavour. Un groupe impressionnant d’artistes défilent tout au long des 26 pièces pour accompagner Aznavour sur scène ou interpréter ses plus grands classiques en solo. Parmi eux, notons Bénabar, Patrick Bruel, Gérard Darmon, Michel Delpech, Liane Foly, Grand Corps Malade, Nolwenn Leroy, Florent Pagny, Axelle Red, Hélène Ségara et plusieurs autres. Le principal inconvénient de ce CD est que comme il a été enregistré dans le cadre d’un gala, les pièces sont entrecoupées de présentations de l’artiste à venir. De plus, un gala de ce type serait plus intéressant à visionner qu’à écouter, donc il serait préférable de vous procurer la version DVD qui est également offerte. (novembre 2008)

Le groupe new wave The B-52s nous offre un premier nouvel album depuis 1992. Bizarrement, Funplex est leur premier disque à atteindre le numéro 1 dès sa sortie. Avec la pièce d’ouverture, « Pump », on réalise que le groupe peut encore nous offrir de bonnes chansons, grâce à une ligne de basse solide et de belles harmonies vocales de la part des chanteuses Kate Pierson et Cindy Wilson. « Hot Corner » poursuit encore de belle façon, nous rappelant les meilleures années du groupe, tout comme la chanson-titre. Le disco futuriste de « Eyes Wide Open » nous prouve que le groupe peut encore se réinventer en 2008 avec une pièce dansante qui fera le délice des DJ. L’énergique « Love In The Year 3000 » peut également atteindre les mêmes objectifs de divertissement assuré. Les arrangements modernes de l’album, incluant une batterie électronique, nous indiquent que le groupe peut attaquer avec confiance le 21^e siècle. Il est généralement plutôt difficile de poursuivre une longue carrière lorsqu’on appartient à un mouvement musical très précis comme ce fut le cas pour eux dans la vague de musique new wave du début des années 80. Ils avaient d’ailleurs jusque là été incapables de survivre à ces années 80. Mais, avec cette production efficace, ils réussissent à nous divertir en 2008 sans nous ramener sans cesse la nostalgie du sommet de leur carrière. On retrouve malheureusement des pièces moins intéressantes d’un point de vue créatif (parfois même totalement ennuyantes), question de remplir tout un album de 48 minutes. Malgré ces quelques moments plus faibles, Funplex constitue un album divertissant qui nous montre qu’on apprécierait certainement des séances d’enregistrement plus régulières de leur part dans les années à venir. (mai 2008)

BB Brunes est un groupe de la nouvelle vague punk garage française. Le trio a présenté ce premier album dans sa France natale au printemps 2007 et il aura fallu attendre 1 an et demi pour pouvoir enfin l’entendre au Québec, avant que le groupe y vienne pour une tournée. Dès la pièce d’ouverture, « J’écoute les Cramps », le groupe nous séduit par son énergie contagieuse et on sait déjà qu’on aimera. Le succès « Le gang » est tout aussi efficace, tout comme la chanson-titre. Les textes sont simples et très adolescents, mais on n’en demande pas plus de musiciens oeuvrant dans ce style musical. BB Brunes s’inspire grandement de la fin des années 70 avec des éléments des Clash et de la punk française de l’époque, sans oublier la nouvelle vague des années 2000 dirigée par The Hives et The White Stripes. Malheureusement, le milieu du disque réussit moins à conserver notre attention. On cesse de taper du pied, alors que les compositions deviennent plus quelconques. Malgré tout, c’est un album qu’on a envie de réécouter souvent, en sautant par-dessus quelques titres. Cette nouvelle version de l’album inclut 5 pièces en boni : une pièce inédite en version maquette (« Confusions printanières »), deux pièces du disque en version acoustique (« Dis-moi » et « Mr Hyde ») et deux versions en concert (« J’écoute les Cramps » et « BB baise »). On retrouve également une portion multimédia avec le vidéoclip de « Le gang », une version alternative de ce vidéoclip, les coulisses de son tournage et des fonds d’écran. Ces ajouts sont particulièrement intéressants et augmentent notre intérêt envers le disque. (février 2009)

Le Français Alex Beaupain a composé plusieurs musiques de films, entre autres pour la chanteuse Lily Margot. Il a enregistré son premier album en 2005, Garçon d’honneur, un album inspiré de Serge Gainsbourg et Étienne Daho, mais aussi du rock alternatif des années 80, entre autres The Smiths. Il poursuit dans la même veine avec 33 tours. Sa musique, qui intègre des éléments d’électronique, cadre parfaitement dans la nouvelle pop française. Ses textes sont bien fignolés et il les livre avec une voix chaude et suave qui séduira bien des dames. Avec une musique généralement douce et apaisante, Alex Beaupain nous offre un son qui peut facilement plaire à un large public. Voici donc un très bon album à découvrir, particulièrement pour les fans d’Étienne Daho. (avril 2009)

Le légendaire guitariste de blues Elvin Bishop est de retour avec un nouvel album sur lequel il rend en quelque sorte hommage aux légendes du genre. Il s’entoure ici de nombreux artistes invités dont John Németh, qui chante sur 3 pièces en plus de jouer de l’harmonica sur la dernière, « Honest I Do » de Jimmy Reed. On peut également entendre les guitares de B.B. King (sur « Keep A Dollar In Your Pocket » de Roy Milton) et des membres du Allman Brothers Band, Derek Trucks et Warren Haynes, ainsi que les voix et les guitares de George Thorogood (sur « Send You Back To Georgia » de Hound Dog Taylor) et Ronnie Baker Brooks. On peut finalement entendre l’excellent James Cotton à l’harmonica sur « I Found Out » de Junior Wells. Les 12 pièces offertes sur The Blues Rolls On ont été enregistrées à différentes occasions et elles représentent ensemble un collage de certaines des pièces préférées de Bishop avec divers musiciens qui sont pour la plupart ses amis. L’album présente donc un certain manque d’uniformité qui pourra déplaire à certains. Par contre, les classiques présentés ici, tous interprétés par de vieux pros, ne pourront laisser personne indifférent. Malgré ses quelques défauts, The Blues Rolls On est un disque solide, avec une bien belle énergie, et qui en plus présente pratiquement une leçon d’histoire sur la musique blues. Il s’agit donc d’un must pour les amateurs du genre. (janvier 2009)

Qui n’avait pas déclaré les Black Crowes définitivement morts ? A commencer par eux-mêmes… Quand on sait le mal que les frangins Robinson ont à bosser ensemble et que le guitariste Marc Ford et le clavier Eddie Harsch ont mis les voiles, qui pouvait donner cher de leur peau ? Mais la résurrection du corbeau est plus terrible que celle du phénix. Les Black Crowes n’ont jamais plus sonné comme ça depuis Amorica. Warpaint est musicalement quasi parfait. D’aucuns pourraient hurler au plagiat tant ce nouvel opus creuse l’énorme sillon tracé par les Stones, mais quand c’est fait avec un tel talent, il faut savoir s’incliner. Les parties de guitares de Rich Robinson et du nouveau Luther Dickinson s’entremêlent, l’alchimie et la synergie sont incroyables (« Movin’ On Down The Line » par exemple). Chaque riff, chaque accord, chaque solo sont choisis et calés très minutieusement. Chris Robinson se dépasse et chante admirablement de sa voix éraillée, jonglant avec les émotions et la puissance. Le tout enveloppé de claviers, piano et autre orgue Hammond (chers aux Black Crowes). Outre « Goodbye Daughters Of The Revolution », « Whe Who See The Deep » (merveilleusement Stonien) ou « Wounded Bird » très rock, l’album garde une tendance plus soft, plus ralentie et scrupuleusement mélodique. Du blues très sudiste sur « Walk Believer Walk », des ballades country blues (« Oh Josephine », « Locust Street »), du rhythm n’ blues authentique (« God’s Got It »)… et tout cela administré avec une cohérence à toute épreuve. Warpaint a toute les qualités des albums qui s’apprécient dès la première gorgée, tout en se bonifiant avec le temps. Alors pour un groupe à moitié mort, à moitié renouvelé, à moitié sur le retour, la réussite est plus que totale. Qu’en serait-il si le groupe était vraiment en forme Messieurs les détracteurs ? (mai 2008)

Le groupe punk de Vancouver The Black Halos est de retour sur disque avec son 4^e album. La bande à Billy Hopeless est bien décidée à nous offrir son album le plus solide à ce jour. Le groupe fait à nouveau confiance au réalisateur Jack Endino (Nirvana, Soundgarden, Mudhoney) qui avait réalisé leurs albums précédents. La production de We Are Not Alone est solide, tout en laissant l’espace nécessaire au son plutôt sale et imparfait des Black Halos. Le groupe se détache quelque peu de ses influences glam rock new yorkaises (New York Dolls et compagnie), et semble avoir plus confiance que jamais en sa propre identité. We Are Not Alone n’est peut-être pas leur meilleur album à ce jour, mais il offre assurément de bonnes compositions : « Holes », « Slick City », « Dreamboat », la chanson-titre, etc. La voix de Hopeless peut encore une fois être agaçante par moments, mais après tout elle fait partie intégrante de la personnalité du groupe. (juillet 2008)

Le duo blues garage The Black Keys en est déjà à son 5^e album en 7 ans d’existence. Cette fois-ci, ils ont demandé les services du réalisateur Danger Mouse (Gorillaz, Gnarls Barkley), un choix qui peut sembler bizarre au premier abord, mais qui vient ajouter une certaine profondeur à la musique du duo minimaliste. Leur musique blues généralement sale prend ici une nouvelle dimension, toute en « envergure ». Même si l’évolution est certaine, on ne pourrait affirmer que le résultat est vraiment réussi. On retrouve des titres blues classiques de qualité comme « I Got Mine » et des mélodies inoubliables comme dans « Psychotic Girl » et « Remember When (Side B) », mais d’autres pièces nous laissent quelque peu sur notre appétit (la pièce d’ouverture « All You Ever Wanted », « Lies », « Remember When (Side A) », etc.). Il est intéressant de voir que le groupe tente d’évoluer, mais il ne réussit malheureusement pas à aller dans une direction qui nous fera oublier la qualité de leurs albums Thickfreakness et Rubber Factory. (juin 2008)

Black Kids est un nouveau groupe de Jacksonville en Floride qui s’est fait connaître rapidement grâce à Internet et sa page MySpace. Le quintet nous propose un son indie rock / new wave qui n’est pas sans nous rappeler Franz Ferdinand et The Killers, sans oublier des influences évidentes de The Cure. La voix du chanteur Reggie Youngblood contribue certainement à renforcer cette comparaison puisqu’il chante dans un registre qui se rapproche grandement de celui de Robert Smith. Les pièces possèdent une belle énergie, généralement dansante, qui les rend plutôt accessibles malgré une approche créatrice passablement alternative. Le groupe puise essentiellement ses influences dans les années 80, mais réussit à merveille à créer un son de 2008 avec des mélodies toujours efficaces. Les 10 pièces offertes sont toutes solides avec quelques petits bijoux qui ressortent du lot. Notons la pièce d’ouverture « Hit The Heartbrakes », « Listen To Your Body Tonight », « I’m Not Gonna Teach Your Boyfriend How To Dance With You » et « Look At Me (When I Rock Wichoo) ». C’est un album de grande qualité que nous offrent les Black Kids, un disque à la hauteur des attentes créées sur Internet. Le défi sera de répéter l’exploit et de continuer à aller de l’avant. (découverte du mois de novembre 2008)

Après une carrière fructueuse en tant que guitariste de hard rock, particulièrement au sein de Deep Purple et Rainbow, Ritchie Blackmore a pris une toute autre direction musicale à la fin des années 90 en compagnie de sa fiancée, Candice Night. Blackmore a décidé d’approfondir son amour de la musique de la Renaissance en intégrant des instruments de l’époque avec des instruments plus contemporains, mettant bien évidemment en avant la guitare (acoustique et électrique). Grâce à la superbe voix et aux textes de Candice Night, cette musique possède un style unique fusionnant la musique de la Renaissance avec du folk et du rock. Le mélange des styles et des instruments rend Secret Voyage totalement unique et différent. Je ne peux pas comparer avec ce qu’ils ont produit précédemment, mais je peux dire que c’est un album qui s’écoute à merveille en nous transportant dans des univers variés. On peut même y entendre une reprise du classique d’Elvis Presley, « Can’t Help Falling In Love », une bien belle surprise, même si elle cadre plus ou moins dans l’ambiance générale du disque. On ne retrouve pas véritablement de pièces qui se démarquent du lot, mais l’ensemble est riche musicalement et plaira aux amateurs de rock qui ont un intérêt pour la musique des siècles passés. (septembre 2008)

Blackstars United est un groupe de Bordeaux en France qui nous offre un premier mini-album de 5 titres. Quelle ne fut pas ma surprise d’entendre un groupe rock au son beaucoup plus américain que français. Des guitares bien en évidence accompagnent les textes en anglais parfois lancés dans des cris de rage. L’ensemble n’est pas sans nous rappeler Pearl Jam, Soundgarden, Queens Of The Stone Age, Incubus et autres groupes de rock alternatif lourd. On ne retrouve aucune faiblesse parmi les 5 pistes offertes et on peut décidément affirmer que ce maxi effectue son travail à la perfection : nous rendre impatients d’en entendre plus de leur part. Si le groupe réussit à garder le cap pendant un album complet et qu’il réussit à attirer l’attention d’une compagnie de disque importante, il pourrait fort bien être le prochain groupe rock français à conquérir le monde… Un seul mot : wow! (avril 2008)

Le groupe indie rock londonien Bloc Party est de retour avec un 3^e album. Tout aussi éclectique que le précédent, le disque permet à nouveau de les comparer à Muse, mais en y ajoutant cette fois-ci des influences électroniques à la Chemical Brothers, surtout dans la première pièce, « Ares ». L’expérimentation se poursuit sur le premier extrait, « Mercury », alors que le groupe pousse un peu plus loin que jamais dans son exploration des côtés sombres de la musique rock alternative. Heureusement pour les fans de la première heure, le groupe reviendra ensuite avec des titres un peu plus conventionnels (« Halo ») et un peu plus légers (« Biko »). Mais, autant le groupe semble pousser un peu trop loin par moments, en d’autres occasions il paraît vouloir répéter ce qui a fait le succès de son premier album. Malgré cette observation, ce nouvel album de Bloc Party nous offre de bien bons moments, avec une énergie hors du commun. (mars 2009)

Vidéoclip : « Mercury »

Le légendaire auteur-compositeur folk punk britannique Billy Bragg est de retour sur disque avec Mr. Love & Justice, son premier album sur l’étiquette Anti. Après ses incursions dans le monde de Woody Guthrie accompagné du groupe américain Wilco, Bragg nous revient enfin avec un album de nouvelles compositions solide et consistant, possiblement son meilleur depuis Don’t Try This At Home lancé il y a déjà 17 ans. Dès la pièce d’ouverture, « I Keep Faith », on se retrouve avec une mélodie inoubliable en tête, un classique instantané. Des pièces comme « Sing Their Souls Back Home » et « Farm Boy » nous offrent une véritable méditation sur la guerre en Irak, pendant que « I Almost Killed You » et « Something Happened » nous prouvent qu’il est encore possible d’écrire de bonnes chansons autour du thème de l’amour. L’importance pour Bragg de parler des libertés individuelles et des droits humains se matérialise à nouveau dans l’excellente « O Freedom », en plus d’être saupoudrée tout au long du disque. Billy Bragg possède une façon unique de mettre en musique ses préoccupations et sur Mr. Love & Justice, il réussit à le faire tout en nous divertissant avec des compositions de grande qualité. (juin 2008)

The Briggs est un groupe punk de Los Angeles qui existe depuis bientôt 10 ans. Ils s’inspirent de The Clash et on peut parler d’eux comme la version californienne des Dropkick Murphys. On peut détecter certaines influences folk à travers leur son punk, ce qui les place dans une classe à part, surtout en Californie. Sur Come All You Madmen, le groupe réussit une belle fusion entre des mélodies efficaces et une certaine agressivité. Les frères Joey et Jason LaRocca se complètent à la perfection au chant (malgré une voix rauque qui pourra déplaire à certains) et le groupe interprète avec une solidité hors du commun les 12 pièces incluses ici qui totalisent 42 minutes. En dépit d’un son qui écorche passablement, le groupe nous lance ses textes à caractère social sur une musique extrêmement efficace qui rend l’écoute particulièrement agréable jusqu’à la fin. À l’image du premier extrait, « Charge Into The Sun », Come All You Madmen nous apparaît ici comme le meilleur album des Briggs à ce jour.

Vidéoclip : « Charge Into The Sun »

Sarah Brightman, cette vedette de Broadway née en Angleterre, a toujours connu plus de succès sur scène que sur disque. Après l’album Symphony présenté au début de 2008, elle et son collaborateur Frank Peterson nous reviennent avec A Winter Symphony pour le temps des Fêtes. On y retrouve quelques classiques de Noël comme « Silent Night » et 2 versions de « Ave Maria » (une en duo avec Fernando Lima), entourés de pièces plus modernes. On peut également y entendre l’excellente « Amazing Grace », toujours un moment fort sur un CD. Malheureusement, le disque va un peu dans toutes les directions. Entre les doux classiques de Noël et les grosses orchestrations rock à la Meat Loaf, le seul lien qu’on peut faire c’est la performance sur scène de Sarah Brightman. Mais, oups! C’est un album studio qu’on a ici donc il n’y a aucun visuel. On a beau l’imaginer effectuer une chorégraphie dans des costumes extravagants, mais l’effet est plutôt raté, à moins que votre imagination réussisse à prendre le dessus. En plus, certaines pièces présentées sont franchement ennuyantes et sa voix extrêmement douce n’arrange rien. Quelques moments intéressants et un très beau boîtier ne sont pas suffisants pour rendre l’album véritablement attrayant. (décembre 2008)

Bring Me The Horizon est un groupe de métal hardcore formé à Sheffield en Angleterre en 2004. Lors du dernier Vans Warped Tour, ils sont arrivés à faire l’unanimité autant chez les jeunes amateurs de screamo que chez les fans purs et durs de métal un peu plus âgés. Après un premier album en 2006 qui a obtenu des critiques mitigées, Count Your Blessings, le groupe est allé s’enfermer en studio dans un endroit isolé de la Suède en compagnie du réalisateur Fredrik Norstrom (Arch Enemy, In Flames, At The Gates) pour enregistrer Suicide Season. Lancé en novembre 2008, ce nouvel album a tout pour définitivement propulser la carrière de ce jeune groupe talentueux. Ils réussissent à amener le métal hardcore à un autre niveau de créativité. On voit rapidement les intentions brutales du groupe sur la pièce d’ouverture, « The Comedown », mais on revient tout de suite avec une composition aux atmosphères changeantes, l’excellente « Chelsea Smile ». Le groupe nous fait même chanter avec lui sur la très efficace pièce screamo progressive « The Sadness Will Never End ». On est donc bien loin du death metal unidimensionnel qu’on retrouvait essentiellement sur leur premier disque. Ici on emprunte plutôt les meilleurs éléments du black metal et du screamo pour créer une musique métal d’une grande originalité. (avril 2009)

Vidéoclip : « The Comedown »

Bye Horus est un jeune trio de post-rock français qui existe depuis tout juste 2 ans. Dirigé par le chanteur, bassiste et auteur Alexis Paul, le groupe nous présente ici son premier album, entièrement autoproduit. Locomotive est en fait un véritable voyage autour du monde avec des passages sur la « Banquise » et l’océan (« Océan », « Océan, bois dense, hiver », « Océan (printemps) »), avec une affection particulière pour les « Bermudes » avant de « Revenir en gare ». Non seulement les textes poétiques vous feront voyager, mais aussi la musique qui est d’une grande richesse. Généralement doux et lent, leur rock nous propose des élans progressifs bien sentis, allant même jusqu’aux solos de guitare à l’emporte-pièce en différentes occasions. Il s’agit d’une musique d’ambiance parfaite (surtout dans les moments instrumentaux) et elle vous fera assurément rêver. Bye Horus nous offre donc une musique à l’atmosphère bien particulière, qui nécessite d’y adhérer totalement, mais lorsque c’est fait, on peut se laisser transporter facilement jusqu’à la fin du disque. Par contre, si vous avez de la difficulté à accrocher à leur style dès les premières pièces, vous trouverez peut-être les 62 minutes bien longues. C’est qu’il s’agit en surface d’un disque passablement uniforme, même si on y trouve de nombreuses subtilités lorsqu’on s’y attarde. (mai 2008)

Glen Campbell est un chanteur country / pop qui roule sa bosse depuis plus de 45 ans. On ne peut pas dire qu’il a obtenu beaucoup de succès depuis les années 70, et c’est peut-être la raison pour laquelle il sent le besoin de s’introduire à nouveau avec cet album intitulé Meet Glen Campbell. Il nous offre ici 10 reprises de chansons pop rock des années 60 à 90 par des célébrités du moment. L’album débute en force avec l’excellente « Sing » de Travis, même si Campbell n’y apporte que très peu de nouveaux éléments. Par la suite, on peut entendre 2 pièces de Tom Petty, « Walls » et « Angel Dream ». L’aventure se poursuit avec « Times Like These » des Foo Fighters et la magnifique interprétation de « These Days » de Jackson Browne. Les Replacements sont à l’honneur avec « Sadly, Beautiful », avant que Campbell attaque « All I Want Is You » de U2. Sa version de « Jesus » de Velvet Underground est tout simplement superbe avant qu’il nous arrive avec « Good Riddance (Time Of Your Life) » de Green Day, une autre excellente pièce interprétée à sa façon. Finalement, ce court disque de 34 minutes se termine avec « Grow Old With Me » de John Lennon et Yoko Ono. L’ambiance générale du disque demeure acoustique, même si les orchestrations et les arrangements sont riches. On peut percevoir occasionnellement les racines country et bluegrass de Campbell, mais il s’agit ici essentiellement d’un album pop rock qui vise une nouvelle génération de fans. Un très bon disque dont le principal défaut est qu’on aurait pris volontiers quelques pièces additionnelles. (décembre 2008)

Même si Nick Cave est demeuré actif au cours des 2 dernières années avec les bandes originales de The Proposition et de The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (avec Warren Ellis), ainsi que le projet parallèle Grinderman, il reste que ce 14^e disque avec les Bad Seeds est le premier du groupe depuis l’excellent album double Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus, dont le principal défaut était justement d’être un peu trop long. L’album débute avec un son résolument rock avant de se calmer quelque peu sur « Moonland » à la 3^e piste et de devenir totalement soporifique sur « Night of the Lotus Eaters ». Par la suite, les premiers accords de « Albert Goes West » vous feront assurément sursauter alors que le groupe revient avec un rock n’ roll pur dans lequel la guitare est reine. La nouvelle énergie fournie par Grinderman semble s’être propagée à ce nouvel album du groupe complet des Bad Seeds. Les textes de Cave demeurent au centre de chacune des pièces, mais le groupe réussit habilement à les envelopper d’une musique riche et généralement énergique. En bout de ligne, c’est encore une fois un excellent disque que nous offrent Nick Cave et sa bande, un disque à la hauteur des attentes de leurs fans. (juin 2008)

Seulement 5 ans après une première compilation qui faisait un bon résumé de leur carrière, voilà qu’on nous revient avec un nouvel assemblage des plus grands succès des Chemical Brothers. On y retrouve 9 pièces qui était incluses sur Singles 93-03 à lesquelles on a ajouté 4 titres produits depuis ce temps et 2 compositions inédites. Brotherhood se veut donc un remplacement à la collection précédente du duo électronique en ressortant le meilleur de chacun de leurs albums, sauf qu’on n’y retrouve pas la même chronologie et que le désordre est donc total ici. Pour que l’achat en vaille vraiment le coût, je crois qu’il faut se procurer l’édition de luxe, puisque celle-ci contient un CD boni plutôt intéressant. D’une durée de 72 minutes, ce disque nous présente les 10 pièces d’Electronic Battle Weapons, produit avant leur signature pour une étiquette majeure. Il s’agit d’un album dansant aux ambiances tout de même variées, assez près malgré tout de ce qu’on a connu d’eux depuis. (novembre 2008)

Civet est un quatuor féminin de Long Beach en Californie qui en est à son 2^e album. Elles nous offrent un son punk de rue aux influences hardcore, un son hardcore qui n’est renforcé que par les cris de la chanteuse et l’impression qu’elle est dans une colère constante (le meilleur exemple se trouve certainement dans l’excellente « Son Of A Bitch »). Sinon, la musique de Civet demeure un punk rock assez mélodique avec des pièces inoubliables. Des comparaisons avec Joan Jett, les Runaways et Hole nous viennent facilement en tête. On peut également les comparer à Rancid sur des titres comme « All I Want », une pièce qui a d’ailleurs été coécrite par Tim Armstrong. Mais, ce qui est clair avec Civet, c’est que le groupe possède une énergie débordante du début à la fin, une énergie plus masculine que chez bien des boys bands. Musicalement, on ne révolutionne évidemment pas grand-chose puisque le genre a déjà été exploré de fond en comble trois fois plutôt qu’une, mais si vous cherchez un groupe punk rock offrant une certaine fraîcheur, Civet risque de grandement vous séduire. (février 2009)

Sur son plus récent album, Julien Clerc joue lui-même le piano pour la première fois, ce qui contribue à ajouter une touche plus personnelle au disque. Sa voix y est tout à fait remarquable, permettant une interprétation irréprochable des textes de Maxime Le Forestier, Carla Bruni, Gérard Manset, etc. Les orchestrations sont magnifiques et la réalisation de Benjamin Biolay permet d’assembler tous les morceaux pour créer un ensemble cohérent et particulièrement solide. La pop mélodique de Julien Clerc atteint ici de nouveaux sommets d’efficacité et Où s’en vont les avions? est assurément son meilleur album depuis longtemps. Si vous êtes fan de Julien Clerc ou de chanson française de qualité, ce nouvel album risque de grandement vous plaire. (décembre 2008)

Coldplay est enfin de retour, 3 ans après X & Y! Ce nouvel album, dont le titre complet est Viva La Vida or Death And All His Friends, a été réalisé par Markus Dravs, Brian Eno et Rik Simpson et enregistré dans une pâtisserie, un couvent, une boutique de magie et une église. Le groupe poursuit dans la même direction que celle amorcée pour le précédent album en laissant de côté le piano de Chris Martin pour plutôt mettre l’accent sur une guitare souvent toute en douceur dans un style qui nous rappelle à nouveau U2. Avec plusieurs pièces à tendance atmosphérique (qui ne tombent jamais dans la monotonie quand même), le résultat peut sembler expérimental et ne contient que bien peu de succès potentiels. Le premier extrait, « Violet Hill », ainsi que « Strawberry Swing » sont les seules qui réussissent à véritablement casser le rythme méditatif du disque. C’est un album qui nécessite plusieurs bonnes écoutes attentives pour arriver à en saisir toutes les subtilités dans les compositions et les arrangements. Malgré une durée de seulement 46 minutes, vous aurez l’impression d’entendre un album beaucoup plus vaste de par son spectre musical. Viva La Vida ne possède pas la même instantanéité que X & Y, mais il deviendra assurément beaucoup plus satisfaisant sur le long terme. Un point négatif à noter : le livret, qui se veut artistique, est plutôt dépourvu d’un point de vue informationnel. (chronique principale de juillet 2008)

Avec I, Flathead, Ry Cooder complète sa trilogie californienne débutée avec Chavez Ravine (2005) et My Name Is Buddy (2007). Pour accompagner ce nouvel album, Cooder a écrit une nouvelle de 104 pages, incluse dans la version de luxe du CD. Par contre, le disque s’écoute très bien par lui-même. Plus varié que le disque précédent qui était presque totalement folk, I, Flathead explore le rock, la pop, le country, le blues, la musique latine et même la narration. Ce sont tous des styles que Cooder a exploités à un moment ou à un autre de sa carrière, mais ici, il mélange le tout. Il s’agit d’ailleurs précisément du principal problème du disque qui semble aller dans tous les sens. Les compositions sont efficaces, mais elles s’enchaînent parfois bizarrement. I, Flathead est tout de même un autre excellent album de Ry Cooder. (octobre 2008)

Le maître de l’épouvante musicale, Alice Cooper, 60 ans, est de retour avec son 25^e album studio en carrière. J’avoue que je n’avais pas d’attentes particulières considérant la carrière du bonhomme qui a su présenté quelques albums géniaux à travers des disques beaucoup moins créatifs. Il faut tout de même avouer qu’il en a inspirés plus d’un en apportant une théâtralité unique sur scène. Il est d’ailleurs régulièrement cité comme une influence majeure pour des artistes comme Marilyn Manson, Rob Zombie et KISS. Sur Along Came A Spider Alice nous offre un album concept alors que les 11 pièces sont racontées par un tueur en série appelé Spider. Musicalement, on retrouve une guitare lourde et une ambiance sinistre, digne des meilleurs films d’horreur. Sur l’excellente « Catch Me If You Can », on retrouve un son hard rock rythmé qui se rapproche passablement de ce qu’il a produit à la fin des années 80. Quant à « Vengeance Is Mine », on peut y entendre la guitare de Slash (ex-Guns N’ Roses). Quelques pièces n’apportent rien de grandiose et ne font que poursuivre l’histoire. Par contre, l’ensemble contient suffisamment de moments excitants pour faire de cet album un disque intéressant. (octobre 2008)

La chanteuse R&B originaire de Toronto Deborah Cox est de retour sur disque après une pause de 6 ans (si on exclut son album hommage à Dinah Washington paru en 2007). Elle nous en promet beaucoup si on se fie au titre de ce nouveau disque. Par contre, la chanteuse de 34 ans ne semble pas avoir beaucoup progressé vocalement et musicalement depuis son méga succès de 1998 « Nobody’s Supposed To Be Here ». Même si son atout numéro un demeure sa voix, elle l’utilise bien peu sur cet album, peut-être parce que la majorité des compositions ne sont tout simplement pas à la hauteur. Il faut en effet attendre la 4^e pièce pour enfin entendre une mélodie intéressante (« Saying Goodbye »). Les rythmées « Beautiful U R » et « Down 4 U » sont également efficaces. Par contre, vous trouverez rapidement le sommeil, avec la chanson-titre, au piano. Deborah semble retenir sa voix en plusieurs occasions, elle qu’on comparait par le passé à Whitney Houston. Quelques moments aux cours de ces 10 pièces totalisant 40 minutes pourront possiblement attirer l’attention de ses plus grands fans, mais en général, The Promise ne réussit pas à répondre aux grandes attentes. (janvier 2009)

Crash Parallel est un groupe pop rock de Toronto qui nous a présenté en 2008 ce premier album. Véritablement transporté par la chanson-titre et l’autre excellent succès « Rain Delays », l’album a su s’attirer l’attention d’un public amateur de musique commerciale de qualité. On peut les comparer à Coldplay, Counting Crows et Dashboard Confessional, grâce à des mélodies puissantes et inoubliables sur des musiques généralement introspectives et sombres. Plusieurs pièces se ressemblent créant une uniformité qui peut être lassante à la longue. Heureusement que certains titres ressortent à travers le lot et nous donnent envie de chanter. Sans être d’une originalité débordante, World We Know est un premier album honnête pour un groupe dont on entendra assurément parler dans le futur. (mars 2009)

Vidéoclips : « World We Know » - « Rain Delays »

Six années de passées, et plus rien à espérer ? Hard Candy, sorti en 2002, était un bon album… mais peut-être trop effacé, comme une bonne partie de la carrière du groupe. Une carrière en filigrane, un groupe relativement discret et une popularité peu développée. Qui peut s’enorgueillir de citer plus d’un titre des Counting Crows (« Mr Jones » en l’occurrence…) ? Certainement peu de gens. Mais on n’a jamais dit (ou alors un soir d’alcoolémie élevée) que popularité était synonyme de talent et d’importance. Non, les Counting Crows sont au dessus de ça. D’ailleurs, peu de médias relayent la sortie de leur cinquième album… miraculé et miraculeux. Saturday Nights, Sunday Mornings, deux moments différents, qui marquent clairement deux esprits séparés dans le disque. Le samedi soir sonne la fougue (la claque rock n’ rollesque dès « 1492 »), la sueur (« Hanging Tree »), le blues fiévreux (« Los Angeles », « Sundays »), le rock émotionnel (« Insignificant »), l’urgence et le déchaînement (« Cowboys »). Le dimanche matin, aspirine en prime, sonne le feu de cheminée (« Washington Square »), le réveil amoureux (« Anything But You »), les regrets (« You Can’t Count On Me »), la guitare sur la plage (« When I Dream Of Michelangelo »). Mais sur toutes ces tranches de vie, le chant extrêmement émouvant d’Adam Duritz fait mouche ! Une sorte de main de fer dans un gant de velours… une voix qui s’adapte totalement et joue même un rôle prépondérant dans la réussite de ce Saturday Nights & Sunday Mornings. Et si c’était le meilleur album des Counting Crows ? (août 2008)

Alex Cuba (de son vrai nom Alexis Puentes) est né près de La Havane à Cuba. Multi instrumentiste, il a commencé à jouer dans le groupe de son père dès son plus jeune âge. Il est déménagé au Canada (en Colombie-Britannique) en 1999 et a formé le Alex Cuba Band avec son frère Adonis. Le duo s’est rapidement fait connaître sous le nom The Puentes Brothers et a lancé un album en 2000 qui s’est mérité une nomination pour un prix Juno. Alex Cuba travaille en solo depuis 2003 et Agua Del Pozo, son 2^e album, est d’abord paru au début de 2007 avant d’être remis sur le marché par EMI en 2008. On y trouve une musique latine fortement influencée par son Cuba natal, mais il y intègre de nombreux éléments nord-américains, dont une guitare électrique bien présente. Cette guitare crée d’ailleurs un lien naturel avec la musique de Santana, tout en conservant des points de comparaison certains avec des classiques cubains comme le Buena Vista Social Club. La basse occupe également une place de choix dans sa musique, créant du même coup une rythmique entraînante. Les compositions d’Alex Cuba sont efficaces et la richesse musicale qu’on retrouve sur l’album fait en sorte que peu de pièces sont faibles et inintéressantes. C’est un album qui ne laissera personne indifférent. (découverte du mois d'août 2008)

Le groupe nommé en l’honneur du joueur de hockey et dirigé par les frères Sébastien et Sylvain Séguin est de retour après le succès inattendu du premier en 2005, tiré par l’hymne au fameux joueur de hockey. Le groupe nous offre à nouveau un rock totalement déjanté aux influences punks et rock n’ roll. Ils explorent même le country sur le premier extrait, « À soir on sort ». Ce sont 16 titres qui nous sont offerts sur ce deuxième effort, pour un total qui dépasse à peine les 33 minutes. Quelques compositions attirent rapidement l’attention comme « Le reel du p’tit minou », « Le retour », « 2^e galette », « Swomp », « T’es-tu un Dales? », etc. D’autres par contre vous laisseront probablement indifférent. L’album a été réalisé par Olivier Langevin qui a su mettre en valeur le son brut et cru du groupe, alors que l’album a été enregistré en direct en studio. Les Dales Hawerchuk nous présentent encore une fois un disque énergique qui sera parfait pour trimballer sur scène tout l’été dans les festivals. (juillet 2008)

Jipé Dalpé est un jeune auteur-compositeur-interprète qui s’est fait remarquer ces dernières années dans les différents festivals de la chanson du Québec. Dès les débuts de son premier album, Les Préliminaires, on peut se rendre compte qu’il possède un talent brut, autant de compositeur que de chanteur et de musicien multi-instrumentiste. Musicalement, Dalpé peut être comparé à Dumas et Antoine Gratton avec une musique qui se veut simple tout en étant riche et en intégrant de l’électronique. Pour les textes, il aime bien utiliser des jeux de mots et son style peut s’apparenter à Vincent Vallières. Dalpé compte ici sur la précieuse collaboration d’Éloi Painchaud à titre de réalisateur et de musicien principal. Ce premier album s’avère être solide, même s’il pourra vous paraître un peu trop long vers la fin. Voici un artiste à surveiller… (novembre 2008)

Cette compilation du chanteur soul/R&B D’Angelo n’a qu’un seul but : offrir quelque chose à ses fans alors que son dernier album remonte à 2000. En effet, avec une discographie composée seulement de 2 albums, Brown Sugar (1995) et Voodoo (2000), D’Angelo possède bien peu de matériel pour une compilation de 17 titres totalisant 74 minutes. The Best So Far… fait donc un résumé de sa carrière jusqu’à maintenant avant qu’il revienne avec du nouveau matériel éventuellement. La portion la plus intéressante de cette compilation est l’ajout d’un DVD contenant 7 vidéoclips. Cet ajout est le seul élément qui risque d’attirer l’attention de ses fans, puisqu’ils possèdent déjà les 2 premiers albums, qui sont considérés parmi les meilleurs albums R&B des 15 dernières années. (octobre 2008)

Danny Twang est un groupe québécois qui nous propose une musique surf instrumentale, dans la plus pure tradition de ce genre musical américain du début des années 60. Le groupe est formé de membres des Jaguars, des Baronics, des 400 Lapins et du Hot Club de ma Rue (Django Reinhardt). Dirigé par les guitares remplies d’écho de Jérôme Turgeon et François Rousseau, le groupe nous présente 13 pièces originales qui rappelleront de bons souvenirs aux plus âgés ayant aimé cette musique avant même l’apparition des Beach Boys. Les plus jeunes auront maintenant la possibilité de se faire initier à ce rock n’ roll unique, une musique festive et chaude qui ne peut faire autrement qu’amener notre imagination sur les plages du sud de la Californie. Réalisé par les 2 cerveaux du groupe et mixé par l’excellent Glen Robinson, le disque demeure simple et reflète bien l’atmosphère de l’époque, avec l’avantage stéréo d’aujourd’hui, d’où le titre. Peu de pièces se démarquent du lot, à part peut-être « Pyramide folle », mais il s’agit d’un très bon disque qui réchauffera assurément vos soirées d’hiver. (décembre 2008)

Le groupe indie rock Death Cab For Cutie compte déjà plus de 10 ans d’existence et nous offre son 6^e album. Après avoir reçu l’éloge des critiques pour leurs disques précédents, les membres du groupe auraient bien pu s’enfler la tête, mais ce n’est pas le cas. Narrow Stairs poursuit dans la direction qui a permis au groupe d’atteindre lentement mais sûrement la reconnaissance. La principale différence ici est que les compositions de Benjamin Gibbard sont plus sombres que jamais. Certaines musiques demeurent malgré tout énergiques, voire même pop, apportant un certain contraste dans l’atmosphère du disque. Les 11 pièces de l’album sont particulièrement solides et les fans du groupe seront assurément comblés. Pour ceux qui ne connaîtraient pas encore Death Cab For Cutie, voici le CD idéal pour découvrir l’un des meilleurs groupes américains des dernières années dans son genre, un groupe qui n’a rien à envier aux Britanniques. (août 2008)

Le groupe de Los Angeles Dengue Fever est de retour avec son 3^e album. Alors que leur premier CD contenait seulement des classiques cambodgiens et que le 2^e nous présentait pour la première fois plusieurs compositions originales, Venus On Earth ne contient que des pièces signées du groupe. Ils réussissent ici à resserrer quelque peu leur style pour en faire un tout complet et particulièrement intéressant. La base de leur son se trouve toujours dans la musique cambodgienne des années 60, avec des influences surf, rock, pop et africaines, mais ils réussissent ici à définir véritablement leur propre style de musique pop alternative. La voix de la chanteuse Chhom Nimol, née au Cambodge, peut encore une fois agacer sérieusement lorsqu’elle atteint les notes les plus hautes, mais les ballades « Monsoon Of Perfume » et « Tooth And Nail » nous montrent un autre aspect de son répertoire vocal et nous réconcilient quelque peu avec sa voix unique. L’album débute en force avec le premier extrait du disque, « Seeing Hands ». D’autres pièces aux mélodies particulièrement efficaces conservent notre intérêt tout au long de l’album, dont « Tiger Phone Card » et « Sober Driver », 2 pièces sur lesquelles on peut entendre la voix du guitariste Zac Holtzman. Avec l’instrumentale « Oceans Of Venus », on a carrément l’impression de se replonger dans la musique des B-52’s à leurs débuts. Le son new wave américain de la fin des années 70 occupe d’ailleurs une place importante sur cet album coloré et varié. J’avais bien aimé leur opus précédent paru il y a 3 ans, Escape From Dragon House, mais le coup de barre que le groupe donne ici l’amène véritablement à un autre niveau, bien au-delà de la simple curiosité. Venus On Earth est un album original qui a le potentiel de plaire au monde entier… (avril 2008)

Dès le départ, précisons que Unicorn Steak n’est pas encore le premier album tant attendu du groupe torontois Die Mannequin. Il s’agit plutôt d’un assemblage des 2 premiers mini-albums du groupe, How To Kill (2006) et Slaughter Daughter (2007), qui ne seront désormais plus disponibles. Une pièce de ce dernier maxi n’est pas incluse ici (« Open Season »), mais on compte 2 titres additionnels, « Empty’s Promise (Early Demo) » et « Hand In Hand ». Le groupe, dirigé par la chanteuse Care Failure, nous montre à nouveau tout son potentiel et son énergie, ce qui nous rend encore plus impatient d’entendre un véritable premier album de leur part. (mai 2008)

Carl Barât semble avoir définitivement le cul entre deux chaises. Sans vouloir éternellement se référer à son passé, il est pourtant clair que Barât n'a pas trouvé la clé pour enfermer à jamais les démons rescapés des Libertines qui rôdent encore tout autour de lui. Il est comme bancal... comme un estropié qui aurait perdu une partie de ses appuis (en l'occurrence Pete Doherty). Musicalement, c'est flagrant. Alors qu'à l'inverse, Pete Doherty s'est complètement émancipé, tant sur le plan du vécu que de la musique. La première aventure des Dirty Pretty Things avait entrouvert les portes de l'espoir. Waterloo To Anywhere avec, certes, quelques relans bien sentis des Libertines, mais aussi un caractère immédiat et relativement punk. Romance At Short Notice se perd un peu… Rarement punk (« Buzzards And Crows », « Kicks Or Consumption »), souvent pop (« Truth Begins », « Hippy’s Son », « Plastic Hearts ») et folk (« Come Closer », « Faultlines »), Barât et les siens dérivent et semblent avoir perdu le nord. Du coup ce deuxième essai ressemble plus à un dérapage incontrôlé qu’à un virage souhaité et réussi. Le problème finalement c’est Barât… et son passé. Romance At Short Notice n’est pas un mauvais album et comporte même de bonnes chansons, mais rien d’exceptionnel… Quand on connaît les aptitudes du garçon, ça laisse un goût d’inachevé. (octobre 2008)

Le nom du groupe est bel et bien Does It Offend You, Yeah?. Le quatuor nous provient d’Angleterre et présente un son électronique dansant mélangeant new wave et indie rock. On peut les comparer à LCD Soundsystem, Daft Punk et The Chemical Brothers. Ils nous offrent ici leur premier album contenant 10 pièces pour un total de 38 minutes. Une bonne partie de l’album est instrumentale ou contient des voix retravaillées électroniquement (« Battle Royale », le simple « We Are Rockstars », etc.). Cette portion est idéale pour les planchers de danse et sera un véritable délice pour les DJ aimant intégrer différentes musiques à leur montage musical. D’un autre côté, certaines chansons dans le genre new wave aux mélodies inoubliables sont parfaitement formatées pour les radios commerciales comme « With A Heavy Heart (I Regret To Inform You) » et « Dawn Of The Dead ». C’est un album énergique et dansant qui intègre parfaitement musique électronique et rock alternatif. Il contient bien peu de faiblesses et il ne laissera personne indifférent. Il s’agit simplement de s’adapter à leur folie créative pour vivre une aventure inoubliable. Une bien belle découverte! (découverte du mois de décembre 2008)

The Duhks est un groupe folk rock / bluegrass de Winnipeg qui possède des influences latines et soul. Le groupe a connu un changement de personnel en 2007 accueillant la chanteuse Sarah Dugas, ainsi que son frère Christian à la batterie. Le quintet est donc maintenant fin prêt à nous offrir son 4^e album, Fast Paced World. Pour ce disque, ils étaient bien décidés à réinventer leur son et à nous surprendre. C’est donc un album parfois plus rock et parfois plus pop qui nous est présenté, un disque qui contient plusieurs succès potentiels pouvant rejoindre un large public. Le banjo en filigrane ainsi que des pièces plus traditionnelles comme « New Rigged Ship » nous rappellent leurs influences premières, et les rythmes latins sont encore bien présents. On peut entendre de la pop brésilienne sur l’excellente « Magalenha », et on peut également entendre Sarah chanter en français sur « Toujours vouloir ». Fast Paced World est un superbe disque qui ne présente que bien peu de faiblesses. Une très belle découverte… (octobre 2008)

C’est sur fond de peine d’amour que nous revient Catherine Durand après le succès de Diaporama. Cœurs migratoires est déjà le 4^e album de cette auteure-compositeure et interprète au talent sans bornes. Elle poursuit dans ce style folk contemporain qui lui va si bien, mais elle ajoute cette fois-ci une certaine richesse musicale par de nouvelles sonorités et orchestrations. Cette musique enveloppante se fusionne parfaitement à sa voix douce et apaisante. Même si le thème du disque n’est pas très joyeux, elle réussit par son environnement musical à créer une atmosphère ensoleillée qui tombe rarement dans la monotonie. Elle réussit plutôt bien à conserver l’intérêt tout au long des 12 pièces totalisant 52 minutes, à condition bien sûr d’avoir un intérêt à la base pour une musique aussi introspective. Il faut noter la présence du chanteur de Karkwa, Louis-Jean Cormier, qui vient donner la réplique à Catherine dans « Le bonheur est parfois maladroit », son premier duo. (octobre 2008)

On pensait que la beauf attitude (la vraie!) était une quasi exclusivité de Ted Nugent, mais il semblerait que Jesse Hughes en ait racheté la franchise. Tatouages en masse, nuque longue et cheveux gras, lunettes du flic motard Poncherello, bottes en cuir et moustache… Bref, la classe, la vraie. Pour la troisième fois, Josh Homme, leader des désormais imposants Queens Of The Stone Age, revient avec son ami Jesse Hugues pour une nouvelle partie de rigolade. Derrière ce nom à la con (qu’Axl Rose aura plaisir à requalifier de Pigeons Of Shit Metal), Homme et Hugues reviennent certes sans prise de tête, mais avec un minimum de sérieux. Autant le dire de suite, Heart On tient le pavé. Avec sa production froide (c’est Homme lui-même qui s’en est chargé) et son caractère garage, le disque ne sort pas vraiment du moule de ce nouveau millénaire… Alors non, il n’invente rien, jamais, mais il repose sur une douzaine de compos allant du sympathique au plus réussi. Outre le premier single « Wanna Be In LA », frais et léger sans être incontournable, les EODM touchent au mythe des Stones avec des riffs efficaces (« Anything ‘cept The Truth », « Heart On ») et des tics vocaux incontestables (« (I Used To Couldn’t Dance) Tight Pants », « Now I’m A Fool ») tout en tutoyant le boogie rock sans complexe (« Secret Plans »). Et puis avec des morceaux comme « Cheap Thrills », on comprend vraiment que les EODM ne sont pas qu’une vieille blague de potache mais un outsider crédible du rock. Dommage que les 4 derniers morceaux s’essoufflent un peu et atténuent cette première bonne surprise de l’année. Au moins, on a le droit à du bon vieux rock ludique qui sent le Jack Daniel’s, la poudre et les gonzesses… En même temps, Jesse Hugues n’a jamais caché ses vices. (mars 2009)

Le DJ jamaïcain Elephant Man roule sa bosse depuis déjà quelques années. Par contre, son style de dancehall souvent cru a pu repousser beaucoup de fans de R&B et de hip hop jusqu’ici. Avec Let’s Get Physical, il nous offre son premier album pour l’étiquette de Sean « P. Diddy » Combs, Bad Boy Records. Après 2 pièces à la rythmique quelque peu agaçante en ouverture, le disque démarre véritablement avec « Feel The Steam » mettant en vedette Chris Brown. L’efficacité du mélange entre le reggae et le R&B se poursuivra ensuite sur « Throw Your Hands Up » avec Rihanna, ainsi que sur la rafraîchissante « Five-O » avec Wyclef et P. Diddy (une pièce qui reviendra en version remixée à la 13^e piste). L’apport de Swizz Beatz à « Jump », avec une structure rythmique totalement originale, permettra à cette pièce de se démarquer du reste du disque. Une de mes préférées est certainement l’énergique « The Way We Roll (Remix) » avec Busta Rhymes et Shaggy, et l’intégration du classique « Let’s Get Physical » (d’Olivia Newton-John) dans « Body Talk » rend celle-ci tout aussi intéressante. L’ensemble peut sembler quelque peu inégal avec certaines pièces qui n’impressionneront à peu près personne, mais dans l’ensemble, Elephant Man nous offre un album solide, probablement le meilleur de sa carrière jusqu’à maintenant. (juillet 2008)

Suite à son controversé premier album en 2006, le groupe post-punk de Las Vegas, Escape The Fate, a dû procéder à certains changements. Premièrement, ils ont perdu un guitariste en pleine tournée. Puis, le chanteur Ronnie Radke a eu sa part de problèmes avec la drogue et la justice, forçant le groupe à lui montrer la porte. Pour le remplacer, on a fait appel à Craig Mabbitt, mais on a décidé de continuer à un seul guitariste. Mabbitt apporte une énergie nouvelle particulièrement appréciée. Il possède une voix puissante qui ne va qu’en de rares occasions du côté guttural (entre autres sur la très bonne chanson-titre), ce qui représente un changement de son pour le groupe. Le premier extrait de l’album, « The Flood », est tout à fait excellent, avec une énergie hors du commun qui n’est pas sans nous rappeler le rock d’aréna des années 80, Mötley Crüe en tête. Malheureusement, encore une fois le groupe nous propose beaucoup trop de compositions ordinaires, banales autant musicalement que textuellement. Ces pièces ne permettent pas de bien mettre en valeur l’énergie unique que possède le groupe et nous donnent plutôt envie de passer certaines pistes du disque. This War Is Ours représente probablement un pas en avant pour Escape The Fate, mais il manque ce petit extra qui permettra au groupe de se différencier parmi tous les groupes emo qui envahissent les États-Unis. (mars 2009)

Vidéoclips : « The Flood » - « Something »

Après le très moyen Infinity On High paru en 2007, le défi du groupe pop punk Fall Out Boy était de revenir à ce qui leur avait permis de sortir de l’ombre en 2005 sur From Under The Cork Tree. Folie à deux doit donc remplir cette difficile tâche. Le groupe avait déjà laissé tomber le côté punk dans sa musique sur son dernier album et il poursuit dans la même direction ici avec des influences un peu plus près de la fin des années 60. Ils empruntent un peu le même chemin que Panic At The Disco sur son excellent dernier album. On inclut des orchestrations à gauche et à droite qui viennent enrichir la musique du groupe, une musique qui est particulièrement créative par moments. Des pièces hard rock sont parfaitement formatées pour les arénas et les gars n’auront pas à les retravailler avant de partir en tournée. Certaines pièces sont vraiment efficaces en ce sens comme « Headfirst Slide Into Cooperstown On A Bad Bet » et « (Coffee’s For Closers) ». Par contre, ces pièces puissantes ultra rythmées alternent avec des titres soul, R&B et new wave, créant un mélange plutôt hétéroclite, mais grandement réussi. En fait, ce qui s’avérait maladroit sur leur album précédent colle ici de belle façon pour en faire un amalgame intéressant. Certaines pièces déplairont assurément à certains auditeurs, surtout leurs premiers fans. Par contre, Folie à deux mérite quelques écoutes attentives pour réaliser que Fall Out Boy est encore un des meilleurs groupes dans son genre. (février 2009)

Fat Joe est productif depuis plus d’une quinzaine d’années dans le milieu du rap new yorkais. Pour son 8^e album, The Elephant In The Room, il met le paquet en intégrant tout ce qui a fait sa force au cours des années. Il possède un sens inestimable de la mélodie, même s’il peut être parfois monotone. Fat Joe demeure généralement dans des thèmes plutôt durs. Ici, il semble avoir une véritable obsession pour la cocaïne, alors que c’est un thème récurrent dans plusieurs des pièces. Peu de titres possèdent un réel potentiel commercial, mais plusieurs plairont à un public averti, amateur de rap de qualité. The Elephant In The Room est probablement le meilleur album de sa carrière à ce jour. (août 2008)

Le groupe post hardcore Fear Before The March Of Flames a profité d’un changement important de son pour raccourcir son nom. La principale différence se situe au niveau des voix alors que le groupe laisse complètement tomber la voix de gorge pour plutôt utiliser des mélodies. Elles ne sont pas toujours efficaces, mais l’effort est notable. En réalisant ce virage, le groupe se rapproche du même coup de certains classiques du métal. À plusieurs moments on croirait entendre Ozzy Osbourne ou Mike Patton, alors qu’en d’autres occasions un peu plus théâtrales, c’est King Diamond qui nous vient aux oreilles. On peut même entendre plusieurs chanteurs invités de groupes comme The Fall Of Troy, Heavy Heavy Low Low et Portugal. Le principal problème de cet album éponyme est que les mélodies ne semblent pas du tout cadrer avec l’expérimentation musicale du groupe qui paraît tout à fait cacophonique en arrière-plan sur plusieurs pièces. Sur d’autres compositions plutôt lentes comme « Jabberwocky » et « Tycho », l’ensemble se mélange de façon plus acceptable. C’est dommage que leur musique devienne alors si ennuyante! Finalement, il reste bien peu d’éléments intéressants sur ce disque pourtant prometteur. Les plus grands fans du groupe seront peut-être enchantés de voir que Fear Before est encore capable d’évoluer. Par contre, j’ai déjà vu de bien plus belles évolutions chez d’autres artistes… (janvier 2009)

Ferras (né Ferras Alquasi) est un nouveau chanteur pop rock de Los Angeles. L’Amérique l’a d’abord découvert à l’émission American Idol grâce à sa chanson « Hollywood’s Not America ». Par contre, c’est son intense ballade « Take My Lips » (qu’on retrouve ici en fermeture d’album) qui lui a permis d’obtenir son premier contrat de disque. Ferras, qui est avant tout pianiste, joue énormément dans le répertoire des ballades. En différentes occasions, on peut saisir des influences certaines de David Bowie et d’Elton John. On peut également le comparer en partie à Dashboard Confessional. Ses compositions sont solides et les arrangements, exceptionnels. Les faiblesses sont plutôt rares, ce qui fait peut-être d’Aliens & Rainbows un des meilleurs albums pop de l’année. Évidemment, avec plusieurs ballades, vos goûts personnels vous dicteront peut-être de passer votre chemin. Par contre, elles sont toutes extrêmement efficaces. Une bien belle surprise! (découverte du mois de juillet 2008)

Le créatif chanteur français est de retour sur disque, ukulélé à la main, pour nous offrir sa poésie unique. Il nous présente 11 pièces à la mélodie inoubliable. Même si les arrangements sont généralement d’une grande simplicité, Fersen réussit à intégrer différents sons, souvent subtils, augmentant grandement la richesse musicale de l’album. Ses influences sont variées et il les intègre toutes parfaitement. Une guitare hawaïenne par ci, un rythme jamaïcain par là, sans oublier des influences congolaises, font en sorte d’élargir le spectre musical de Fersen, malgré des textes toujours simples. J’aime un peu moins la musique de Fersen dans ses moments les plus intimistes. Par contre, j’adore les pièces bien remplies d’instruments et d’arrangements divers, créant une musique colorée et riche. C’est donc encore une fois un très bon disque que nous propose Thomas Fersen, un album sur lequel il réussit à poursuivre son évolution musicale. (janvier 2009)

Après avoir offert gratuitement son album Over The Counter Culture sur Internet, l’éclectique Tim Fite nous revient avec un 3^e album qui est vendu chez les disquaires cette fois. Il laisse de côté le hip hop de l’album précédent, mais il continue à utiliser de l’échantillonnage et différents montages avec sa voix, construisant d’excellentes harmonies vocales et une musique bien particulière autour de la batterie. Généralement difficile d’accès, la musique de Fite prend tout de même un tournant pop sur « Big Mistake », une excellente pièce qui est probablement sa plus accessible en carrière, ainsi que sur « Sing Along ». Chaque album de Tim Fite s’avère être un exercice de style et c’est encore une fois le cas sur Fair Ain’t Fair. Il s’agit donc d’un disque pour les fans de musique originale et expérimentale, qui possède pour la première fois la possibilité de rejoindre un public un peu plus large. Les amateurs de Beck y trouveront probablement aussi leur compte. (août 2008)

Son premier album studio, Bossa Blue, a obtenu un succès inattendu, ce qui a augmenté la pression sur les épaules de cette jeune chanteuse talentueuse. Sauf que pour une fille comme Florence Khoriaty, ce n’est pas une pression de la part du public qui allait ralentir son processus créatif. Au contraire, La historia de Lola a été composé et enregistré en quelques semaines seulement. Elle nous offre à nouveau un mélange de chansons personnelles à consonance jazz, de rythmes latins (particulièrement cubains) et de blues, en français, en anglais, en espagnol et en portugais. L’album débute avec « Et si jamais », un duo avec Bernard Lavilliers. Par la suite, on plonge au cœur de La Havane grâce à « Hija de Cuba », avant d’entendre une pièce coécrite par sa tante Marie-Claude Choquette, « Sonho de Mulher ». Celle-ci a également coécrit « Ma rose » qu’on retrouvera un peu plus tard. « Such a Shame » est un blues unique et « Les épaves » nous présente de superbes arrangements de cordes en accompagnement à la mélodie charmante de Florence. « Estalla el viento en la calle » est un poème de Rolando Escardo mis en musique par Florence K. La chanson-titre est probablement la pièce la plus complète de ce disque avec une introduction à la guitare flamenco et de très bons arrangements de cuivres pour accompagner ces rythmes latins dansants et cette mélodie inoubliable. Le piano y joue également un rôle important. « Santiago » a été coécrite par le romancier Georges-Hébert Germain. Finalement, Florence nous offre un classique blues, « I’d Rather Go Blind » et un succès de Christopher Cross, « Sailing ». Encore une fois, Florence K nous propose un album varié et envoûtant, un album de 13 pièces qui compte bien peu de faiblesses et comblera ses nombreux fans. (février 2009)

La première question qui nous vient à l’esprit lorsqu’on voit cette nouvelle compilation double de Foreigner c’est : « Pourquoi? ». C’est que l’étiquette Rhino a déjà mis sur le marché une compilation similaire en 2000 intitulée Jukebox Heroes, avant de nous arriver avec une compilation simple quasi-parfaite de 20 titres en 2002, Complete Greatest Hits. La principale différence qu’on retrouve sur No End In Sight par rapport à Jukebox Heroes est qu’on se concentre exclusivement sur Foreigner, sans offrir de pièces de Lou Gramm et Mick Jones en solo. Quant à la différence avec l’album simple de 2002, on retrouve ici 12 pièces de plus, surtout des pistes de leurs albums qui n’ont pas connu beaucoup de succès, 1 pièce inédite et 3 en concert. Il s’agit donc d’une version un peu plus élaborée de cette excellente compilation, pour ceux qui en voudraient un peu plus. Le livret est encore une fois très détaillé avec une biographie et une discographie complètes. Les fans qui désirent une compilation exhaustive de leur groupe préféré devraient être amplement satisfaits avec No End In Sight. Par contre, ceux qui voudraient seulement leurs plus grands succès sauraient certainement se satisfaire de Complete Greatest Hits, qui a l’avantage de tenir sur un seul disque. (septembre 2008)

Le rappeur alternatif Michael Franti et son groupe sont de retour avec un tout nouvel album particulièrement attendu, All Rebel Rockers. Il fait suite à l’album très politique et anti-guerre de 2006, Yell Fire. On peut entendre un changement de son drastique sur ce nouvel album alors que Franti et sa bande ont été s’installer à Kingston en Jamaïque pour la majeure partie des enregistrements en compagnie des réalisateurs Sly Dunbar et Robbie Shakespeare. Le reggae, le dub et le dancehall sont donc bien présents tout au long du disque, ce qui donne un  album particulièrement varié et énergique. Une célébrité jamaïcaine du dancehall, Cherine Anderson, vient prêter sa voix à 3 pièces, ce qui ajoute encore plus à cette ambiance jamaïcaine. On peut également entendre Zap Mama sur « High Low ». Franti se permet de chanter ici plus que jamais, une nouvelle façon de faire passer ses textes, toujours engagés même si un peu plus personnels cette fois-ci. L’album a été arrangé de telle sorte qu’il présente bien ce que doit offrir le groupe en concert. Peu d’ajustements devront donc être apportés pour transporter ces chansons sur scène. Michael Franti et Spearhead nous offrent peut-être leur meilleur album en carrière avec All Rebel Rockers. (novembre 2008)

Après 3 albums en français qui lui ont permis de conquérir l’Europe entière, voilà que le Québécois Pierre Garand (alias Garou) nous présente son premier disque de langue anglaise. Plusieurs de ses fans de la première heure attendaient impatiemment qu’il revienne à un style un peu plus près du rhythm & blues qu’il interprétait si bien en spectacle à ses débuts. À l’annonce de cet album en anglais, tous les espoirs étaient donc permis, mais ce ne sera pas encore le CD qui les comblera. Garou demeure toujours dans un style pop adulte où la ballade occupe une place particulièrement importante. Il y a bien quelques moments un peu plus rock intégrant une guitare électrique qu’on peut enfin entendre, mais ses fans des derniers albums ne risquent pas de s’y perdre. Piece Of My Soul inclut des collaborations de premier plan comme Rob Thomas (Matchbox 20) qui a écrit le premier extrait, « Stand Up ». On retrouve également des textes d’Aldo Nova (« Coming Home » et la chanson-titre) et d’Enrique Iglesias (« First Day Of My Life »), sans oublier de nombreux collaborateurs de Céline Dion au cours des dernières années. Ce 4^e album de Garou est assurément son plus calculé à ce jour, parfaitement formaté pour les radios adultes. Sa réalisation est tellement polie qu’on en perd même les caractéristiques uniques de sa voix qui l’ont rendu célèbre. Les quelques éléments blues qu’on pouvait percevoir à l’occasion disparaissent complètement ici dans un disque sans personnalité, beaucoup trop propre pour passer l’épreuve du temps. Quelques pièces accrocheuses séduiront certainement son public malgré tout, mais on aurait souhaité beaucoup mieux de son premier album en anglais. C’est bien dommage… (septembre 2008)

Le légendaire Brésilien Gilberto Gil nous a présenté une musique particulièrement métissée depuis le début de sa carrière dans les années 60, fusionnant des rythmes de samba, de salsa et de bossa nova au rock et au folk. Banda Larga Cordel poursuit dans la même direction alors que le style musical évolue d’une pièce à l’autre. On y retrouve une musique pop latine ensoleillée qui n’est jamais ennuyante. À travers ses textes en portugais qui traitent de technologie, de politique, etc., on peut entendre une pièce en français, « La renaissance africaine ». C’est un album plaisant à écouter que nous offre ici Gilberto Gil, un album parfait pour une ambiance estivale. (septembre 2008)

Glasvegas est un groupe indie rock de Glasgow en Écosse dont le nom est un mélange de leur ville d’origine et de Las Vegas. Leur premier album éponyme est paru à la fin de 2008. Il intègre diverses influences essentiellement britanniques avec plusieurs passages nous rappelant les hymnes colossaux de U2, Coldplay et The Frames. L’album débute avec une pièce qui annonce toutes les couleurs du reste de l’album, « Flowers and Football Tops ». Avec une durée de 7 minutes, on y retrouve probablement tout ce que le groupe pense nous offrir par la suite, des influences rock des années 60, aux percussions très riches, le tout enrobé dans une production majestueuse, à la limite de l’exagération. Malheureusement, cette première pièce s’étire en longueur et nous enlève dès le départ un élément d’excitation qu’on aurait grandement préféré pouvoir conserver. La première moitié du disque propose un certain dynamisme dans un son rock qui installe à la base des atmosphères particulières. Par la suite, on retrouve plus de moments introspectifs qui selon moi sont un peu moins réussis. Même si le groupe ne révolutionne pas la musique avec ce premier album, plusieurs éléments sont intéressants et laissent présager un futur intéressant pour le groupe. (découverte du mois d'août 2009)

Vidéoclip : « Geraldine »

Après le méga succès de « Crazy » et les critiques positives de l’album St. Elsewhere, il fallait bien revenir à la charge pour Gnarls Barkley. La collaboration entre le DJ et réalisateur Danger Mouse (Gorillaz) et le rappeur/chanteur versatile Cee-Lo Green se poursuit donc à nouveau sur The Odd Couple. Le duo continue dans la même direction, sans grandes surprises, alors qu’on retrouve les mêmes sonorités et rythmes entendus précédemment. On peut à nouveau faire un parallèle avec Outkast et les Black Eyed Peas, même si la voix unique de Cee-Lo rend Gnarls Barkley facilement reconnaissable entre tous. Le principal défaut du disque est qu’il y manque un hit instantané de la trempe de « Crazy ». L’autre défaut, c’est que les moments les plus créatifs du disque, ceux qui se distinguent de l’album précédent, sont difficiles à adopter. « Who’s Gonna Save My Soul » par exemple est certainement leur composition la plus poignante, mais devient rapidement plutôt lassante. Quant à « Open Book », elle possède une rythmique totalement déconstruite qui la rend pratiquement inécoutable. Finalement, ce sont les moments les plus comparables au disque qui les a fait connaître qui réussissent le mieux à nous divertir, malgré une sensation de déjà vu (« Run (I’m A Natural Disaster) », « Surprise », etc.). En bout de ligne, l’album offre de bons moments, mais rien permettant de rivaliser avec leur disque précédent. (mai 2008)

Après les albums plutôt dansants Black Cherry et Supernature, le duo britannique composé d’Allison Goldfrapp et Will Gregory nous revient avec un album totalement différent. Cette fois-ci, on ralentit le rythme considérablement, question de nous transporter dans un tout autre univers. Les moments électroniques nous rapprochent à nouveau du trip hop qu’on pouvait retrouver sur leurs albums précédents. Par contre, le duo nous offre une musique beaucoup plus organique avec une guitare acoustique bien présente par moments qui ne nous ramène pas bien loin de la musique folk. Ce tournant plus calme permet d’explorer un côté émotionnel qui était auparavant caché par le glamour des rythmes incessants. Il permet aussi à Allison d’amener sa voix à un niveau de nuances jamais atteint jusque là. Par contre, il est certain que les fans de Goldfrapp seront déstabilisés au premier abord. Mais une fois le choc passé, on apprécie grandement cet album tout en douceur qui nous sort des clubs de nuit pour nous amener en plein milieu d’un champ par un après-midi ensoleillé. Seventh Tree  est un disque solide qui attirera un tout nouveau public auprès de Goldfrapp. (juin 2008)

Après Greatest Hits, Vol. 1: The Singles, une compilation parue l’an passé se concentrant surtout sur les ballades à succès des dernières années, voici le volume 2. En fait, « greatest hits » n’apparaît nulle part sur l’album et avec raison, puisque ce sont plutôt des pièces moins connues, raretés et reprises qu’on retrouve ici. L’avantage principal est qu’on peut entendre un peu plus du rock n’ roll des Goo Goo Dolls, même si leurs premières années sont passablement ignorées. C’est quand même rafraîchissant que de se voir offrir les presque punks « Torn Apart » (de l’album éponyme de 1987) et « No Way Out » (de l’album Jed paru en 1989). On retrouve enfin sur ce volume 2 l’excellente « Long Way Down » qui avait honteusement été oubliée lors de l’édition précédente. On peut également entendre une rareté intéressante pour les fans des dernières années, la version démo de « Iris ». Pour le reste des 15 premières pièces, rien n’attire véritablement l’attention, si ce n’est que l’ensemble démontre un peu plus d’énergie que tous leurs albums des 10 dernières années réunis. Pour compléter le CD, on peut entendre 7 reprises, efficaces pour la plupart. Un DVD est également inclus présentant 17 vidéoclips, ainsi que 6 pièces en concert à Red Rocks. En bout de ligne, ce coffret CD/DVD vient compléter à merveille le volume 1 qui lui, servait véritablement de compilation.

Dès 1994, Axl Rose a commencé à travailler à ce nouvel album. Mais la direction qu’il désirait lui donner, avec un son peu plus industriel, a créé de la dissension au sein du groupe, ce qui a provoqué le départ de tous les autres membres sauf le claviériste Dizzy Reed. Depuis ce temps, différentes dates de sorties ont été annoncées, des versions démos sont apparues sur le web et le groupe s’est produit en spectacle en plusieurs occasions, surtout à Los Angeles. Beaucoup de fans avaient jeté la serviette, moi y compris, ne croyant jamais pouvoir entendre cet album qui était devenu une véritable moquerie. Finalement, il aura fallu attendre la fin de 2008 pour voir sur les tablettes le fameux Chinese Democracy. L’album serait le plus cher de l’histoire considérant toutes les heures passées en studio. Il est donc le premier album studio de Guns N’ Roses depuis 1993 alors que le groupe nous avait présenté un album de reprises en The Spaghetti Incident?. Et il faut remonter à 1991 pour retrouver les dernières compositions originales du groupe sur les 2 albums Use Your Illusion. J’avoue que je n’avais pas trop d’attentes vis-à-vis ce nouveau disque fantôme, mais j’ai été agréablement surpris dès la première écoute. Le son n’est pas aussi industriel qu’annoncé, même si on en retrouve des soupçons à gauche et à droite nous rappelant le son nu metal de la fin des années 90. On reconnaît assez facilement le son de Guns N’ Roses (de la période Use Your Illusion), pas seulement à cause de la voix unique d’Axl, mais aussi de toute la musique interprétée par une panoplie de musiciens. En fait, à travers les 14 pièces incluses ici totalisant plus de 71 minutes, on entend carrément la suite logique des deux Use Your Illusion. Je crois que si l’album était paru il y a 10 ans, il aurait pu devenir un des meilleurs albums de 1998. Malheureusement, en 2008, la scène musicale est passablement différente et il en est apparu des nouveaux artistes de talent depuis ce temps. D’un autre côté, tout le travail qui a été mis à peaufiner chacune des pièces fait en sorte que la production est de grande qualité. Et, il ne faut pas se le cacher, on retrouve des compositions extrêmement solides sur Chinese Democracy, dont la plupart deviennent plus intéressantes à chaque nouvelle écoute. Le disque manque quelque peu d’uniformité, mais je pensais la même chose des deux Use Your Illusion à l’époque et ils sont devenus de véritables classiques. Même si ce ne sera pas le cas pour Chinese Democracy d’un point de vue artistique, il reste que nous avons entre les mains un album surprenant, un album de grande qualité. (chronique principale de janvier 2009)

Le producteur derrière Hercules And Love Affair est Andrew Butler, un DJ du Colorado. En 2007, il a décidé de s’entourer de musiciens et chanteurs pour créer sa propre musique. Le groupe nous présente ici son tout premier album, un disque offrant un divertissement garanti. Mélange parfait entre le house et le disco, entre les cuivres et les rythmes électroniques, cet album éponyme nous présente une musique énergique et dansante. L’électro ambiante est explorée en certaines occasions (« Time Will », « Iris », « Easy »), mais c’est le disco qui domine, un disco des années 2000 qui peut difficilement se comparer à celui de la fin des années 70 malgré quelques clins d’oeil. Le son moderne bénéficie d’une production hors du commun qui met évidemment l’accent sur le rythme, mais qui réussit aussi à bien mettre en valeur les différents instruments, créant du même coup une grande richesse musicale. L’album est tout en subtilités et en nuances, et c’est un véritable plaisir que de l’écouter attentivement pour tenter de tout détecter, sans cesser de taper du pied. Contrairement à beaucoup d’autres albums de musique électronique, celui-ci n’a pas été réalisé spécifiquement pour les planchers de danse. Il peut donc vivre complètement dans votre chaîne stéréo, même si certaines pièces ont tout ce qu’il faut pour satisfaire les danseurs dans les clubs, dont le premier succès, l’excellente « Blind ». Non seulement le groupe réussit à magnifiquement faire évoluer le disco, mais il nous présente un album totalement original et unique. Un véritable tour de force pour ce nouveau groupe à l’avenir pavé d’or! La version américaine de l’album contient 2 pièces en boni (« Classique #2 » et « Roar »), ainsi qu’une portion multimédia présentant le vidéoclip de « Blind ». (découverte du mois de janvier 2009)

Après 3 albums résolument folks, ancrés solidement dans les racines américaines, voilà que Jolie Holland prend un virage plus urbain avec un son et des sujets des années 2000. Sa voix douce est encore une fois absolument magnifique et elle est accompagnée par la toute aussi superbe guitare de M. Ward et de Marc Ribot (un collaborateur de Tom Waits et Elvis Costello). Malgré sa simplicité folk, The Living And The Dead possède une richesse musicale certaine et procure un sentiment chaleureux particulièrement agréable. Elle nous offre encore quelques moments de jazz, de country et de blues. Elle s’essaie même au rock sur « Your Big Hands », que n’auraient certainement pas renié les Rolling Stones. Malgré cette direction plus moderne, Holland interprète à nouveau des standards folks : la traditionnelle « Love Henry » et, en conclusion du CD, « Enjoy Yourself ». Jolie Holland nous présente probablement ici son album le plus complet à ce jour, même si certains moments pourront ennuyer certains auditeurs moins connaisseurs de sa musique. (décembre 2008)

Patricia Day et Kim Nekroman (de Nekromantix) sont de retour avec le 3^e album de HorrorPops. J’avais adoré leurs 2 premiers disques parus en 2004 et 2005 alors que les Danois nous offraient un mélange très intéressant de styles autour du psychobilly, leur style de prédilection. Kiss Kiss Kill Kill poursuit dans la même direction, cette fois-ci en faisant un clin d’œil au cinéma. Le quintet est redevenu un trio pour ce disque qui comporte encore une fois son lot de pièces énergiques et efficaces. Parmi les plus intéressantes, on retrouve la pièce d’ouverture, « Thelma & Louise », l’excellente « MissFit » (qui contient un bout de « Our House » de Madness remise au goût du jour), « Boot2boot », « Heading For The Disco? », « Everything’s Everything » et la chanson-titre. La deuxième moitié contient quelques titres un peu moins captivants qui peuvent contribuer à nous faire décrocher, mais l’ensemble demeure tout de même solide. (avril 2008)

Hot Chip est un groupe de Londres qui en est déjà à son 4^e album. Il nous propose un mélange parfait de rock et d’électronique pour en faire une musique énergique et extrêmement efficace. Certains rythmes techno nous rapprochent quelque peu d’un son industriel, ce qui rend du même coup le groupe un peu moins accessible. Par contre, en général le groupe nous offre de bonnes pièces pop qui peuvent être passablement accrocheuses, comme c’est le cas avec le succès « Ready For The Floor » par exemple. L’album est varié et particulièrement créatif. Par contre, il contient des ballades franchement ennuyantes et endormantes comme « Whistle For Will », « In The Privacy Of Our Love », « We’re Looking For A Lot Of Love » et la chanson-titre. Ces 4 pièces en moins feraient de Made In The Dark un album de première qualité, même s’il demeure divertissant et plaisant à écouter. Le groupe a très certainement atteint ici le sommet de sa carrière. (juillet 2008)

Sur ce 3^e album, le groupe du sud de la Californie I Am Ghost nous propose une réorientation certaine. Le groupe, qui a subi différents changements de personnel en 2007 derrière le chanteur Steve Juliano, laisse tomber le côté opéra rock de l’excellent Lover’s Requiem. Le groupe se concentre sur un son punk / screamo / gothique avec de très efficaces mélodies et une énergie incomparable. Quant aux solos de guitare à l’emporte-pièce, ils sont directement empruntés au mouvement power metal. Tout ça enrobant des textes sombres et tragiques, typiques au goth metal. C’est donc toute une panoplie d’influences qu’I Am Ghost nous présente encore une fois. L’excellente « Don’t Wake Up » donne le ton à ce disque incomparable qui contient bien des mélodies inoubliables. Au milieu de l’album, la très bonne « So, I Guess This Is Goodbye » est un succès assuré. Those We Leave Behind est complètement différent de l’album précédent, mais il est aussi très solide. I Am Ghost demeure selon moi une longueur en avant des autres groupes screamo grâce à une créativité particulière. (janvier 2009)

Zaki Ibrahim est une jeune chanteuse née à Vancouver et qui a grandi entre l’ouest canadien et l’Afrique du Sud. Elle nous présente maintenant son premier album complet, après un mini-album qui a fait jaser dans l’underground canadien, Igra In Orange. Zaki nous offre une musique unique inspirée à la fois de hip hop, soul et R&B, mais enrobée d’arrangements électroniques particulièrement bien fignolés. Elle possède une très jolie voix, mais les arrangements favorisent avant tout l’ensemble musical, une décision que j’applaudis grandement. L’éclectisme de l’album pourra en décontenancer certains, mais selon moi, la richesse musicale et les influences diverses qu’on retrouve sur Eclectica représentent la force brute de l’album. Évidemment le jeune âge de Zaki fait en sorte qu’elle pourra perfectionner son art dans les années à venir en polissant un peu plus ses compositions et en raffinant les arrangements pour construire un ensemble plus consistant. Eclectica est tout de même un excellent premier disque par une artiste à découvrir pour ceux qui apprécient une musique différente. (décembre 2008)

Il y a peu de différences entre cette nouvelle compilation de Billy Idol et celle parue en 2001. On retrouve tout de même 2 titres de plus pour un total de 18, présentés dans un ordre presque chronologique. En plus de ses 14 plus grands succès en carrière, on retrouve « Speed » du film du même titre, ainsi que « World Comin’ Down » tirée de son dernier album paru en 2005, Devil’s Playground. Pour compléter le tout, on retrouve 2 nouvelles pièces qui ne sont pas inintéressantes : « John Wayne » et « New Future Weapon ». Un livret plus détaillé aurait probablement été la seule chose qu’on aurait pu ajouter pour améliorer cette collection de succès de Billy Idol. En plus, une version avec DVD est disponible permettant de visionner la quasi-totalité de ses vidéoclips, lui qui a su bénéficier dès le début de sa carrière de l’apport de MTV. (septembre 2008)

Plusieurs compilations du meilleur matériel du groupe métal Iron Maiden ont été mis sur le marché au cours des dernières années et en voici une nouvelle. Sa particularité est qu’elle ne couvre que les années 80, soit les années les plus créatives du groupe. Elle se veut essentiellement un accompagnement à leur tournée de 2008 pour faire connaître à leurs plus jeunes fans la musique de leurs meilleures années. Par contre, ce n’est pas encore la compilation ultime pour plusieurs raisons. Premièrement, des classiques ont été rejetés (« Running Free », « Flight Of Icarus », « Heaven Can Wait », « The Clairvoyant ») et ce, même s’il restait de l’espace sur le CD (9 minutes). Ensuite, on retrouve 4 pièces dans leur version en concert de l’album Live After Death (« Aces High », « Phantom Of The Opera », « Wrathchild » et « Iron Maiden »), alors qu’on aurait bien aimé les entendre dans leur version studio. Finalement, le tout nous est offert dans un ordre quelconque que le gérant du groupe, Rod Smallwood, définit dans le livret comme l’ordre qu’on s’attendrait à voir sur scène. Selon moi, un ordre chronologique aurait été beaucoup plus logique pour une compilation de ce genre. C’est vrai qu’il est difficile de faire une compilation complète d’Iron Maiden, mais en se concentrant sur les années 80, on aurait certainement pu nous offrir beaucoup mieux. Somewhere Back In Time peut tout de même servir de point de départ aux nouveaux fans. (juillet 2008)

I Set My Friends On Fire est un duo de Miami en Floride qui avant tout ne se prend pas trop au sérieux. Ils nous offrent un son screamo / post hardcore, mais avec diverses insertions de pop et d’électronique. À l’intérieur d’une même pièce, ils peuvent pousser la voix gutturale à l’extrême, à la limite du death metal, et enchaîner tout de suite avec une petite voix pop toute douce à la Mika accompagnée de synthétiseurs presque enfantins. Le groupe s’est d’abord fait connaître sur MySpace grâce à sa version grindcore de « Crank Dat » de Soulja Boy. Fort de millions d’écoutes en ligne, le groupe a ajouté quelques titres originaux sur sa page et est devenu célèbre avant même d’avoir lancé un album. Après avoir signé un contrat avec Epitaph Records, ces deux jeunes créateurs nous ont présenté leur premier album à l’automne 2008. Inutile de souligner la grande variété musicale contenue sur l’album qui va bien au-delà du screamo. Un thème revient du début à la fin : l’ironie. Nabil Moo et Matt Mihana ont du plaisir à créer de la musique et ça se sent. Pas question de se torturer l’esprit; on s’amuse, tout simplement. Le résultat est créatif et divertissant, même si quelques bonnes écoutes sont nécessaires pour adhérer à tous ces changements fréquents d’ambiances. Un album à découvrir! (découverte du mois d'avril 2009)

Islands est un groupe montréalais né en 2005 des cendres de The Unicorns. Ils avaient attiré l’attention de la presse indépendante américaine en 2006 avec leur premier album, Return To The Sea. Deux ans plus tard, le groupe nous revient avec Arm’s Way, toujours dans un son indie rock et pop. La pièce d’ouverture et premier extrait, « The Arm », est un succès assuré et la locomotive de cet album qui laisse bien des gens sceptiques. Il commence pourtant en force avec de bonnes mélodies pop. Ça se gâte malheureusement à partir de la 3^e piste, « Abominable Snow », alors qu’on retrouve des moments franchement ennuyants enrobés dans des orchestrations et une surproduction à n’en plus finir. Il y a bien la disco/rock « Creeper » qui est solide, mais pas beaucoup d’autres pièces réussissent à capter positivement notre attention. Je voulais à tout prix aimer le disque et l’ai réécouté jusqu’à satiété, mais plusieurs pièces m’obligent à me rendre à l’évidence : les gars se sont un peu trop pris au sérieux ici. Malgré cette déception, on peut tout de même voir le potentiel de ce jeune groupe qui pourrait fort bien surprendre dès son prochain disque. (juillet 2008)

L’ancien leader de Something Corporate, Andrew McMahon, œuvre maintenant sous le nom de Jack’s Mannequin. Pour l’occasion, l’auteur-compositeur, pianiste et chanteur s’est entouré de nombreux collaborateurs et a lancé un premier album en 2005 intitulé Everything In Transit. La leucémie l’a tenu à l’écart par la suite, mais il est de retour avec un des albums les plus attendus de 2008. The Glass Passenger nous présente à nouveau des mélodies pop rock parfaitement formatées pour les radios, mais à la différence près que l’on retrouve beaucoup moins le côté ensoleillé du premier album. On peut comprendre, avec ce qu’il vient de vivre, que McMahon ait écrit des chansons un peu moins joyeuses. Par contre, cette nouvelle ambiance n’ajoute rien de bien positif au disque. McMahon est définitivement à son meilleur dans les pièces les plus énergiques comme « Spinning », « American Love », « Suicide Blonde » et « Bloodshot », toutes des pièces au refrain puissant et inoubliable. Malheureusement, des ballades plaintives viennent carrément gâcher la sauce et nous donner le goût de revenir à son premier album ou d’attendre le suivant. Vous trouverez de bons moments, mais aussi plusieurs occasions de perdre patience à travers les 14 pièces du disque. (décembre 2008)

Jackson United a été formé en 2004 par le guitariste des Foo Fighters et de Me First and the Gimme Gimmes, Chris Shiflett. Il est accompagné du guitariste Doug Sangalang et du bassiste Scott Shiflett (Face To Face). Sur l’album Harmony and Dissidence, le 2^e du groupe, la batterie est assurée par Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) et Taylor Hawkins (Foo Fighters), mais Joe Kid (Mighty Mighty Bosstones) fait maintenant partie du groupe. Jackson United nous propose un son rock énergique et accessible qui se situe quelque part entre les Foo Fighters et Blink 182, avec quelques éléments occasionnels de ska. La pièce d’ouverture, « 21st Century Fight Song », est un succès assuré avec son effet rassembleur. Quelques pièces vous laisseront un peu plus indifférents en certaines occasions, mais le groupe termine l’album en force avec une excellente reprise de Billy Bragg, « Help Save The Youth Of America » et « Loose Ends », 2 pièces offertes en boni. (novembre 2008)

La jeune et talentueuse actrice Scarlett Johansson possède également un talent de chanteuse qu’elle a décidé d’exploiter en enregistrant ce premier album, Anywhere I Lay My Head. Réalisé par David Andrew Sitek de TV On The Radio, l’album nous présente un son pop alternatif adulte qui peut être quelque peu difficile d’approche au premier abord, mais qui réussit à créer en bout de ligne une ambiance toute particulière. Il faut dire que le disque contient presque exclusivement des pièces de Tom Waits. L’album débute lentement et il faut attendre la 3^e piste, « Falling Down » pour véritablement assister au décollage de ce disque. La participation de David Bowie et une mélodie inoubliable en font la pièce maîtresse de cet album. Bowie reviendra un peu plus tard pour prêter à nouveau sa voix à « Fannin Street ». « Song For Jo » est la seule pièce qui n’est pas de la plume de Waits, mais plutôt de Scarlett et Sitek. Les réarrangements uniques de ces pièces de Waits sont intéressants, surtout sur « I Don’t Wanna Grow Up », mais quelque chose nous agace tout au long du disque. C’est que l’univers de Waits est réarrangé ici à la manière de Sitek, ce qui laisse bien peu de place à la voix et à la personnalité de Scarlett. Elle semble être simplement utilisée comme un instrument à l’intérieur du projet, alors que c’est son nom qu’on retrouve en page frontispice. Un album contenant des compositions d’un bonhomme comme Tom Waits peut difficilement être totalement mauvais, mais il faut absolument l’écouter comme musique d’ambiance en oubliant le nom de la chanteuse dont on entend la voix. C’est dommage car Scarlett aurait pu nous proposer un projet bien plus solide mettant véritablement de l’avant son talent. (juillet 2008)

Le chanteur pop et soul britannique Tom Jones est de retour sur disque pour le plus grand plaisir de ses fans. Il s’entoure ici du réalisateur Future Cut, ainsi que de compositeurs de renom comme Bono et The Edge de U2 sur « Sugar Daddy » (à laquelle ils participent également en tant qu’interprètes), en plus de Bruce Springsteen sur « The Hitter ». Sur 24 Hours, on retrouve un Tom Jones en grande forme, autant vocalement que musicalement. Avec un son d’aujourd’hui, il réussit à nous offrir des pièces originales dans un style qui ne devrait pas prendre au dépourvu les fans de ses plus grands classiques. L’atmosphère chaude et sensuelle est toujours au rendez-vous sur des rythmes entraînants et des mélodies efficaces. Autant le premier extrait, « If He Should Ever Leave You », que les excellentes « I’m Alive » et « Give A Little Love » ont tout ce qu’il faut pour satisfaire ses fans de longue date, tout en réussissant à en conquérir de nouveaux. C’est un album surprenant qui nous est offert ici, un album d’une très grande qualité. (février 2009)

La chanteuse et violoncelliste Jorane œuvre déjà depuis 10 ans dans le milieu artistique québécois. Pour l’occasion, on nous présente 10 de ses meilleures pièces, telles que sélectionnées par ses fans. Même si elles ne sont pas présentées en ordre chronologique, on peut entendre des pièces tirées de chacun de ses albums, de Vent fou en 1999 jusqu’à son plus récent, Vers à soi. L’album démarre en force avec l’excellente « Pour Gabrielle » et la pièce écrite par Daniel Lanois, « Pour ton sourire ». On peut aussi y entendre « Stay », tirée de The You And The Now, album qui a fait une percée aux États-Unis en 2004. En boni, on retrouve un deuxième disque présentant des enregistrements inédits pour des bandes originales de films. Encore une fois, on en compte 10, composés par Jorane et enregistrés pour différents films et documentaires produits entre 2002 et 2008. Cet album double nous offre donc le meilleur de Jorane depuis le début de sa carrière. Il s’agit d’un must pour ses fans et d’une excellente façon de la découvrir pour les autres. (janvier 2009)

La fille derrière Kellarissa est Larissa Loyva, une chanteuse expérimentale de Vancouver qui a œuvré au sein de P:ano et The Choir Practice. Avec Flamingo, elle nous offre son tout premier album solo. Il s’agit d’un disque en 2 parties : une enregistrée en studio et l’autre dans son sous-sol. Dans les deux cas, les arrangements sont simples (voire même simplistes) avec une pop électronique qui nous atteint directement sans aucun détour inutile. Les compositions sont originales et les harmonies sont toujours d’une efficacité incomparable. L’album réussit à nous séduire rapidement et le charme opérera ainsi jusqu’à la fin, soit 35 minutes plus tard. Malgré tout, on retrouve une évolution certaine entre la première et la deuxième partie, la première étant remplie d’une musique pop passablement accessible alors que la deuxième tombe dans des expérimentations vocales qui pourront repousser certains auditeurs. Certaines envolées vocales (comme dans « Carrying On ») ne sont pas sans nous rappeler Björk. Le pouvoir de la nature est un thème récurrent sur l’album et les arrangements très « naturels » cadrent bien dans ce thème. Voici un album tout en douceur qui s’écoute à merveille! (découverte du mois de mai 2009)

Le groupe du Tennessee Kings of Leon nous a déjà présenté son 4^e album en 2008 avec Only by the Night. L’album a connu un succès intéressant tout en s’éloignant de leur style du sud des États-Unis qui avait fait de Aha Shake Heartbreak, leur 2^e album, un disque de grande qualité alliant leurs racines et le modernisme. Only by the Night est un disque résolument de son époque et qui n’a pas de frontières. Il a connu un regain de vie au Canada en 2009 grâce au succès radio de « Use Somebody » et plusieurs ont alors découvert le groupe. L’album nous offre des pièces solides de rock contemporain avec un soupçon de mélancolie présent de façon constante. On joue plus ici sur le terrain de U2 que sur celui du Allman Brothers Band. Malheureusement, les pièces les plus solides se trouvent toutes dans la première moitié et la deuxième contient différentes explorations musicales pas toujours réussies. Malgré ces faiblesses, Only by the Night rivalise certainement avec Aha Shake Heartbreak en tant que meilleur album du groupe. (juin 2009)

Vidéoclips : « Sex on Fire » - « Use Somebody »

Près de vingt ans après la sortie de Let Love Rule, Lenny Kravitz divise parfois, mais surprend toujours. L’image people, son attachement à la mode, ses tribulations affectives et la relative faiblesse de son album Baptism ont parfois poussé ses détracteurs à le mettre à six pieds sous terre. Mais l’un des fils spirituels de Hendrix, de Prince et de Lennon, n’a pas d’états d’âme et revient à ses premiers amours sur It Is Time For A Love Revolution. Soul, funk, blues, rock, Lenny joue de tous les instruments, guitare, basse, batterie, claviers… comme au bon vieux temps. Dès le premier titre éponyme, la leçon de rock est lancée. Riff plaqué, offensif et solo hendrixien. Kravitz voulait revenir à une représentation plus épurée du rock, plus directe, plus brute. Les influences restent toujours très seventies mais se rapprochent plus de Led Zeppelin sur « If You Want It » et le funky rock « Love Love Love » (avec son riff à casser la baraque) ou des Rolling Stones avec la groovy « Dancin’ Til Dawn » (très « Miss You » dans l’esprit) avec un majestueux final au saxo. Pop sur « Good Morning », émouvant sur « This Moment Is All There Is », funk groovy sur « Will You Mary Me » (Stevie Wonder n’est pas loin), renversant et intimiste sur « A Long And Sad Goodbye » (une intro à pleurer, un solo à mourir…) et poignant sur le single « I’ll Be Waiting »… Kravitz a donné de son être, y a mis toute son âme. Alors que peut-on lui reprocher ? Un son un peu trop propre ? A la rigueur… Un manque d’innovation ? En même temps, il avait promis un retour aux sources, et tout le monde l’attendait sur ce terrain… et là, c’est parfait. Et puis, surtout, ne jamais oublier, outre la performance musicale, Lenny balance une interprétation vocale des plus énormes depuis le début de sa carrière, avec une justesse et des paquets de nuances inédites. It’s definitively time for a love revolution ! (avril 2008)

Lady Antebellum est un trio formé à Augusta en Georgie en 2006. Ils nous offrent une musique country contemporaine avec une direction pop évidente, par les mélodies et les harmonies vocales, et rock, par les nombreuses guitares et le rythme entraînant. Le mélange de la voix de baryton de  Charles Kelley avec celle toute féminine d’Hillary Scott crée une richesse vocale unique. Même si le groupe a totalement écrit et composé ce premier album, il demeure dans des thèmes propres au country, et en ce sens, les fans du genre ne seront pas trop pris au dépourvu. L’album s’écoute à merveille du début à la fin, mais il reste que c’est le simple « Love Don’t Live Here » qui en constitue la locomotive. Le trio ne révolutionne certainement pas le nouveau country pour l’instant, mais on peut facilement croire qu’il pourrait le faire dans le futur considérant toutes les qualités que l’on retrouve ici. Un groupe à surveiller! (mars 2009)

Vidéoclip : « Love Don’t Live Here »

Voici le 4^e album du quatuor électro pop Ladytron. Alors que le groupe a su grandement évoluer à chacun de ses albums se distinguant toujours du précédent, voilà qu’on retrouve plutôt ici un mélange de ce qui a fait le « succès » des enregistrements précédents. Velocifero nous présente définitivement un côté sombre avec des rythmes frôlant l’industriel par moments, des sons de synthétiseurs souvent inquiétants à l’arrière-plan et une guitare bien présente. Le groupe a réalisé lui-même l’album, mais peut-être que la collaboration d’Alessandro Cortini (ex-Nine Inch Nails) n’est pas étrangère à cette atmosphère plutôt lourde. « Black Cat » et « Ghosts » commencent l’album en force, et elles seront appuyées plus tard par d’autres pièces de qualité comme « Runaway », « Kletva » (une reprise d’un film bulgare pour enfants), et « They Gave You A Heart, They Gave You A Name ». Par contre, comparativement aux albums précédents de Ladytron, on détecte un certain manque de créativité par moments. Ce manque ne vient tout de même pas trop affecter l’atmosphère de l’ensemble du disque qui demeure efficace. De plus, il se termine de belle façon avec l’excellente « Versus », un duo pop dominé par la guitare acoustique. (juillet 2008)

Il y a plusieurs mois, Lapointe nous annonçait que son prochain album ne contiendrait que des chansons écrites par des femmes. Sauf que la sortie de l’album D’elles par Céline Dion l’a forcé à changer ses plans. Peut-être que sa séparation d’avec son épouse y est aussi pour quelque chose puisqu’il nous offre ici un disque entièrement basé sur les ruptures amoureuses. Un autre changement important : le départ de son fidèle guitariste de toujours, Stéphane Dufour, qui désirait se concentrer sur sa carrière solo et accorder plus de temps à sa famille. L’essentiel des guitares est joué ici par le virtuose Steve Hill, Bruce Cameron et Dan Georgesco (Les Porn Flakes, Too Many Cooks). C’est seulement dommage que la réalisation fasse en sorte que la voix rauque du chanteur éclipse complètement les guitares. D’ailleurs cette voix devient de plus en plus basse avec les années, à tel point que lorsqu’il ne crie pas, on perd pratiquement les paroles dans un bourdonnement sourd. Étant donné le sujet de l’album, on devine facilement la présence d’un grand nombre de ballades. Les textes sont venus de fidèles collaborateurs comme Roger Tabra, Jamil et Luc Plamondon, mais on retrouve aussi Michel Rivard (« Avalanche »), ainsi que Louise Forestier et Daniel Lavoie (« 1500 miles »), qui viennent également participer en tant que chanteurs. Lapointe semble vouloir passer un message clair à son ex-épouse (et toute future amoureuse) dans « Le mari pop », alors qu’il lui dit en gros qu’elle sait comment il est dans son mode de vie rock n’ roll et que si ça ne lui plaît pas, elle n’a qu’à ne pas le marier. « Toucher » a été un gros succès malgré son style un peu trop adulte pour les radios commerciales, et Lapointe récidivera certainement avec « 1500 miles ». Après plusieurs pièces plutôt lentes et sombres, l’album change quelque peu d’atmosphère à la 9^e piste avec « Les malheureux », la plus rythmée du disque. Par la suite, on retrouve sa version bien personnelle de « L’amour existe encore » de Plamondon, ainsi que le méga succès en duo avec Dennis DeYoung (Styx), « One Hundred Years From Now ». Quand l’album de près de 53 minutes se termine, on réalise qu’il s’agit peut-être ici d’un des albums les plus complets de Lapointe, malgré quelques ballades qui nous laissent indifférents en cours de route. Il s’est déjà écoulé à plus de 65 000 exemplaires et parions que la tournée qui suivra dans la prochaine année et demie fera rapidement doubler ces chiffres. Le CD nous est offert dans un beau coffret métallique avec un écrin de velours. (juin 2008)

Fantasme « Bowien », exutoire d’un génie débordé par le succès ou caprice de star en mal de reconnaissance profondément artistique, nul n’a d’explication rationnelle à l’existence de The Last Shadow Puppets. Et pourtant, succès et consécration ont déjà frappé à la porte d’Alex Turner, chanteur et songwriter des Arctic Monkeys avec notamment l’excellent Favorite Worst Nightmare. Avec son copain des Rascals, Miles Kayne, ils montent un projet parallèle, The Last Shadow Puppets, co-écrit par leurs deux plumes, qui s’inscrit dans la lignée d’un David Bowie (époque Space Oddity), de l’avant-gardiste Scott Walker et de Jacques Brel (dixit les deux intéressés…). La première écoute déstabilise, provoque une onde de choc. La voix d’Alex Turner, si particulière et tellement associée au rock alternatif des Monkeys, ne semble pas coller d’entrée de jeu. Mais au fil des écoutes, les chants croisés du duo se fondent royalement dans le décor très théâtral de cette pop multi arrangée. Turner et Kayne ont affiché la volonté d’écrire un grand album de pop grandiloquente, à l’ancienne, avec ses multi orchestrations. Promesse tenue, puisque chacune des douze compositions est transportée par un flot d’arrangements très raffinés, omniprésents mais jamais oppressants. En ressortent des bijoux au cachet intemporel, perdus dans un monde parallèle, entre fiction cinématographique et poésie. « The Age Of Understatement », « Standing Next To Me », « Calm Like You », « My Mistakes Were Made For You », autant de belles réussites qui font mouche avec le temps. Alex Turner et Miles Kayne sont transportés loin de leur base mais ne se perdent pas. Au contraire, cet album contraste avec une sorte d'image de post adolescent effronté qui colle parfois à la peau de Turner. Et clairement, les deux anglais entrent dans une autre dimension, avec une victoire : celle d'avoir réussi à faire un bon album de pop 60's. (juin 2008)

Ce nouvel album du chanteur soul Amos Lee a été réalisé par Don Was. Sur la pièce d’ouverture, « Listen », Lee s’essaie au rock, mais il demeure à son meilleur dans des pièces soul typiques. Il explore également le blues en quelques occasions (« Truth », « Street Corner Preacher ») avec succès. Il n’exploite malheureusement pas suffisamment toutes les possibilités de sa voix, alors que plusieurs pièces lui en offriraient pourtant l’opportunité. Malgré de très bons moments, l’album nous présente plusieurs pièces facilement oubliables dû à un manque flagrant d’originalité. De plus, le manque d’équilibre tout au long du disque fait en sorte qu’on s’y perd quelque peu. C’est dommage car Lee possède un style unique et une voix incomparable. De meilleures compositions et une direction plus nette devront être visées lors d’un prochain disque. (août 2008)

Un an après son premier album, le groupe hard rock Lillian Axe est revenu à la charge avec Love + War. Le groupe, dirigé par le virtuose de la guitare Stevie Blaze, nous offrait à nouveau un métal mélodique aux solos de guitare mémorables. Comme ce fut le cas pour leur album éponyme de 1988, on réédite maintenant l’album pour le plus grand plaisir des fans du groupe et du hard rock des années 80. Le seul problème, c’est que si leur premier album manquait de créativité, c’est encore plus le cas sur celui-ci où l’on rapplique la recette du précédent. Le manque de subtilité des textes et la voix de Ron Taylor peuvent être souvent agaçants. Par contre, il est encore intéressant d’écouter Love + War presque 20 ans plus tard. (mai 2008)

Vers la fin du règne du hard rock des années 80 est apparu un groupe au style de guitare unique, Lillian Axe, dirigé par le guitariste Stevie Blaze. Malgré des compositions souvent banales en termes de créativité et d’originalité, le groupe a su attirer l’attention des fans de métal classique et de guitare électrique aux solos à l’emporte-pièce dans la lignée de Van Halen et White Lion. Leur album éponyme de 1988 a été le premier disque à être présenté au public et on le réédite maintenant 20 ans plus tard, au grand plaisir des nostalgiques de l’époque. Il est vrai que les compositions du groupe ont plutôt mal vieilli, mais il est toujours intéressant d’entendre un virtuose de la guitare à l’œuvre. C’est seulement malheureux qu’il ne se laisse pas aller un peu plus souvent, comme le font si bien Yngwie Malmsteen, Eddie Van Halen et Joe Satriani. (avril 2008)

À la fin des années 80, le groupe new yorkais Living Colour a apporté un vent de fraîcheur dans un son hard rock qui s’essoufflait grandement. Ils ont réussi à produire des succès inoubliables comme « Type », « Cult Of Personality », « Love Rears Its Ugly Head » et plusieurs autres. Après 2 excellents albums, le groupe a eu beaucoup de difficulté à demeurer créatif et s’est finalement séparé au milieu des années 90. Au début des années 2000, les gars se sont retrouvés pour une nouvelle tournée et ils sont finalement revenus au fameux CBGB de New York le 19 août 2005 pour une performance incomparable. C’est cet événement qu’on retrouve ici sur CD alors que le groupe y interprète tous ses plus grands succès, incluant l’excellente « Glamour Boys », ma préférée. Le groupe débute avec beaucoup d’énergie sur « Type », alors qu’il l’accélère passablement. Par la suite, on retrouve de l’improvisation et de l’expérimentation dans un son plutôt lourd où la guitare de Vernon Reid est plus présente que jamais. Le groupe n’a jamais été aussi efficace au cours de sa carrière et les 12 pièces présentées ici vous donneront certainement le goût de redécouvrir leur œuvre. Un excellent disque par un groupe qu’on a oublié beaucoup trop rapidement. (décembre 2008)

Lyrics Born est un rappeur de la côte ouest américaine, né au Japon. Même s’il demeure plutôt méconnu du grand public, il constitue une force incomparable du hip hop underground. Il a prêté sa musique à plusieurs publicités, séries télévisées et films et il présente environ 150 concerts par année à guichet fermé. Everywhere At Once est son 4^e album. Il y présente un rap, intégrant funk et pop, qui peut se rapprocher quelque peu de Gnarls Barkley. Durant la première moitié de l’album, les musiques s’enchaînent de belle façon alors que les 4 premières pièces sont très efficaces avec des mélodies accrocheuses et des rythmes qui vous garderont difficilement en place bien longtemps. Par la suite, la formule s’essouffle quelque peu et on retrouve différents éléments largement exploités par d’autres artistes ces dernières années. Des moments intéressants vous arriveront en différentes occasions, mais rien de totalement original. J’ai bien aimé le reggaeton de « Top Shelf (Anything U Want) », mais on n’y distingue pratiquement pas la personnalité de Lyrics Born. « Do U Buy It? » est passablement différente de l’ensemble, mais elle ressemble un peu trop à un mariage entre Outkast et The B-52s. Lyrics Born est reconnu pour sa créativité débordante et pour ne pas écrire 2 fois la même chanson, mais on peut dire qu’il dévie de sa route sur Everywhere At Once. Malgré 56 minutes qui vous paraîtront assurément trop longues, l’album contient tout de même suffisamment de succès potentiels pour capter l’attention d’un large public. (juillet 2008)

Mademoiselle K était une femme, un rock… le rock. Quelques centaines de scènes plus loin, l’osmose s’est créée et décuplée avec les autres membres. Mademoiselle K est devenu un groupe, enchaînant directement sur un deuxième opus qui a la lourde tâche de prendre la relève de Ça Me Vexe, véritable succès. Agaçante, tête à claque, rock n’ roll et désinvolte, Katerine peut énerver au départ et séduire à l’arrivée (j’en parle en connaissance de cause), ou l’inverse… mais son influence n’est pas neutre dans une France en manque de Chaman rock. À peine revenu d’une tournée définitivement sportive, le groupe ne reprend même pas son souffle avant de s’enfermer en studio pour enregistrer Jamais La Paix. Bien entendu, le titre de l’album résume à merveille l’hyper activité des Mademoiselle K. Et c’est peut-être cette urgence qui amène la fougue sur le premier titre « Le Vent La Fureur » ou sur « Jamais La Paix »… Ça commence fort, ça sonne brut et dur, non sans emprunter quelques influences en fond à Noir Désir ou Eiffel, mais avec une puissance doublée d’une rage intacte. Alors, quand « ASD » et sa basse « Pixiesienne » apportent une touche suave et la chanson écorchée « Maman XY » touche au plus profond, on sent venir l’énorme réussite… Le single groovy « Grave » et « Pas Des Carrés » sentent M à plein nez mais sans contrefaire pour autant. Une voix légèrement éraillée, des textes chargés en émotion et en vécu, un son qui ne se cache pas derrière des artifices inutiles… c’est bien du rock, du vrai. Seul bémol, passés les six premiers titres, la deuxième partie de l’album est plus inégale avec des morceaux moins forts. Il semble manquer une certaine cohérence dans l’ensemble. Mais globalement, l’examen est passé avec succès. (décembre 2008)

Après le dansant Confessions on a Dance Floor, qui a connu un immense succès, Madonna est de retour avec son 11^e album, Hard Candy. Cette fois-ci, elle a décidé de faire appel aux réalisateurs les plus en vue : Timbaland, Justin Timberlake, Pharrell Williams et Nate « Danja » Hills. On retrouve donc un peu plus de hip hop et de R&B dans sa musique. Par contre, alors qu’on s’attendrait à un son très actuel, c’est plutôt l’inverse. Elle qui a toujours su devancer les modes, voilà qu’elle arrive quelques années en retard dans un style particulièrement bien développé par des filles comme Nelly Furtado et Rihanna. Plusieurs pièces nous semblent déjà complètement dépassées et par le fait même, totalement inintéressantes. Le premier extrait, « 4 Minutes » (avec Justin Timberlake et Timbaland) est quand même efficace, tout comme « Heartbeat ». Par contre, la locomotive de cet album demeure l’énergique « Give It 2 Me » qui fait habilement le pont avec son album précédent. C’est triste à dire, mais plusieurs pièces de Hard Candy ne sont pas dignes de la reine de la pop. Les mauvaises langues diront qu’elle a simplement voulu se débarrasser de ce dernier album pour l’étiquette Warner. Je ne crois pas que ce soit le cas, mais il reste qu’elle aurait pu continuer dans une direction beaucoup plus créative et innovatrice pour fêter ses 25 ans de carrière et sa nomination récente au temple de la renommée du rock n’ roll. Hard Candy constitue peut-être la déception de l’année. (chronique principale de juin 2008)

France Maisonneuve est une auteure-compositeure-interprète qui roule sa bosse depuis un certain temps déjà. Après avoir remporté le coup de cœur du public au Festival international de la chanson de Granby, elle participe au Festival en chanson de Petite-Vallée en 1998 où elle décroche le prix du public. En 2004, elle accepte un rôle dans la production Broadway au Théâtre du Casino du Lac-Leamy de Gatineau. En 2005, elle se lance en solo, avant de se voir offrir l’opportunité de reprendre des classiques jazz au Tropicana Casino Hotel d’Atlantic City. Il ne restait plus qu’à concrétiser son rêve d’album, qu’elle matérialise ici avec Le bonheur tranquille. France nous offre une musique pop plutôt douce mettant bien en valeur sa voix puissante et polyvalente. Le premier extrait, la chanson-titre, séduit rapidement et nous convainc à lui seul de son grand talent. D’autres titres comme « Peur du passé » et « Plus rien » sont absolument excellents et constituent des succès assurés. La pièce d’ouverture, « Le goût de vivre (Fallait pas) », est également de très grande qualité. Vous reconnaîtrez peut-être aussi « Dehors » qui faisait partie de la compilation Loft Story 2. En plus d'avoir écrit plusieurs des 11 pièces de son album, France peut compter sur la présence de collaborateurs de renom : Éric Maheu de Kaïn (« Le bonheur tranquille »), Andrée Watters et Pascal Dufour des Respectables (« Peur du passé ») et Sophie Nault (« L’aveu » de Garou). Même si la deuxième moitié du disque possède moins de morceaux accrocheurs, l’ensemble de ce premier album de France Maisonneuve demeure solide et sait mettre en évidence tout son talent. (mars 2008)

Ancien membre du groupe alternatif Pavement, Stephen Malkmus s’est lancé dans une carrière solo lorsque le groupe a décidé de prendre une pause en 1999. Malkmus a d’abord lancé un album éponyme remarquable en 2001 et il en est maintenant à son 4^e album, toujours accompagné par les Jicks. Real Emotional Trash nous présente plusieurs pièces longues s’apparentant à de véritables jams en studio entre Malkmus et son groupe (la chanson-titre atteint même les 10 minutes). On retrouve malgré tout quelques pièces pop accrocheuses comme il peut si bien faire (« Gardenia », « We Can’t Help You »). Malkmus possède une voix plus claire que jamais et il s’amuse inlassablement à la guitare la faisant grincer dans un style qui n’est pas sans nous rappeler Sonic Youth, une de ses influences majeures. La section rythmique des Jicks bénéficie d’un vent de fraîcheur et d’une nouvelle énergie sur cet album grâce à la présence à la batterie de Janet Weiss, ex-Sleater-Kinney. Stephen Malkmus nous présente ici un album mature et d’une grande richesse, qui nécessite quelques bonnes écoutes, mais qui récompense admirablement ceux qui prendront le temps de l’apprivoiser. (août 2009)

Man Man est un dérivé de différents genres musicaux demeurant essentiellement expérimental et psychédélique. Dès le début, un nom nous vient en tête, Frank Zappa. Même si la comparaison demeure juste jusqu’à la fin, d’autres parallèles doivent également être faits : Tom Waits, Captain Beefheart, Mike Patton, etc. Le groupe est surtout reconnu pour ses performances exceptionnelles sur scène et il a été invité à jouer en première partie de groupes comme Arcade Fire et Modest Mouse. On retrouve ici leur 3^e album, Rabbit Habits, le premier pour l’étiquette Anti. On y retrouve un vaste spectre d’instruments (orgue, cuivres, xylophone et percussions diverses) venant ajouter une grande richesse aux expérimentations du groupe. Malgré des moments totalement éclatés, Man Man possède de solides influences rock et blues qui viennent créer une certaine base musicale rassurante. Par contre, l’ouverture d’esprit est définitivement une caractéristique essentielle à avoir avant de débuter l’écoute de l’album. En différentes occasions, ils créent une ambiance carnavalesque ou de cirque à travers laquelle on s’attend presque à voir apparaître des clowns pas trop rassurants, dignes des meilleurs films d’horreur. Je ne connais pas leurs albums précédents, mais Rabbit Habits serait leur plus accessible à ce jour. Si c’est vraiment le cas, leurs 2 premiers albums devaient être particulièrement bizarres… (juin 2008)

Pour son 4^e album, The Mars Volta a décidé d’y aller à fond avec un style qui demeure lourd et fort du début à la fin, contrairement aux disques précédents qui alternaient avec des moments un peu plus doux. Tout en demeurant progressif et expérimental, The Bedlam In Goliath puise un peu plus dans les influences premières du groupe, soit le thrash et le funk metal. On reconnaît des accents de Faith No More et Mike Patton en différentes occasions, mais le style unique que The Mars Volta a réussi à créer depuis ses débuts n’est pas trahi pour autant. Avec 12 pièces qui s’enchaînent à un rythme effréné pendant 76 minutes, on pourrait croire qu’on perdra patience avant la fin, mais ce n’est pas le cas. Le groupe réussit à conserver notre attention tout au long de l’album grâce à sa créativité débordante et une énergie qu’on ne lui connaissait que trop peu jusque là. The Bedlam In Goliath est un excellent disque, un des meilleurs du genre en 2008. (janvier 2009)

Après un superbe album en 2006, Decomposer, la pression s’avérait particulièrement forte sur les épaules des 4 membres du groupe pop punk The Matches. Il semble que cette pression leur ait coupé l’inspiration puisque le groupe semble complètement perdu sur A Band In Hope. Les expérimentations solides du dernier disque se transforment ici en essais divers allant piger dans différents styles qui n’ont rien à voir avec les influences du groupe. Après la solide « AM Tilts », « Their City » va un peu trop dans le hard rock des années 80, « Wake The Sun » dans la pop légère des années 2000, « Darkness Rising » dans un mauvais fond de tiroir de Queen et « To Build A Mountain » est tout simplement ennuyante à l’extrême, comme ce sera le cas un peu plus tard avec « From 24C ». La guitare dans « We Are One » vient directement du hard rock des années 80, mais ce n’est malheureusement pas le cas de la rythmique et de la mélodie. Sur « Clouds Crash », ils réussissent un véritable tour de force en rendant une pièce de 2:12 trop longue pour qu’on puisse l’écouter jusqu’au bout. On dirait une version ratée d’une vieille toune de Bowie. Insupportable! Heureusement qu’il reste « Point Me Toward The Morning », « Future Tense » et « Yankee In A Chip Shop » pour nous raccrocher à leur passé et nous rassurer quelque peu. Je ne sais vraiment pas ce que le groupe avait en tête, mais ils ont définitivement raté leur coup. Donnons-leur une chance de se reprendre la prochaine fois, mais j’avoue avoir de sérieux doutes sur la capacité du groupe à revenir avec un album de la qualité de Decomposer. (mai 2008)

Pas la peine de te cacher, on t'a vu ! Peu importe sous quel nom il compose et sort des disques, Devendra Banhart est toujours très identifiable. Megapuss est en fait un projet parallèle, pas encore un supergroupe, monté par Banhart et le percussionniste Gregory Rogove, assistés de quelques copains comme Fabrizio Moretti, batteur des Strokes. À force d'avoir les projecteurs rivés sur lui, Devendra Banhart se sent peut-être un peu plus coincé pour se permettre toutes ses digressions. Encore à l'état de petit groupe indé, pas des masses médiatisé, Megapuss s'inscrit dans un délire garage psychédélique où rien n'est interdit... surtout pas de sortir quelques foutues bonnes chansons. « Crop Circle Jerk ’94 » régale, « The From Hollywood » fait voyager dans un esprit très Velvetien, « Hamman » ravive les Doors et « A Gun On His Hip and a Rose On His Chest » sent les Stones à plein nez… Marqué par d’excellentes références, ce premier essai de Megapuss n’est pas pour autant du plagiat. C’est juste un bon vieux disque de nostalgiques qui remontent le temps avec une certaine habileté. Le son est lui aussi complètement périmé, aussi délirant que les compos : ça sent la vieille console huit pistes et les drogues par camions entiers… Malheureusement, Surfing manque d’un certain équilibre et pèche par quelques interludes superflus et très dispensables… Des titres comme « Lavender Blimp », « Mister Meat » et « Older Lives » n’apportent que peu d’intérêt pour l’auditeur. Et finalement, ce Surfing plutôt encourageant ne se hisse pas au niveau des meilleures productions de Devandra. À surveiller sans s’extasier pour autant… (janvier 2009)

Le chanteur pop indie français Arman Méliès est de retour sur disque avec son 3^e album intitulé simplement Casino. Ce comparse d’Alain Bashung nous revient avec un disque créatif sur lequel la rythmique et l’électrique reprennent quelque peu leur place. On retrouve à nouveau des arrangements et des orchestrations particulièrement riches et le son très cinématographique de Méliès est encore bien présent. À travers ses compositions de qualité, il nous offre ici une version toute personnelle de « Amoureux solitaires », le succès d’Elli et Jacno popularisé par Lio. Arman Méliès possède de fortes influences anglo-saxonnes et ça s’entend par moments, surtout dans les arrangements. Par contre, il fait bel et bien partie de la nouvelle génération pop française aux côtés de Thomas Fersen. (octobre 2008)

Le groupe québécois néo-traditionnel Mes Aïeux est de retour avec son 5^e album en 12 ans de carrière, La ligne orange. Intitulé ainsi en l’honneur du métro de Montréal, le disque représente tout un défi pour le groupe après le méga succès de En famille. Cet album, paru en 2004, s’est en effet maintenu sur les palmarès pendant 3 ans, grâce entre autres au succès monstre de « Dégénérations ». Ce nouveau disque nous propose 16 titres : 15 nouvelles pièces dont 2 instrumentales et 1 en prime, une chanson interprétée par le Grand Antonio, « Pourquoi donc as-tu brisé mon cœur? (The Great Antonio Sings) », retrouvée dans ses archives. Mes Aïeux lui font même honneur dans une autre pièce, « Antonio », en plus de nous faire entendre ses bottes et la chaîne avec laquelle il tirait des autobus dans la chanson-titre. Le populaire groupe nous offre à nouveau un mélange idéal de musique intimiste et festive. L’album commence avec un succès instantané, « Le déni de l’évidence », qui, sans être géniale, est d’une efficacité pop indéniable, dans le plus pur style de Mes Aïeux. Par la suite, on ralentit le rythme avec l’excellente « Notre-Dame-du-Bon-Conseil », une quête incessante de son identité québécoise. Le groupe réussit ensuite à bien alterner les styles pour en faire un album équilibré. La pièce « Le vieux pont » est une version écourtée du poème de Louis-Joseph Doucet de 1910, alors que « Le fantôme du Forum » rend hommage au légendaire joueur des Canadiens de Montréal, Howie Morenz. J’ai perçu en différentes occasions des influences plus marquées que par le passé de la musique pop québécoise des années 70, Beau Dommage en tête. Le groupe réussit donc encore une fois à évoluer et à puiser dans différentes influences pour en faire un album solide, qui se tient en un morceau pendant 67 minutes. Peut-être qu’on retrouve ici un peu moins de succès potentiels et de pièces qui se démarquent, mais Mes Aïeux nous offre assurément un autre excellent disque. Veuillez noter que le magnifique livret a été entièrement dessiné par le bédéiste Michel Rabagliati. Le groupe est en tournée partout au Québec jusqu’en mai 2009 (au moins). (décembre 2008)

Il aura fallu 20 ans à Metallica pour réaliser ce qui s’avère être en quelque sorte la suite logique de …And Justice For All. Le groupe a en effet pris un tournant pop (particulièrement fructueux) avec l’album noir, avant de connaître sa période sombre avec Load et Reload. St. Anger revenait à des structures de la complexité des années 80, mais le son garage du disque nous rendait plutôt réticents. Avec Death Magnetic, le groupe revient définitivement au son qui a prévalu sur leurs meilleurs enregistrements, entre Ride The Lightning et …And Justice For All en passant par le révolutionnaire Master Of Puppets. Dès la première pièce, « That Was Just Your Life », nous voilà réconciliés définitivement avec le groupe qui a dominé la scène métal pendant de nombreuses années. Nous retrouvons la rythmique de guitare unique de James Hetfield, solidement appuyée par la batterie lourde de Lars Ulrich et la basse de Robert Trujillo. Quant à Kirk Hammett, il lance un défi à tout guitariste de reproduire ses solos à l’emporte-pièce, un élément qui faisait défaut sur les 3 derniers disques du groupe. Hammett est particulièrement énergique ici et vient pratiquement éclipser ses collègues. Après 4 albums réalisés par Bob Rock, le groupe a finalement décidé de tourner la page et de confier les rênes à Rick Rubin (Slayer, Beastie Boys) qui a su faire ressortir le meilleur du groupe. Ce qui est particulièrement plaisant avec Death Magnetic, c’est que même s’il replonge le groupe dans un son et une structure qu’il utilisait il y a 20 ans, il s’agit véritablement d’un album de 2008 qui ne verse aucunement dans la nostalgie. Dans la scène métal actuelle qui est grandement fragmentée, Metallica réussit à présenter un style unique à travers un produit de qualité qui poussera peut-être d’autres groupes à se surpasser pour demeurer à l’avant-garde du métal des années 2000. Ce sont essentiellement des pièces de plus de 7 minutes qu’on retrouve ici pour une durée totale de 75 minutes. Le seul bémol que je puisse avoir est qu’on nous présente « The Unforgiven III », une pièce symphonique qui est intéressante, mais était-ce vraiment nécessaire de refaire une nouvelle suite à cette pièce d’abord présentée sur l’album noir? En fin de compte, Metallica nous lance à la figure un album que plus personne n’osait espérer. Death Magnetic est certainement la surprise de l’année jusqu’à maintenant. (chronique principale d'octobre 2008)

Metro Station est un jeune groupe de Los Angeles qui nous offre son tout premier album. Le quatuor nous propose une musique pop rock dansante intégrant de nombreux éléments d’électronique grâce aux synthétiseurs de Blake Healy. La recette est bien simple : des chansons de 3 minutes aux refrains puissants, énergiques et inoubliables. Malheureusement, les couplets tombent régulièrement dans la simplicité et l’ennui. En plus, on se limite à un disque de 10 pièces totalisant à peine plus de 30 minutes, ce qui est une honte au support CD qui peut contenir jusqu’à 80 minutes de matériel. Par contre, la créativité n’étant pas toujours au rendez-vous, on réalise assez rapidement que c’est suffisant. De toute façon, on réécoutera toujours les 2 ou 3 mêmes titres, incluant l’excellente pièce d’ouverture « Seventeen Forever » et le méga succès énergique « Shake It ». Ils sont jeunes, et leur public le sera certainement encore plus… (novembre 2008)

Sur le premier semestre 2008, la palme de la hype revient sans aucun doute à MGMT et leur Oracular Spectacular. Sans réelle raison… à priori. Mais les premières écoutes sont criminelles. S’éprendre d’un album hype ? C’est à la limite de la décence, du raisonnable voire du respectable. Mais dans le cas présent, ce fût l’occasion de découvrir un ovni « spectacular », un album néo psychédélique à la beauté complètement hypnotique. Ben Goldwasser et Andrew Van Wyngarden, les deux artisans de MGMT, d’une moyenne d’âge d’à peine plus de 20 ans, se sont rencontrés en 2002 lorsqu’ils étaient étudiants dans le Connecticut. Six années plus tard, Oracular Spectacular envahit les bacs après que le groupe ait signé chez Sony BMG pour 4 albums… Pour ce premier opus, les deux américains ont choisi le producteur Dave Fridmann, également producteur des Flaming Lips et de Mercury Rev. Combinaison gagnante, car la créativité de Ben et Andrew alliée à la production de Fridmann, donne une atmosphère unique, un univers bordé de psychédélisme, d’électro et même de proto punk (ils ne cachent pas leur faible pour les New Yorkais de Suicide). Les cinq premiers titres sont proches de la perfection avec la « Mercury Revienne » « Time To Pretend », l’électro planante « Week End Wars », l’atmosphérique « The Youth », la disco groovy « Electric Feel » et la cosmique « Kids ». Et même si la deuxième partie, un peu plus inégale, propose aussi son lot de moments orgasmiques, les premiers titres sont autant de raisons valables à eux seuls de souligner toutes les éloges que mérite cet Oracular Spectacular. (juillet 2008)

Mikoto est un nouveau groupe de hardcore mélodique californien. We Are The Architects, leur premier album, montre une belle maturité alors que le groupe réussit habilement à fusionner voix gutturale et harmonies vocales. Mikoto nous offre plusieurs moments intéressants, même si le groupe évolue dans un genre largement surexploité depuis quelques années. Je les préfère grandement dans leurs moments les plus mélodiques, tout en demeurant dans un style lourd et rapide. Le groupe devra mieux définir sa propre personnalité au cours des prochaines années s’il espère se démarquer du lot de groupes similaires qui apparaissent régulièrement. C’est à surveiller… (novembre 2008)

Avec Machine 15, le groupe skate punk suédois Millencolin fête 15 ans de carrière sur disque. Pour l’occasion, ils ont demandé à nouveau les services de Lou Giordano (Sugar, Taking Back Sunday, Plain White T’s) en tant que réalisateur, lui qui avait travaillé sur Home From Home en 2002. Un autre revirement de situation important pour ce nouvel album est la découverte par les membres du groupe du plaisir à jouer de la musique pop. Même s’ils avaient déjà exploré le pop punk sur la plupart de leurs albums précédents, ici ils laissent pratiquement complètement le punk de côté pour nous offrir une musique pop totalement accessible et mélodique. Ils explorent le rock des années 60 et 70 en différentes occasions et réussissent admirablement à conserver l’énergie tout au long du disque. Il en résulte donc un album divertissant et plaisant à écouter, même s’il risque de faire grincer les dents des puristes punks qui appréciaient dans le passé leurs influences de Bad Religion. C’est un disque déboussolant, mais tout de même grandement intéressant et divertissant. (juin 2008)