Le groupe anglais présente déjà son 5e album en 7 ans. Il y présente un excellent mélange de rock lourd et de mélodies accrocheuses, peut-être la fusion la plus réussie depuis leurs deux premiers albums. Des rythmiques extrêmement entraînantes et des guitares fuzz s’ajoutent au son général de l’album qui a tout pour satisfaire à la fois un large auditoire et leurs fans exigeants. Les amateurs de Franz Ferdinand risquent eux aussi de très fortement se reconnaître à travers le rock dansant des Arctic Monkeys. Malgré ce penchant plus pop, les textes d’Alex Turner demeurent plutôt tourmentés, mais rien pour rendre l’album moins intéressant. AM constitue donc très certainement leur meilleur album depuis 2007. (octobre 2013)

Vidéoclips : « R U Mine? » - « Do I Wanna Know? » - « Why’d You Only Call Me When You’re High? »

Dans le cas du groupe punk californien Bad Religion, c’est difficile après 30 ans de carrière de pouvoir encore espérer de leur part des albums aussi porteurs qu’au tournant des années 1990. Le groupe tente tant bien que mal de renouveler son style album après album, mais il faut dire qu’il est en quelque sorte emprisonné dans un carcan musical difficile à briser. Les gars nous lancent quelques solides pièces punks tout droit à la figure comme la chanson-titre, « Fuck You » et « Vanity ». On peut aussi entendre des pièces un peu plus lentes mais combien efficaces, avec un mur de guitares : « Dharma and the Bomb », « Hello Cruel World », etc. Les textes de Greg Graffin demeurent dénonciateurs et c’est en ce sens que le groupe conserve toute sa pertinence après tant d’années. L’ensemble présente encore malheureusement de nombreuses compositions communes, jetables après usage. C’est exactement ce qui fait que Bad Religion n’est plus le groupe d’antan. (mars 2013)

Vidéoclip : « True North »

Originaire de la Louisiane et maintenant établie à Brooklyn, Julianna Barwick donne le crédit à une chorale d’église pour son son unique. En réalité, elle utilise surtout sa voix angélique qu’elle passe en boucles avec différentes couches, parfois accompagnée d’un simple piano ou d’une guitare subtile. Elle atteint le sommet de son art sur son 3e album, Nepenthe, alors qu’elle réussit mieux que jamais à jouer avec sa voix. Sa musique expérimentale vaporeuse crée rapidement une atmosphère apaisante incomparable. On se retrouve presque à la frontière de la musique nouvel âge tellement c’est atmosphérique. Mais c’est diablement réussi! Julianna a travaillé en Islande avec le réalisateur Alex Somers, bien connu pour ses collaborations avec Sigur Ros. Si vous cherchez un album tout en douceur pour créer une ambiance relaxante, Julianna Barwick vous offre probablement la meilleure option de l’année. (septembre 2013)

Depuis le lancement de « Je poursuis mon bonheur » sur les ondes radio au printemps 2012, nous savions que Daniel Bélanger se dirigeait vers un territoire inconnu jusque là, soit le rockabilly. Il nous présente donc un album ancré dans cette musique du sud des États-Unis intégrant country, folk et rock ‘n’ roll. Les structures s’en voient donc grandement simplifiées par rapport aux derniers enregistrements enveloppants de l’artiste. On retrouve tout de même de superbes arrangements de cordes, mais l’ensemble demeure en toute simplicité et nous accroche immédiatement. Malgré le clin d’œil évident à Johnny Cash, Bélanger insuffle suffisamment de sa propre personnalité à l’album pour en faire une œuvre bien à lui. Il exploite à merveille des thèmes simples de la vie de tous les jours, tout en présentant sa poésie légendaire, le tout travaillé à la perfection, jusque dans les moindres détails. Seul Daniel Bélanger peut arriver à jouer une musique du passé et la rendre à la fois personnelle et intemporelle. Voici donc un autre excellent disque par l’un de nos plus grands artistes. (mars 2013)

Vidéoclip : « Je poursuis mon bonheur »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 6, 23 mars 2013)

Le duo électronique écossais est de retour avec son 5e album, son premier en 8 ans. Il reprend exactement là où il avait laissé, comme si le dernier disque datait d’hier. Par contre, l’album est loin de sonner vieillot et on sent que les deux acolytes se sont tenus à jour musicalement au cours des dernières années, un fait important dans la musique électronique. On reconnaît toujours leurs mélodies mélancoliques et leur son techno atmosphérique. Le groupe se permet même une escapade un peu plus pop sur « Palace Posy », mais il s’agit certainement du seul moment qui peut faire tendre l’oreille à un plus vaste auditoire. Sans offrir de grands moments d’excitation, Tomorrow’s Harvest présente de solides compositions qui satisferont un public exigeant. (août 2013)

Omara « Bombino » Moctar est un musicien touareg du Niger né le 1er janvier 1980. Pour son deuxième album, il s’est rendu à Nashville pour enregistrer avec le réalisateur Dan Auerbach (The Black Keys). Il nous propose une musique fusionnant les traditions de son pays et le blues pour un très bon mélange de cultures. Excellent guitariste, Bombino s’inspire autant des guitaristes africains que des virtuoses occidentaux comme Jimi Hendrix et Mark Knopfler. Évidemment, le style de blues garage des Black Keys transparaît dans le son de Nomad, ainsi que certaines influences funk. L’ensemble demeure très agréable jusqu’à la fin et après quelques écoutes, on réalise qu’on a peut-être l’un des meilleurs albums de l’année sous la main. À découvrir! (mai 2013)

Vidéoclip : « Azamane Tiliade »

Même si la ville de Détroit se porte plutôt mal économiquement depuis quelques temps, il en sort encore des artistes de qualité. C’est le cas entre autres pour le rappeur Danny Brown. Son nouvel album l’amène à un autre niveau alors qu’il offre ses meilleures compositions à ce jour. Brown explore le passé du rap en s’inspirant du temps du disque vinyle, tout en présentant une production moderne. C’est donc une transition parfaite entre le rap old school et le rap tourné vers l’avenir. Plusieurs collaborateurs viennent appuyer Brown, dont Freddie Gibbs, Purity Ring, ainsi que Charli XCX sur l’excellente « Float On » en conclusion du CD. Avec ce nouvel album, Danny Brown s’installe définitivement dans la cour des grands. (décembre 2013)

Vidéoclip : « Dip »

Après un virage un peu plus pop sur Middle Cyclone, Neko Case revient à un son rock alternatif aux inspirations folks sur son sixième album. Elle présente encore une fois de solides compositions magnifiquement enrobées dans des arrangements de guitares, piano et cuivres. La seule exception, « Nearly Midnight, Honolulu » est une magnifique pièce a capella qui ne met en valeur que la superbe voix de la chanteuse. Mis à part ce titre un peu plus immédiat et des morceaux dépouillés comme « I’m From Nowhere » et « Afraid » (une reprise de Nico), il vous faudra quelques bonnes écoutes pour véritablement découvrir toutes les subtilités de l’album d’une grande richesse. Sur ce nouvel album, Neko ose explorer un peu plus que sur son précédent disque, ce qui donne un de ses plus inspirés en carrière. Elle vient donc ajouter une nouvelle œuvre majeure à son répertoire déjà bien garni. (septembre 2013)

Après 20 ans de carrière, le duo house parisien est de retour suite à une absence de 8 ans sur disque. Pour l’occasion, Daft Punk n’hésite pas à rafraîchir son son en allant piger dans des influences funk et disco des années 1970. Leur musique électronique est parfois progressive, mais aussi ambiante en certaines occasions. Le groupe rend un bel hommage à Giorgio Moroder (« Giorgio by Moroder »), en plus de collaborer avec certains artistes de renom comme Julian Casablancas (The Strokes), Paul Williams, Nile Rodgers (Chic), Panda Bear, etc. On retrouve aussi Pharrell Williams (N.E.R.D., The Neptunes) pour deux titres, la dansante « Lose Yourself To Dance » et bien sûr le succès de l’été, « Get Lucky ». D’autres morceaux s’avèrent incontournables comme l’excellente pièce d’ouverture qui deviendra certainement un succès, « Give Life Back to Music ». Sur Random Access Memories, le duo plonge tête première dans la nostalgie à travers des ambiances variées et toujours agréables à écouter. Il s’agit d’un album empreint de créativité, leur meilleur depuis un bon moment. (août 2013)

Après deux albums qui l’ont propulsé sur la scène rap américaine, le Torontois Drake est de retour avec un troisième album très attendu. Il poursuit dans son style de rap et de R&B plutôt atmosphérique et introspectif, mais en allant un peu plus loin, plus en profondeur. Ce sont les chansons créant une ambiance intimiste bien particulière qui sont les plus intéressantes du disque, comme « Own It » et « 305 to My City ». Mais, il présente aussi d’autres moments uniques de grande qualité comme la sombre « Wu-Tang Forever » et la pop/R&B « Hold On, We’re Going Home » (un des seuls morceaux rythmés du CD). Ce qui demeure encore une fois exceptionnel dans le cas de Drake, c’est qu’il réussit toujours à se différencier de la masse des artistes de rap/hip hop que l’on peut entendre en 2013. (novembre 2013)

Vidéoclips : « Started From the Bottom » - « Hold On, We’re Going Home »

Entre 2008 et 2010, Mark Oliver Everett et Eels avaient été incroyablement prolifiques, enchaînant bande originale (Yes Man) et album sur album dont deux pour la seule année 2010. Et depuis, silence radio. Wonderful, Glorious signe donc un retour attendu que la plupart des médias assimilent toujours à la relative humeur positive d'un songwriter auparavant glorifié pour son atmosphère neurasthénique. Sur chacun de ses disques, Eels arrive à surprendre tout en gardant cet inébranlable parfum familier et absolument indissociable du personnage d'Everett. Wonderful, Glorious ne fait pas exception et pourtant, avec ses treize morceaux, ce disque est de nouveau très dense et conserve ce style paradoxal, à la fois épuré mais aux ornements luxuriants. Donc ce Wonderful, Glorious synthétise bien le parcours sinueux et les chemins de traverse foulés par Eels. Tout, dans cette collection de chansons aux qualités inégales, renvoie scrupuleusement à la discographie des Californiens. On y retrouve clairement les titres bruts de décoffrage dans un esprit garage (« Peach Blossom », « Open My Present »), les si belles ballades spleenétiques aux guitares aigrelettes (« The Turnaround », « True Original »), les blues crasseux (« New Alphabet ») et les trouvailles sonores (« Kinda Fuzzy »). Mais finalement, ce labyrinthe sonore dégage une impression de dispersion qui manque d’offrir un voyage cohérent. On s’emballe parfois mais on décroche souvent. Et c’est toujours la même histoire, avec son passé discographique glorieux, Eels a le devoir de faire mieux au lieu de faire bien. (mars 2013)

Pour fêter 30 ans de carrière, la plupart des groupes lancent une compilation, réenregistrent leurs vieux succès ou partent sur la route pour une tournée monstre. Dans le cas des Flaming Lips, ils font ce qu’ils savent faire de mieux, c’est-à-dire nous offrir un album toujours aussi expérimental et difficile à aborder. Des guitares psychédéliques, des rythmes hypnotiques et des claviers atmosphériques souvent répétitifs forment la base du son de ce nouvel album. L’ensemble est planant et sombre, et il nous transporte au-delà des nuages, là où la gravité a moins d’importance. En fait, The Terror pourrait être le nouvel album de Pink Floyd si le groupe n’avait pas cessé d’enregistrer il y a 20 ans. Il est peut-être difficile à apprivoiser, mais si on ose y mettre l’effort, on s’en trouve grandement récompensé. Avec The Terror, les Flaming Lips ajoutent un autre excellent album à leur impressionnante carrière, toujours en marge de l’industrie musicale. (juin 2013)

Après 4 ans d’attente, le groupe écossais est enfin de retour sur disque. Et c’est tout un vent de fraîcheur que nous offrent Franz Ferdinand, comme s’ils avaient finalement cessé de se creuser les méninges. La pièce d’ouverture, « Right Action », donne tout de suite le ton à l’album avec une chanson immédiate de la même trempe que « Take Me Out » ou « Do You Want To ». Le groupe évolue entre le rock énergique et la pop accrocheuse tout au long de ce disque qui ne manque pas de succès potentiels. En plus, avec seulement 10 titres totalisant 35 minutes, on aura assurément un instant de déception lorsque l’album se terminera. Mais, la meilleure solution pour contrer sa déception, c’est de retourner immédiatement au début pour un nouveau tour de piste qui sera encore plus satisfaisant. D’accord, on aurait bien pris quelques morceaux additionnels, mais l’ensemble est tellement divertissant et créatif à la fois qu’on ne peut qu’applaudir. Voici l’album qu’attendaient les fans de la première heure! Il rassemblera des amateurs de musique de différents horizons et les fera taper du pied tous ensemble… (chronique principale d'octobre 2013)

Vidéoclips : « Right Action » - « Evil Eye »

Pour son nouvel album, Garou revient à ses premières amours, le rhythm and blues. C’est dans ce style qu’il est le plus à l’aise et c’est comme si toute sa carrière de chanteur pop n’avait été qu’une longue pause. Il s’est rendu aux légendaires studios Sanctuary de Londres pour enregistrer cet album sur lequel il reprend des grands classiques du genre, mais aussi des pièces du répertoire francophone qu’il adapte à sa façon. Des classiques comme « I Put a Spell on You » et « Hard to Handle » sont des naturels dans un tel contexte. Par contre, Garou surprend beaucoup plus avec ses relectures de « Quand tu danses » de Gilbert Bécaud, « Cash City » de Luc De Larochellière et « Je voudrais voir New York » de Daniel Lavoie. Aussi au menu, « If I Ain’t Got You » d’Alicia Keys, un des grands succès de la dernière année, « Lonely Boy » des Black Keys et « Bad Day » de Daniel Powter. Avec Rhythm and Blues, Garou s’approprie des chansons bien variées pour en faire un ensemble qui comporte par contre une certaine dichotomie. Les variations sont parfois brusques et un peu bizarres, même si on tente de créer une ligne directrice grâce au rhythm and blues. C’est dommage, car prise séparément, chaque chanson démontre tout le talent de Garou dans ce style musical. (mars 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 4, 9 mars 2013)

Petra est l’une des trois filles du bassiste jazz Charlie Haden. Elle se sert de sa voix comme d’un instrument et livre la majorité de ses interprétations a capella. Elle a surtout attiré l’attention en 2005 en revisitant dans son intégralité l’album The Who Sell Out de The Who. Pour son nouveau disque, ce sont des pièces classiques du cinéma qui sont recréées dans une atmosphère qui lui est bien personnelle. On peut y entendre des pièces tirées des films Rebel Without a Cause, Taxi Driver, Cinema Paradiso, Psycho, Goldfinger, Superman, My Bodyguard et plusieurs autres. Aussi au menu, l’excellente « Calling You » de Bagdad Cafe. Petra nous plonge dans une ambiance unique qui risque de rappeler de nombreux souvenirs aux cinéphiles, à condition de reconnaître les morceaux présentés bien entendu. (mars 2013)

Pour son 3e album, Julia Holter poursuit ses expérimentations électroniques, mais réussit à rendre sa musique un peu plus accessible. Des références parisiennes d’une autre époque mélangées à la vie contemporaine à Los Angeles tracent le cadre de ce disque très conceptuel. Elle ajoute toujours magnifiquement des cordes et des cuivres à sa musique électronique, et le résultat est plus efficace que jamais. Il faut dire que pour la première fois elle a enregistré dans un véritable studio, ce qui permet d’ajouter un peu d’envergure et de professionnalisme à sa musique déjà impressionnante sur ses albums précédents. Sur les 9 titres de Loud City Song, Julia nous prouve qu’il est possible de produire une musique à la fois cérébrale et émotionnelle, qu’il est possible qu’une musique d’avant-garde puisse rejoindre un auditoire un peu plus large, même si quelques efforts sont nécessaires pour arriver à vraiment capter l’essence de son œuvre. (septembre 2013)

Vidéoclips : « World » - « In the Green Wild »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 33, 27 septembre 2013)

Il y a déjà quelques années que le groupe Hôtel Morphée roule sa bosse et ça s’entend sur ce premier album d’une grande maturité. Ils ont un son résolument rock avec des insertions d’électronique et des mélodies plutôt froides. La richesse musicale est indéniable alors qu’on découvre à chaque tournant une nouvelle subtilité intéressante. Les guitares sont précises et les percussions militaires viennent ajouter du punch à plusieurs pièces dont la chanson-titre. Le groupe peut nous rappeler Arcade Fire en plusieurs occasions, et il n’a certainement pas à rougir de cette comparaison. Avec ce premier album, Hôtel Morphée nous sert non seulement l’un des meilleurs albums québécois de l’année, mais aussi l’un des meilleurs albums toutes catégories. Bravo! (juin 2013)

Vidéoclip : « Garde à vous »

Après un disque en hommage à Caetano Veloso, Face A Face B, le Québécois d’adoption (né en Argentine et ayant grandi en France) revient avec un premier album de chansons originales en 5 ans. Coréalisé avec François Lalonde (Jean Leloup, Lhasa de Sela, Dobacaracol), le CD présente un agréable mélange de chansons festives, revendicatrices et plus introspectives. On peut y entendre une grande richesse musicale, avec des cuivres et des cordes, mais tout en subtilité dans une facture folk pop. En fait, il s’agit certainement de son album le plus mature à ce jour, moins éclaté que ses œuvres précédentes. Un disque très réussi! (mars 2013)

Vidéoclip : « Plus personne »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 5, 16 mars 2013)

Silvana Kane est principalement connue en tant que chanteuse du groupe pop Pacifika. Avec La Jardinera, elle présente son premier album solo. On peut surtout y entendre des reprises de chansons de ses artistes latino-américaines préférées comme Chabuca Granda, Mercedes Sosa et Violeta Parra. On y trouve aussi deux nouvelles compositions : la folk « Cruces » et « Vida Llena » (écrite pour sa grand-mère). La Jardinera se présente tout en douceur, avec de belles ballades très touchantes. C’est un album intimiste qu’elle aura certainement beaucoup de plaisir à jouer en spectacle dans de petites salles. (mars 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 1, 16 février 2013)

Réalisé par Piers Faccini, Ela est le tout premier album de la violoncelliste d’origine brésilienne Dom La Nena. On y retrouve 13 compositions originales en portugais et en espagnol chantées avec sa douce voix. Les arrangements épurés laissent toute la place à la puissance des compositions. Après avoir joué avec de nombreuses vedettes françaises comme Jeanne Moreau, Camille, Étienne Daho et Jane Birkin, Dom s’est penchée sur ses propres chansons faisant référence à ses expériences personnelles et s’inspirant grandement de Lhasa de Sela. Elle traite entre autres du déracinement dans plusieurs pays, sans nationalité précise, sur un titre comme « No Meu Pais ». L’ensemble cohérent et intimiste est plutôt attachant et nous donne le goût de la découvrir en concert. (mars 2013)

Vidéoclip : « No Meu Pais »

Sur ce nouvel album, la chanteuse jazz américaine rend un véritable hommage à l’amour avec de grands classiques romantiques. On retrouve des standards de Carole King (« I Feel the Earth Move »), Henry Mancini (« Moon River »), en plus d’un titre en français, « Le premier bonheur du jour » de Françoise Hardy. En ajout aux 10 reprises incluses sur l’album, Halie signe 3 titres : « Cuando Bailamos », « Bare Feet » et la chanson-titre en conclusion. Avec Simply Love, Halie Loren nous offre un album plein de chaleur qui favorise les rapprochements. (octobre 2013)

Le légendaire chanteur et ex-Beatle semble encore loin de la retraite, à voir le rythme auquel il enchaîne les albums et les tournées. Par contre avec New, il présente son premier disque de chansons originales en six ans. Après Kisses on the Bottom l’an passé, qui reprenait des standards des années 1920, 30 et 40, voilà qu’il se tourne vers l’avenir. Sir Paul propose un son pop rock qui n’est pas dénué d’originalité. Il faut dire qu’il a largement contribué au genre lui-même avec les Beatles, les Wings et son travail en solo depuis maintenant plus de 50 ans. Il fait d’ailleurs un clin d’oeil à ses réalisations passées en plusieurs occasions, tout en conservant un son des années 2010. Pour ce nouveau disque, McCartney a travaillé avec 4 réalisateurs différents, se disant qu’il ferait un choix sur celui qui serait le plus à propos pour l’album. Mais finalement, il a tellement aimé travailler avec chacun qu’il a fini par conserver le travail des quatre. On retrouve donc des réalisations de Mark Ronson, Paul Epworth, Ethan Jones et Giles Martin (le fils du 5e Beatle George Martin). Martin signe la réalisation de la moitié du disque et il s’agit des morceaux les plus variés. Il réalise entre autres la très efficace « Appreciate », une pièce électro quelque peu expérimentale. McCartney mélange les genres tout au long de l’album, ce qui est à la fois excitant et déconcertant. Aussi, sa voix de 71 ans semble fragile en plusieurs occasions. C’est certain qu’il est plutôt difficile pour cette légende vivante de se réinventer à chaque album, mais il réussit tout de même à présenter une œuvre contemporaine intéressante. (novembre 2013)

Vidéoclip : « Queenie Eye »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 38, 1er novembre 2013)

En 2010, un véritable vent de fraîcheur nous est parvenu avec l’arrivée dans le paysage pop de la polyvalente et hétéroclite Janelle Monae. Même si The ArchAndroid s’avérait plutôt difficile d’approche, il démontrait qu’il était possible d’offrir une musique soul / R&B créative. Avec The Electric Lady, Janelle poursuit son œuvre et présente les suites IV et V pour un autre album long de près de 68 minutes en deux parties, meublé d’intermèdes. Janelle fusionne toujours de belle façon musiques pop, rock, soul, R&B et funk, en plus d’intégrer des orchestrations souvent grandioses et une chorale. Encore une fois, il vous faudra un peu de patience pour arriver à apprécier l’ensemble du disque qui peut être déboussolant en plusieurs occasions. Par contre, l’effort s’en trouvera grandement récompensé. Parmi les collaborateurs à l’album, quelques noms se démarquent comme Prince, Erykah Badu et Esperanza Spalding. (octobre 2013)

Vidéoclips : « Q.U.E.E.N. (feat. Erykah Badu) » - « Dance Apocalyptic »

Sur son premier album, Alex Nevsky s’imposait comme l’un des morceaux importants de la relève dans la pop québécoise nouveau genre. Le disque était d’ailleurs réalisé par Yann Perreau. Sur Himalaya mon amour, l’artiste va beaucoup plus loin alors qu’il présente une pop majestueuse s’inspirant peut-être un peu de Yann Perreau, mais aussi d’artistes internationaux comme Fun et Edward Sharpe. Il nous offre des chansons en crescendo dont les refrains démesurés constituent de véritables hymnes, comme en fait foi le premier extrait, « On leur a fait croire ». Plus varié que son précédent, l’album va vers de nouveaux territoires et présente une richesse créative incomparable. Avec ce deuxième album, non seulement Alex Nevsky découvre son style bien à lui et atteint sa vitesse de croisière, mais il impose en plus l’une des œuvres les plus originales et complètes de l’univers québécois actuel. Chapeau! (septembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 30, 7 septembre 2013)

Pour son 4e album studio, Paramore se permet de nombreux essais tout en présentant des pièces pop d’une grande efficacité. Les mélodies ont beau être mémorables, leur musique n’en est pas pour autant simpliste. On retrouve de l’électronique et des orchestrations à différents moments sur l’album, qui est pavé de subtilités qu’on découvre graduellement à chaque nouvelle écoute. Le mélange entre pop et rock est parfaitement maîtrisé sur cet album qui possède tous les ingrédients d’un grand disque, et ce malgré une durée totale de 64 minutes. Le réalisateur Justin Meldal-Johnsen a su tirer le meilleur du groupe qui présente assurément son meilleur enregistrement à ce jour. Finalement, le grand remue-ménage qui a eu lieu au sein du groupe ces dernières années aura donné l’électrochoc nécessaire au présent trio pour le propulser au sommet de son art. (juin 2013)

Vidéoclips : « Now » - « Still Into You »

Après 6 ans d’absence sur disque, le groupe métal alternatif est de retour avec un 6e album, …Like Clockwork. Josh Homme semble bien décidé à revenir à la recette gagnante du tournant du millénaire alors qu’il propose quelques morceaux franchement accessibles comme « I Sat By the Ocean ». Même s’il offre un album extrêmement varié, Homme réussit à créer une ligne directrice solide autour de son jeu de guitare et de sa voix. Le résultat est impressionnant en constance et en créativité. L’une des principales forces de QOTSA est de pousser à fond dans le métal et de revenir tout de suite après tout en retenue. Ce côté déstabilisant du groupe contribue à toujours conserver notre intérêt en nous forçant à demeurer aux aguets. Pour ajouter un peu de piquant à l’ensemble, Homme s’entoure de collaborateurs de renom : Mark Lanegan, Alex Turner (Arctic Monkeys), Trent Reznor, Jake Shears (Scissor Sisters), Nick Oliveri, Dave Grohl et Elton John. …Like Clockwork est un album brillant, à la fois profond et accrocheur, énergique et introspectif. Une très belle surprise! (chronique principale de juillet 2013)

Vidéoclip : « I Appear Missing »

Shaka Ponk a débuté en quelque sorte en tant que le pendant français de Gorillaz alors qu’en spectacle ils privilégiaient les animations et qu’ils ont une mascotte virtuelle, Mister GOZ. Musicalement, ils proposent un mélange entre punk, funk, hip hop et électronique. Paru en 2011 en France, The Geeks and the Jerkin’ Socks présente pour la première fois la nouvelle chanteuse anglo-égyptienne Samaha Sam. On y retrouve encore une fois un très bon mélange entre rock et électro, mais ce sont les moments de rock ‘n’ roll énergique qui attirent le plus l’attention, comme avec l’excellente « Let’s Bang ». On retrouve une collaboration avec Bertrand Cantat (Noir Désir) pour la seule chanson en français, « Palabra Mi Amor ». On peut également entendre le rappeur Beat Assaillant sur « Old School Rocka ». D’autres titres qui ne manqueront pas de capter votre attention sont les très efficaces « I’m Picky » et « Sex Ball ». Voici un album particulièrement réussi et extrêmement divertissant qui non seulement vous plaira jusqu’à la fin, mais vous obligera à le jouer en boucles. (juillet 2013)

Vidéoclips : « Let’s Bang » - « My Name is Stain » - « Sex Ball » - « I’m Picky » - « Palabra Mi Amor »

Les jumelles Tegan et Sara Quin font déjà carrière depuis une quinzaine d’années. Alors que les Canadiennes présentaient un son folk rock à leurs débuts, elles prennent désormais une direction résolument électro pop avec un son léché et des claviers à profusion. Elles avaient bien tenté quelques incursions du genre sur Sainthood en 2009, mais sur Heartthrob, c’est plus qu’évident qu’elles ont un désir de devenir populaires. On peut maintenant les comparer à un mélange entre Robyn et Katy Perry. La réalisation du disque a été confiée à Greg Kurstin qui a travaillé avec les chanteuses les plus populaires des dernières années dont Kelly Clarkson, Ke$ha, Kylie Minogue, Lily Allen et Natasha Bedingfield. Le résultat est un album propre des années 2010, sans grands écarts de conduites ni surprises. Heartthrob s’écoute bien jusqu’à la fin et possède tout ce qu’il faut de mélodies accrocheuses et de dynamisme pour propulser les jumelles aux sommets des palmarès. Avec ce nouvel album, Tegan et Sara réussissent à apporter un peu d’énergie créatrice à la musique pop. Beau travail! (mars 2013)

Vidéoclip : « Closer »

Pour son troisième album, le groupe new yorkais laisse tomber les guitares africaines, ce qui provoque une coupure drastique avec son passé. Il réussit par contre à proposer encore de bonne compositions, enveloppées d’arrangements léchés, même si un peu moins chargés qu’auparavant. Il ne fait pas de doute que Vampire Weekend demeurent des maîtres dans la création d’atmosphères uniques. Ils ont beau calmer le jeu, ils reviennent tout de même avec quelques moments à grand déploiement. Ils ont certainement gagné en maturité sur ce nouvel album, ce qui pourra déplaire à certains de leurs fans. Par contre, ils réussissent à évoluer de belle façon. (juillet 2013)

Pour son 6e album, Kanye West tenait à conserver la plus grande discrétion, évitant ainsi qu’aucune chanson ne se retrouve sur la toile avant sa sortie officielle. Yeezus est un disque bizarre et rempli de contradictions, avec une direction souvent agressive et une musique rap qui intègre du rock et de l’électronique. Difficile à apprivoiser à la première écoute, l’album prend tout son sens lorsqu’on lui donne du temps. Plusieurs compositions sont de grande qualité et l’ensemble demeure créatif jusqu’à la fin. Des pièces comme « Black Skinhead » et « New Slaves » deviendront probablement des incontournables du répertoire de Kanye West. « Blood on the Leaves » est aussi un classique instantané et contient un échantillonnage de « Strange Fruit » de Nina Simone. Sur Yeezus, West semble bien décidé à laisser sortir toute sa colère sans retenue, ce qui donne un album plutôt éloigné de ce qu’on se serait attendu d’un nouveau papa, lui qui a vu sa copine Kim Kardashian accoucher quelques jours à peine avant la sortie du disque. (chronique principale d'août 2013)

Vidéoclip : « Black Skinhead »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 24, 27 juillet 2013)

Derrière Atchoum se cache Véronique Gagné. Pour ce quatrième album, elle présente à nouveau des ritournelles qui plairont aux tout-petits, accompagnées d’une musique qui attirera aussi l’attention des plus grands. Elle offre en effet un excellent mélange de rock, pop, ska et folk. Ces rythmes accompagnent de belle façon ses mélodies accrocheuses. Pour Dans ma tête, Atchoum est entourée de collaborateurs de grand talent comme Pépé et sa guitare et Ariel, lauréat des Francouvertes 2009. À travers ses textes qui toucheront assurément les enfants, on peut aussi entendre une reprise de « Les cornichons », un succès yé-yé popularisé par Nino Ferrer dans les années 1960. Voici un album pour enfants qui possède une belle énergie et de grandes qualités musicales. (décembre 2013)

Jocelyne Baribeau, alias Madame Diva, a étudié le chant et le piano classiques, en plus de suivre divers ateliers d’interprétation et d’écriture. Cette auteure, compositeure et interprète manitobaine écrit autant pour les enfants que pour les adultes. Viva la Diva! est son 2e album pour enfants, un disque de 14 pièces pour un total de plus de 45 minutes. On y trouve autant des mélodies amusantes que des textes réfléchis, mettant en évidence l’environnement et la nature humaine. Plusieurs des chansons de l’album deviendront rapidement de véritables vers d’oreille. Il s’agit donc d’un bien bon album par ce personnage flamboyant qu’est Madame Diva. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 27, 17 août 2013)

Marijo est une auteure, compositeure et interprète manitobaine qui possède 7 ans d’expérience en tant qu’enseignante au niveau primaire, ainsi que 4 ans en montage de spectacles avec le groupe percussionniste féminin Insisto, sans oublier 12 ans de scène. Avec ce court album de moins de 20 minutes, elle interprète des chansons du domaine public s’adressant à de jeunes enfants. Elle présente des versions uniques de ces chansons dont certaines sont bien connues comme « Promenons-nous dans le bois » et « Nous n’irons plus au bois ». Musicalement, le disque est riche en cordes et en percussions, pour un son de qualité. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 27, 17 août 2013)

À quelques jours de Noël, Beyoncé a pris tout le monde par surprise en présentant un nouvel album qui n’avait pas du tout été annoncé. Il en a résulté un branle-bas de combat sur les réseaux sociaux où on a pris l’habitude de devancer les nouvelles et non de se faire doubler. La stratégie a été payante puisque le disque a rapidement atteint le sommet des palmarès. Sur ce 5e album, Beyoncé a coécrit et coréalisé chacune des chansons. Probablement son meilleur disque depuis B’day, elle y présente quelques-unes de ses meilleures chansons, en plus de plusieurs titres sexuellement explicites. Les collaborateurs incluent son mari Jay-Z, ainsi que Drake, Frank Ocean et Blue Ivy. Pour la réalisation, elle travaille avec certains des plus grands dont Pharrell Williams, Timbaland et The-Dream. C’est un album de très grande qualité que nous offre Beyoncé Knowles avec ce disque éponyme, un des grands de sa carrière. (chronique principale de février 2014)

Vidéoclips : « Drunk in Love » - « XO »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 52, 7 février 2014)

Après un intermède jazz avec Bubble Bath & Champagne, France D’Amour est de retour avec son pop rock caractéristique sur ce 10e album original en carrière. Le romantisme de son disque précédent a quand même su trouver son chemin jusqu’à En love majeur. On peut d’ailleurs le découvrir sur « Puzzle », le premier extrait qui a tourné dans les radios depuis le début de l’été. Un autre des moments forts du disque est « Mon cœur acoustique », une pièce écrite par l’un des principaux collaborateurs de l’album, Alexandre Poulin. Il s’agit d’un véritable hommage à la musique et ce qu’elle a pu apporter de beau dans la vie de France. La chanteuse a coréalisé l’album avec son vieux complice, Guy Tourville, et le résultat est un disque chaleureux qui présente finalement pas mal de similarités avec Bubble Bath & Champagne. (décembre 2013)

En 50 ans de carrière, Édith Butler a vendu plus de 2 millions d’albums. Après 10 ans d’absence sur disque, la chanteuse acadienne présente un nouvel album qui se veut pour elle un retour aux sources. Sur Le retour, elle aborde les thèmes de ses racines, sa culture, son expérience de vie et bien sûr, l’amour. Elle présente le tout dans une facture folk très contemporaine, aux sonorités des années 2010. La chanteuse s’entoure de collaborateurs de renom avec des textes de Lise Aubut et Luc Plamondon, la réalisation de Guy Tourville, Jean-François Beaudet à la guitare, et Yves Desrosiers aux arrangements et à la réalisation de « La tourterelle ». En plus, Édith s’offre deux duos avec des Acadiennes de la relève : « Rue Dufferin » avec Marie-Jo Thério (qu’elles avaient interprétée ensemble lors des festivités du 400e des Acadiens à Halifax en 2004) et « Complainte pour Sainte-Catherine » des Sœurs McGarrigle en duo avec Lisa Leblanc. Il s’agit d’un retour discographique réussi pour Édith Butler. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 42, 29 novembre 2013)

Même si elle n’est âgée que de 21 ans, la chanteuse pop de Los Angeles a déjà les pieds solidement plantés dans l’industrie musicale, d’abord grâce à son amitié passée avec Michael Jackson, puis par ses contacts avec des producteurs de Britney Spears. Un peu provocatrice, Sky Ferreira n’hésite pas à se dénuder pour la couverture de son premier album, de quoi rendre jalouse celle qui ressent un profond besoin d’attention médiatique ces temps-ci, Miley Cyrus. Sur Night Time, My Time, Sky présente un excellent mélange de pop légère, d’électronique et de rock. Certaines pièces penchent vers un style new wave (« Love in Stereo »), alors que des guitares passablement agressives viennent s’ajouter de belles façon en d’autres occasions (« You’re Not the One », « I Will »). Ce mélange de légèreté et d’agressivité demeure parfaitement pertinent tout au long du disque qui offre en bout de ligne une belle constance. Voici donc un très bon premier essai pour cette talentueuse chanteuse dont on entendra sûrement parler longtemps. (découverte du mois de décembre 2013)

Vidéoclip : « You’re Not the One »

Les trois sœurs Haim proviennent de la Californie et présentent leur tout premier album après de nombreuses années à reprendre d’autres chansons en spectacle. Elles nous offrent un son pop rock fortement influencé de Fleetwood Mac et de la musique pop électronique des années 1980. Sans prétention, leur musique est grandement accessible et très agréable à écouter. Elle vous replongera assurément dans une ambiance d’il y a 30-35 ans avec des noms comme Stevie Nicks et Phil Collins qui nous viennent aisément en tête. Leurs compositions ne sont peut-être pas les plus originales, mais elles sont extrêmement rafraîchissantes. En plus, elles sont magnifiquement interprétées par ces sœurs dont les harmonies vocales sont parfaites. (découverte du mois de janvier 2014)

Vidéoclips : « Forever » - « Don’t Save Me » - « Falling » - « The Wire »

Sur ce deuxième album, Laurence Hélie présente un album intemporel de musique pop aux influences folks et blues. Les nombreux instruments utilisés créent une grande richesse musicale dans un univers chaleureux et intimiste. Pour ce faire, Laurence a pu compter sur des musiciens de premier plan autour du guitariste et réalisateur Joe Grass (Patrick Watson, Marie-Pier Arthur), du bassiste Hans Bernhard et du batteur Mark Wheaton (The Luyas). On peut aussi entendre les voix d’Andréa Lindsay, d’Alexandre Désilets, de Louis-Jean Cormier, etc. Puis, des paroliers sont venus greffer leurs mots à ceux de Laurence : Dave Richard, Brice Homs et Frédérick Baron. Malgré sa simplicité, ce nouvel album de Laurence Hélie surprend par son originalité et son audace. (décembre 2013)

Née à Montréal d’un père algérien et d’une mère québécoise, Sally Folk aime mélanger les cultures dans son écriture et sa musique. Femme moderne, elle n’hésite pas à aborder des sujets plus tabous. Avec ce premier album éponyme, elle présente 12 titres variés naviguant entre la pop et le rock. Le premier extrait, « Heureux infidèles », a atteint les sommets des palmarès radio et plusieurs autres morceaux possèdent tout autant de potentiel. La guitare rock ‘n’ roll de « On dira aux autres » vous fera assurément suivre le rythme, alors que d’autres pièces présentent plutôt une atmosphère feutrée et chaleureuse. Découverte par Marc Déry, elle peut compter sur sa collaboration ainsi que celle de son acolyte Michel Dagenais, réalisateur et compositeur de renom (Jean Leloup, Daniel Bélanger, Maxime Landry, Marc Déry). On peut aussi entendre la voix de Daniel Bélanger dans la pièce « Les hommes du quartier ». L’univers de Sally Folk est bien particulier et qu’il est agréable de le découvrir! (décembre 2013)

Vidéoclip : « Heureux infidèles »

Protégée de Richard Desjardins, Aurélia O’Leary présente son deuxième album, Plus dans ma tête. Née à Gaspé, Aurélia a grandi sous le soleil de la Provence dans le sud de la France. Elle a fait partie de plusieurs formations musicales et a exploré le rock, les chansons françaises et le jazz. Elle a poursuivi ses expériences à Paris où elle a développé un répertoire de standards réarrangés à sa façon, un spectacle qu’elle a présenté en France et un peu partout en Europe. C’est suite à son retour au Québec en 2003 qu’elle a enregistré un premier album, acclamé de la critique. Elle possède une voix soul unique et des mélodies envoûtantes qui la placent dans une classe à part. Sur ce deuxième album, elle compose tous les textes et la musique, en collaboration avec Gilles Brisebois (qui réalise aussi l’album avec Aurélia). Richard Desjardins lui a aussi offert la pièce « Love Light ». Plus dans ma tête est un peu plus accessible que son précédent disque avec un son pop accrocheur aux influences blues, funk, reggae, rock et jazz. C’est donc un album d’une grande richesse que nous offre Aurélia O’Leary. (décembre 2013)

C’est devant Habitat 67 à Montréal que pose la saxophoniste soprano Christine Jensen pour la pochette de son deuxième album avec grand orchestre. Habitat contient 6 pièces, la plupart autour des 10 minutes avec une pointe à 15 minutes pour « Nishiyuu », une pièce inspirée par la marche de plus de 1 500 kilomètres par six jeunes Cree en janvier 2013. Toutes composées et arrangées par Jensen, elles sont reliées entre elles par des lieux qui l’ont inspirée : les Prairies canadiennes, Brooklyn, le Pérou, Port-au-Prince, sans oublier bien sûr Montréal. Elle s’entoure des mêmes musiciens que sur Treelines, incluant le pianiste John Roney. On retrouve aussi des collaborateurs solistes comme sa sœur Ingrid Jensen à la trompette, Chet Doxas au saxophone ténor sur « Nishiyuu » et Joel Miller aussi au saxophone ténor sur « Tumbledown ». Voici un très bel album de jazz instrumental pour un souper entre amis ou un moment de relaxation en fin de soirée. (décembre 2013)

Les comédiennes Sylvie Moreau et Sandra Dumaresq offrent leur spectacle country depuis un bon bout de temps déjà (elles ont donné plus de 100 représentations en 2007). Par contre, elles présentent leur tout premier album avec Parties pour la gloire. Elles y interprètent à leur façon de grands succès du country. On peut même entendre des classiques américains adaptés en français. Ces classiques incluent les versions françaises de « On the Road Again », « Bridge Over Troubled Water », « Only Love Can Break Your Heart » et « Always on my Mind ». Les Country Girls ne se prennent pas au sérieux, mais elles offrent tout de même de solides interprétations de ces incontournables du country. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 41, 22 novembre 2013)

S’attaquer au répertoire de Jacques Brel comporte toujours son lot de risques. Par contre, lorsque l’on s’appelle Juliette Gréco et qu’on a été l’une des premières à chanter les textes du jeune Belge, l’exercice devient tout ce qu’il y a de plus naturel. Il s’agit donc ici d’une rencontre au sommet entre l’un des plus grands auteurs de sa génération et une interprète plus grande que nature. On retrouve 12 titres parmi les plus célèbres de Brel, remis en musique par le légendaire pianiste, compositeur et fidèle compagnon de Jacques Brel, Gérard Jouannest. Gréco interprète ces textes avec une théâtralité unique qui rendent très bien justice à ces chansons classiques. (décembre 2013)

Accompagné de l’Ensemble TrioSphère, de l’accordéoniste Alexander Sevastian et du guitariste Glenn Lévesque, le baryton lyrique Gino Quilico propose 14 des plus célèbres chansons d’amour italiennes. Les arrangements de Dominic Bouliane aident à découvrir l’univers dans lequel a grandi le chanteur. On peut entendre des pièces classiques de Rossini, Chopin et Mozart, mais aussi des œuvres plus récentes comme « Lei » de Charles Aznavour. Parmi les chansons italiennes incontournables, notons « Caruso » en ouverture du CD et « O Sole Mio » en conclusion. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 49, 17 janvier 2014)

Britney parle de son 8e album comme de son plus personnel à ce jour. Le problème, c’est qu’avec seulement 10 titres totalisant 36 minutes, elle ne semble pas avoir grand-chose à dire… Dr. Luke, qui avait produit les plus gros succès de son album précédent, ainsi que son fidèle collaborateur Max Martin sont désormais absents. Deux gros trous que n’arrive pas à combler un will.i.am de plus en plus agaçant, qui réalise 7 des 10 pièces et contribue à façonner une nouvelle personnalité à la manipulable Britney. Sa participation à « It Should Be Easy » ressemble plus à une performance de will.i.am mettant aussi en vedette Britney Spears. L’énergique « Work Bitch » est l’un des morceaux les plus divertissants du disque, même si le son techno semble tout droit sorti des années 1990. En fait, la chanson la plus réussie est sans contredit la pièce pop pure « Passenger », coécrite avec Katy Perry et réalisée par Diplo. Il s’agit d’un des seuls moments de ce court CD où l’on sent que Britney est confortable et en contrôle. À noter qu’elle chante pour la première fois sur disque avec sa sœur Jamie Lynn sur « Chillin’ With You », mais ces 3 minutes 40 ne passeront certainement pas à l’histoire. Malheureusement pour Britney, elle semble encore servir de marionnette sur cet album qui ne lui ressemble certainement pas autant qu’elle l’affirme, malgré quelques envolées pop accrocheuses. Britney Jean constitue peut-être son pire album à ce jour! (février 2014)

Vidéoclips : « Work Bitch » - « Perfume »

Le groupe d’adolescents de Londres présente déjà un 3e album en autant d’années. Leur défi : continuer à produire des hits à la chaîne comme ils l’ont fait avec régularité depuis 2011. Midnight Memories contient suffisamment de succès potentiels pour leur permettre d’atteindre leur objectif. Les pièces acoustiques énergiques cadrent bien dans le contexte de 2013 et viennent donner une nouvelle direction musicale à ce groupe prédestiné par son nom à demeurer prévisible d’un disque à l’autre. En ce sens, il est plus qu’intéressant de découvrir déjà une évolution dans cette jeune carrière. On retrouve aussi quelques chansons à tendance plus rock, mais celles-là nous replongent surtout dans une atmosphère des années 1980 qui peut sembler vieillotte. C’est le cas entre autres pour la chanson-titre qui aurait pu être interprétée par Def Leppard en 1987. Le groupe réussira certainement à rallier ses nombreux fans, encore une fois, malgré quelques manques d’originalité. (février 2014)

Vidéoclips : « Best Song Ever » - « Story of My Life » - « Happily »

Deux ans et demi après la parution de son dernier album, Get Your Heart On!, le populaire groupe pop punk montréalais revient avec un mini-album de 7 titres, question de faire patienter ses fans en attendant un nouvel album complet. Suite logique de l’album, The Second Coming ne va pas vraiment au-delà de ce disque avec des pièces pop grandement accrocheuses et efficaces, mais qui ne se démarquent pas vraiment par leur créativité. Il y a bien l’utilisation de quelques claviers et d’électronique en certaines occasions qui crée une certaine différenciation avec l’essentiel de leur œuvre, mais rien pour nous faire parler d’un changement radical. Il s’agit donc véritablement d’un disque pour nous faire patienter en attendant quelque chose d’un peu plus senti. (février 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 47, 3 janvier 2014)

Un an après Rhythm and Blues, le chanteur québécois revient avec un album qui se veut un bilan de sa vie. Il y évoque ses erreurs (« Toutes mes erreurs »), ses débuts dans les bars (« Le blues dans le sang »), les amours compliqués (« Avancer ») et ceux qui débutent (« Avec elle »). La vedette internationale, grâce en grande partie à sa participation à la version française de The Voice, peut compter sur des collaborateurs prestigieux pour l’écriture des 11 titres que contient ce huitième album (en plus de 3 morceaux en boni). Ces collaborateurs incluent Jean-Jacques Goldman, Francis Cabrel, Pascal Obispo, Gérald de Palmas, Daran, Richard Cocciante, ainsi que Luc Plamondon (pour 3 pièces dont la chanson-titre). Dans le cas de Goldman, c’est la chanson « Du vent, des mots » qu’il offre à Garou, un duo rythmé avec Charlotte Cardin, finaliste à la première édition québécoise de La Voix. Les sonorités de l’album sont bien intéressantes alors que la musique pop rock magnifiquement produite met parfaitement en valeur les textes et la voix de Garou. Avec Au milieu de ma vie, Garou présente un album bien personnel à ses fans, un album qui risque fort de connaître un immense succès à travers la francophonie. (février 2014)

Le mini-album à édition limitée Les callas ramène Pierre Lapointe dans une version dépouillée guitare-piano-voix. Ce court disque de 22 minutes présente des pièces simples enregistrées avant et après l’album Punkt. On y retrouve donc un mélange des déchirements amoureux du disque Sentiments humains et des textes plus explicites de Punkt. Une formule dépouillée convient toujours parfaitement à Pierre Lapointe qui atteint l’apogée avec la touchante « Quelques gouttes de sang » et la chanson-titre, un duo romantique avec Ariane Moffatt. (février 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 47, 3 janvier 2014)

Le rappeur de la Georgie nous arrive avec un troisième album, Underground Luxury. Il s’agit pratiquement d’un album-concept alors que la plupart des textes traitent de consommation et de luxe. L’album de 15 titres débute lentement avec « All I Want » et « One Day » (incluant une longue discussion à la fin). Il reprend un peu de vie avec « Paper Route », mais c’est lorsqu’il est accompagné de collaborateurs que B.o.B réussit véritablement à s’imposer. C’est le cas avec Future sur « Ready », Priscilla sur « John Doe » et Chris Brown sur « Throwback ». On retrouve aussi de bons moments avec T.I. et Juicy J sur « We Still in this Bitch » et avec 2 Chainz sur l’hymne idéal pour les clubs de danseuses, « Headband ». On retrouve de bons moments sur ce nouvel album de B.o.B, mais il présente malheureusement de nombreuses inégalités. (février 2014)

Vidéoclips : « We Still in this Bitch » - « Headband » - « Ready » - « Paper Route » - « John Doe »

Le leader de Green Day, Billie Joe Armstrong, s’associe à Norah Jones pour enregistrer cet album inspiré de Songs Our Daddy Taught Us des Everly Brothers. Enregistré en 1958, il s’agissait d’un album de chansons traditionnelles américaines réinterprétées à leur façon. Billie Joe et Norah n’ont pris que 9 jours pour enregistrer cet hommage bien senti aux Everly Brothers par la qualité des harmonies vocales. Il faut dire qu’une association entre le punk et la chanteuse jazz n’est pas un match parfait automatique pour ces chansons folk et country d’une autre époque. Pourtant, le résultat est plutôt réussi, même si on aurait aimé qu’ils se les approprient un peu plus plutôt que de ne simplement imiter les Everly Brothers. (février 2014)

Âgée de seulement 23 ans, celle qui a commencé à chanter dès son plus jeune âge est maintenant libérée de son association avec Sony et peut voler de ses propres ailes. On sent d’ailleurs ce sentiment de liberté à l’écoute de ce nouvel album sur lequel Marilou s’épanouit complètement. Elle présente des chansons personnelles, dans lesquelles l’amour domine, bien entendu. Ce sont surtout des chansons douces qui se fusionnent parfaitement avec sa très belle voix. (janvier 2014)

Vidéoclip : « Tu partages ton corps »

Les rappeurs Sir Pathétik et Billy Nova sont de retour avec leurs rythmes hip hop et leurs textes coups de poing. Que ce soit dans les textes festifs ou dans les moments plus dépressifs, le duo réussit toujours à faire passer l’émotion en nous l’envoyant droit au cœur, sans détours. Plusieurs textes sont explicites et crus, et les sacres font définitivement partie intégrante de leur vocabulaire. Par contre, ils en sont ainsi encore plus vrais, près des gens. Musicalement, les deux comparses sont particulièrement forts alors que les rythmes et les mélodies sont toujours efficaces, avec plusieurs succès potentiels. Les deux pièces sur lesquelles on peut entendre la chanteuse Emmanuelle font entre autre partie de ces chansons incontournables (« Retiens-moi », « Haut »). Les autres classiques instantanés incluent « Sont où les fuckés? », « Jusqu’ici », « Si un jour » et « Quand j’boé pas ». Malheureusement, avec 20 titres totalisant 78 minutes, l’album peut finir par s’essouffler. Il devrait tout de même satisfaire les fans de Mauvaize Frékentation. (janvier 2014)

Vidéoclip : « Jusqu’ici »

Alter Ego est composé de 5 gars et 5 filles qui se sont d’abord fait connaître grâce à de multiples revues musicales des années 1970 à aujourd’hui. Ayant un talent indéniable pour interpréter des chansons pop inoubliables, le groupe a présenté ses premières chansons originales en 2012 et a obtenu un grand succès dans les radios commerciales avec « Catch Me If You Can », « Déjà oublié » et « Dirty Little Tricks ». Toutes ces chansons se retrouvent sur ce premier album de 9 titres, en plus de leur plus récent extrait, « Toi ». Leurs morceaux pop rock accrocheurs et entraînants possèdent tout ce qu’il faut pour attirer votre attention et vous faire taper du pied, même s’ils ne débordent pas de créativité. (janvier 2014)

Après une pause de 15 ans pendant laquelle le groupe s’est fait oublier, Mange L’Ours Mange est de retour avec un 4e album. Encore une fois, le groupe rock évolue dans un univers unique et présente une musique variée entre rock alternatif aux mélodies pop et métal industriel, avec une bonne dose de hard rock. Les guitares grafignent à souhait et nous rappellent que oui, c’est possible de faire du bon rock au Québec. Les 11 compositions originales du duo Franck Lizotte et François Bruneau présentent de nombreux éléments d’intérêt, d’abord par leur fusion de différents genres musicaux dans un rock à la fois complexe et aux mélodies accessibles. Une 12e pièce vient s’ajouter à ce disque solide, l’excellente reprise de « Nuit Blanche » du groupe belge Vive La Fête. Le groupe qui s’est surtout fait connaître en 1993 avec le succès « Poupée Vaudou » fête ses 25 ans de carrière en 2014. Avec ce très bon album sous le bras, il possède tout ce qu’il faut pour se lancer dans une tournée des plus stimulantes. (janvier 2014)

Vidéoclip : « Terrifié! Terrifier! »

Pendentif est un groupe de pop française qui amène un peu de soleil dans nos vies. Ils ont déjà su séduire la France avec le simple, « Embrasse moi », tiré de ce premier album. Mafia douce est empreint de maturité et on voit rapidement que le groupe n’en est pas à ses premières armes. Pendentif présente une musique créative aux mélodies accrocheuses et aux rythmes dansants. Ils réussissent à présenter des musiques légères, tout en ne sacrifiant aucunement la richesse musicale et le raffinement. C’est donc un premier album extrêmement agréable à écouter que nous propose ce groupe qu’il fait bon de découvrir dans une scène pop française souvent trop sombre. (janvier 2014)

Vidéoclips : « Jerricane » - « Embrasse moi » - « God Save la France »

Simon Kearney est un jeune multi-instrumentiste de la région de Québec, un virtuose de la guitare. Il lance un premier mini-album de 4 chansons qu’il a écrites, composées et arrangées lui-même, en plus d’y jouer plusieurs instruments. Réalisé par Antoine Gratton, ce premier disque présente un son pop rock plutôt brut aux influences rock ‘n’ roll et blues. Là où il impressionne vraiment, c’est qu’il réussit à obtenir un son relativement original à la guitare, ce qui n’est pas une mince tâche après plus de 55 ans d’histoire pour le rock. Une version exclusive de 7 titres est disponible uniquement en téléchargement et vous permettra d’en découvrir un peu plus de la part de ce jeune talent incomparable. (janvier 2014)

La nouvelle reine de la pop tente un virage plus artistique avec ARTPOP, un virage qui peine malheureusement à convaincre par sa profondeur. Les chansons demeurent pop, sans grandes innovations, mais aussi sans les refrains accrocheurs qui ont fait sa renommée depuis 5 ans. Il n’y a que « Sexxx Dreams », « Do What U Want » (en duo avec R. Kelly) et le premier extrait, « Applause », qui réussissent à se démarquer quelque peu et à nous rester en tête. Pour ce qui est des termes abordés, c’est la sexualité qui l’emporte avec une majorité de textes en ce sens. L’emphase a certainement été mise sur la production qui ne manque pas de punch, avec des rythmes solides et une très bonne intégration de l’électro. Par contre, la diva ne parvient pas à maintenir le niveau de qualité qu’elle avait réussi à atteindre jusqu’à ce jour avec une musique pop à la fois accessible et intelligente. On sent plutôt un certain vide dans ce ARTPOP duquel il nous reste bien peu de choses à la fin. (chronique principale de janvier 2014)

Vidéoclip : « Applause »

La voix résonne, immédiatement, comme une évidence. Comme si, durant toutes ces années, elle avait toujours été là sans l’être... Les paroles défilent, précises – c’en est parfois effrayant – sombres, poétiques mais merveilleusement imagées. Les mélodies, quant à elles, ruissellent, entêtantes et juste appropriées. Souvent minimaliste, la musique de Détroit n’a rien de paresseuse, elle est juste dans toutes ses notes, ses arrangements et ses délicates attentions. Derrière Détroit, comme chacun sait, Bertrand Cantat, un nom à ne pas mettre entre toutes les mains. Peut-être pour en atténuer la portée, Pascal Humbert apparaît en sous-titres. Car la presse aime à décrire Horizons comme un disque solo maquillé… Mais si Humbert est ici, on n’imagine pas un instant un rôle de figurant. Ceux qui ont écouté Chœurs, précédente collaboration entre les deux hommes, comprendront. Noir Désir n’est donc plus mais Cantat est bel et bien vivant. Horizons est une œuvre obscure et belle, émaillée de textes obnubilants – bien sûr autobiographiques (« Parfois la porte s'ouvre / Pour aller faire tourner ton fantôme sur lui-même / Sous un ciel barbelé » tiré du morceau « Horizon »). Horizons paraît sous tension au premier abord, les textes donnent parfois quelques frissons dans le dos (« Ange de désolation ») mais vite on se retourne, on regarde plus loin, au-delà des horizons, sans mauvais jeu de mot. Car ce disque n’est pas uniquement autobiographique, pour la première fois d’ailleurs, Bertrand s’entoure de quelques plumes pour co-écrire certains textes dont « Droit dans le soleil » avec Wajdi Mouawad. Si quelques fantômes ressurgissent sur certains mots, le malaise ne s’installe jamais car la puissance de la plume de Cantat va bien plus loin et les mélodies prennent au corps notamment sur quelques titres absolument électrisants (splendide « Terre brûlante » et ses chœurs puissants, l’incandescente « Le creux de ta main » proche d’« Un homme pressé » ou encore l’hypnotique « Null and Void »). La musique est un monde à part où on ne juge les poètes qu’au prix de leur plume et les musiciens au son de leurs instruments. À ce titre, Horizons force le respect. Et merci pour ça. (janvier 2014)

Le pianiste montréalais de réputation mondiale Marc-André Hamelin poursuit son exploration de l’œuvre des grands maîtres du piano avec Ferruccio Busoni (1866-1924). Sur 3 CD, on peut entendre les meilleures compositions pour piano de son répertoire. Complexes techniquement et aux harmonies denses, elles présentent un défi de taille que seul un virtuose de la trempe de Marc-André-Hamelin peut relever. Et c’est de main de maître qu’il réussit à livrer ces œuvres uniques, même si peu connues. L’enregistrement de qualité permet de saisir toutes les subtilités du jeu du pianiste, note par note. Voici donc une interprétation magistrale du répertoire de Busoni par un Marc-André Hamelin en grande forme. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 49, 17 janvier 2014)

Avec Jour de nuit, c’est son septième album de chansons originales en carrière que présente notre rockeur national. Aux premiers riffs de « Donnez-moi du gaz », on se dit que Lapointe et son fidèle complice Stéphane Dufour (réalisation, arrangements et guitare) ont mis le paquet pour produire un album de rock pur. Quelques ballades viendront casser en partie cette atmosphère, mais l’ensemble présente tout de même plusieurs des chansons les plus rock de Lapointe à ce jour. Il faut noter le mixage de Paul Northfield qui a travaillé avec plusieurs grands noms du rock (Rush, Moist, Marilyn Manson, Ozzy Osbourne, Alice Cooper, etc.). Un autre élément surprenant de l’album : Lapointe a retrouvé une voix plus claire que sur ses derniers enregistrements ce qui fait qu’on est en mesure de bien comprendre la majorité des textes. Cet élément devient surtout important dans ses nombreuses chansons autobiographiques comme « Homme sauvage », « Moman » et « Faire et refaire ». Le court album de 10 titres totalisant 42 minutes se conclut avec le premier extrait, « Ça me manque », qui contient des arrangements de cordes de son vieil acolyte Scott Price. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 44, 13 décembre 2013)

Jonathan Painchaud nous revient avec son 7e album en carrière, trois ans après La dernière des arcades. Mon cœur collé au tien présente encore une fois un excellent mélange entre folk et rock avec plusieurs pièces passablement énergiques. La réalisation de grande qualité ajoute aussi de l’envergure aux chansons qui prennent une dimension jusque là ignorée chez Painchaud. Pourtant, la plupart des morceaux sont plutôt simples avec des histoires de ruptures (« Fais-toi s’en pas »), d’un amour naissant (« Pour de vrai »), d’amitiés (« Goéland ») et de l’amour inconditionnel d’un enfant (« Petite poupée »). On peut aussi entendre une histoire de fraternité dans « Histoire de frères » qui réunit les trois frères Painchaud le temps d’une chanson. (décembre 2013)

Vidéoclips : « Fais-toi s’en pas » - « Pour de vrai »

Martin Barrette s’obstine et signe et présente son tout premier album au public québécois. Deuxième fils du comédien et humoriste Michel Barrette, Martin explore l’humour (« Je m’obstine », « Tout rime avec bière »), la détresse (« Désastre paisible »), l’ivresse (« Pourboire »), la bêtise (« Hippopotame ») et la tendresse (« Émilie »). Musicalement, il s’inspire autant du swing des Colocs, que des textes teintés d’alcool de Plume Latraverse, de la chanson française et de la chanson québécoise. Les instruments sont variés (accordéon, trombone, banjo, guitare manouche, etc.) et le chanteur peut compter sur des musiciens de premier plan comme Jean-Denis Levasseur (Richard Desjardins) à la contrebasse et à la clarinette, André Dédé Vander (Colocs) à la basse électrique, Josiane Laporte aux percussions et Lucie Cauchon au piano. L’album a été enregistré et mixé par Glen Robinson (Voivod, Ozzy Osbourne, Éric Lapointe, etc.) au Studio Multisons (Dan Bigras, Gerry Boulet). Avec ce premier disque, Martin Barrette propose une musique rafraîchissante, divertissante et riche. Oui, les Colocs et Plume risquent de vous arriver en tête à différents moments, mais Martin réussit à présenter une musique et des textes bien à lui et originaux. Un très bon disque! (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 44, 13 décembre 2013)

Âgé de seulement 13 ans, Daniel Clarke Bouchard est déjà devenu un pianiste célèbre en foulant les planches de la Maison symphonique de Montréal avec l’Orchestre métropolitain et du Carnegie Hall de New York. Sur ce premier album, il s’attaque aux répertoires de Schubert, Mendelssohn, Beethoven, Haydn, Mozart, Schumann et Debussy. On peut également l’entendre sur deux pièces en duo avec son mentor, Oliver Jones : la « Fantaisie à deux pianos » de Mozart sur les variations « Ah! vous dirai-je, maman », ainsi que « La Grande valse fofolle à deux pianos » de Claude Léveillée. Le jeune prodige impressionne non seulement par son talent, mais aussi par son intérêt pour la musique classique qui prouve sa grande maturité. Voici donc un jeune homme dont on entendra parler longtemps. (décembre 2013)

Vidéoclip : « Fantaisie à deux pianos » (avec Oliver Jones lors de l’enregistrement de l’album)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 44, 13 décembre 2013)

Sur ce 9e tome de L’album du peuple, l’incorruptible François Pérusse continue de manier la langue de chez-nous avec habileté, distribuant les mots d’esprit plus vite que son ombre. Par contre, il tombe plus que jamais dans la vulgarité, ce qui est plutôt apprécié. Il n’épargne pas non plus la classe politique, particulièrement Pauline Marois qui n’apparaît pas sous son meilleur jour. Les 4 chansons saupoudrées tout au long du disque humoristique de 72 minutes ne sont malheureusement pas à la hauteur. Il n’y a que « Danse mal » qui risque d’attirer quelque peu l’attention, en particulier grâce à l’opération qui l’accompagne visant à recevoir des vidéos de gens qui dansent mal. Avec ce 9e Album du peuple, Pérusse présente encore un disque efficacement drôle qui plaira assurément à ses nombreux fans. (décembre 2013)

Seulement un an et demi après Les inséparables, le chanteur d’origine rwandaise et québécois d’adoption est de retour avec un nouvel album aux rythmes chauds entre soul, pop et R&B. Sur ce sixième album en carrière, Corneille offre rien de moins que 17 titres, incluant « Le récit » qui a été un succès radio immédiat. Entre nord et sud présente une musique lumineuse, accrocheuse et entraînante en accompagnement à des textes optimistes. (décembre 2013)

Vidéoclips : « Le paradis » - « Les sommets de nos vies »

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 43, 6 décembre 2013)

Après avoir remporté la première édition québécoise de La Voix, Valérie Carpentier nous offre son tout premier album. Pour l’occasion, elle s’entoure de grands noms pour l’écriture des chansons, incluant Daniel Bélanger, Ariane Moffatt, Pierre Lapointe, Alex Nevsky, Marie-Pierre Arthur, Yann Perreau, Amylie et Moran. On peut évidemment entendre la chanson qui lui a permis de gagner le concours, « À fleur de peau » de Daniel Bélanger et Ariane Moffatt. On a également droit à une composition personnelle de Valérie en ouverture du disque, « La rose rouge ». À noter aussi un duo avec Daniel Lavoie pour la pièce de Moran, « Los Angeles ». Valérie Carpentier possède non seulement une excellente voix, mais en plus une interprétation unique des chansons qui lui sont offertes. (décembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 43, 6 décembre 2013)

Fuzz est un groupe californien monté par Ty Segall, un presque-môme de 26 piges qui a déjà envoyé une grosse dizaine de disques - seulement… - depuis 2008. Ce type, dont l’ADN garage rock n’est même plus à déterminer, est littéralement obsédé par la distorsion et la saturation dont il résume l’ensemble de ses penchants dans le premier disque de son énième projet. Planqué derrière la batterie mais en première ligne au chant, Segall est épaulé par deux agités, Rolland Cosio à la basse et Charles Moothart (du Ty Segall Band) à la guitare dont le travail est absolument colossal. En bon power trio, cette bande de furax fait honneur à son nom et envoie un concentré de puissance en huit titres composés et joués sur des charbons ardents comme un gros jam qui ne s’arrête jamais. Certes, on passe et repasse sur les sentiers battus en évoquant Black Sabbath ou Jimi Hendrix en maîtres à penser mais on tape pourtant dans le mille. Les riffs et soli ont l’agressivité et le feeling emprunté à Hendrix mais la lourdeur et le caractère vicieux appartiennent clairement à la musique du Sabbath. Pas complètement défoncés au point d’en oublier la structure des morceaux, Segall, Moothart et Cosio jouent aussi sur les rythmes et les ambiances. Capables de muer en cours de route, un morceau comme « Loose Sutures » passe du métal au psychédélisme, « Earthen Gate » s’offre une intro planante à la Blind Faith avant de fracasser la tête ou « Hazemaze » et son intro Sabbathienne qui part en sprint punk final. Avec Fuzz, Segall parvient à recycler une nouvelle fois son obsession pour le garage rock et les héros de son âge d’or tout en réussissant à garder une vraie fraîcheur. (décembre 2013)

Le groupe canadien Fast Romantics en est à son deuxième album avec Afterlife Blues. Le quatuor indie rock présente encore des similarités avec Elvis Costello et Blur, mais va un peu plus loin cette fois-ci dans sa recherche musicale. Ils ont définitivement gagné en confiance et nous présentent un son pop rock d’une grande efficacité. Empreint de mélancolie et de romantisme, Afterlife Blues présente de belles atmosphères. Même si on n’y réinvente rien, l’album demeure suffisamment varié pour conserver notre intérêt. Voici donc un disque qui s’écoute bien, pour un agréable moment. (décembre 2013)

Vidéoclip : « Funeral Song »

Après quatre albums en anglais, le chanteur folk Montréalais prend une direction plus pop sur ce premier enregistrement dans la langue de Molière. À l’image du premier extrait, « Armée de montgolfières », le disque présente quelques petits bijoux de mélodies pop. Il s’inspire en partie des années 1980 et s’aventure dans le rock avec le riff hallucinant de « Tes rêves ». Les arrangements sont superbes et mettent parfaitement en valeur ces chansons lumineuses. La transition vers le français est définitivement réussie pour cet excellent auteur-compositeur et interprète. (novembre 2013)

Vidéoclip : « Armée de montgolfières »

Baptiste Lalieu (mieux connu sous le pseudonyme de Saule) est originaire de Belgique. Il présente un troisième album, le fruit d’une collaboration avec Charlie Winston. Sur ce nouveau disque, Saule explore quelque peu en allant vers un son à tendance rock plus anglo-saxon. On peut le comparer en partie à Jeff Buckley et Radiohead, même s’il demeure assez près de Serge Gainsbourg. Winston se joint à Saule pour le premier extrait aux accents disco, « Dusty Men ». À l’image de cet extrait, l’album présente diverses sonorités, ce qui le rend intéressant à découvrir un morceau à la fois jusqu’à la fin. Plusieurs textes sont teintés d’humour et il se permet même de l’autodérision, entre autres dans « Type normal ». C’est un album particulièrement réussi que nous propose Saule avec Géant, un album extrêmement agréable à écouter. (novembre 2013)

Vidéoclip : « Dusty Men »

Malgré ses 24 ans, Marie-Pier Perreault compte déjà 15 ans de carrière. Elle a enregistré son premier album à l’âge de 12 ans, et un deuxième à 14 ans. Elle présente maintenant son quatrième album sur sa propre étiquette de disque. Elle s’entoure de collaborateurs exceptionnels pour des textes et des musiques en Steve Marin (« Les paroles s’envolent »), Frédérick Baron (« Il faut que j’apprenne »), Martine Pratte (« Il fallait fuir ») et Bruno Labrie (« Trop loin » en duo avec William Deslauriers). Par contre, Marie-Pier écrit elle-même la majorité des chansons. L’album débute en force avec l’excellente « Ma voix », mais elle demeure ensuite dans un style de pop très adulte avec plusieurs titres interchangeables. C’est sa voix cristalline qui assure la cohésion de l’ensemble. (novembre 2013)

Gagnant du Festival international de la chanson de Granby en 2011, Mathieu Lippé est à la fois poète, chanteur et conteur. Il mélange musique et poésie dans un style qui s’apparente au slam, même si la chanson demeure bien présente. Ce nouvel album a été réalisé par Jean Massicotte (Patrick Watson, Arthur H, Pierre Lapointe, Lhasa de Sela, Jean Leloup) et il présente 10 pièces dans lesquelles les calembours savants viennent meubler l’ensemble unique. Mathieu Lippé nous offre un voyage aux couleurs bien particulières. (novembre 2013)

Sur son nouvel album, l’Italo-québécois Marco Calliari présente quelques-uns des plus grands classiques de la chanson québécoise, mais en version italienne. On peut y entendre « Ayoye », « Lindberg », « Si j’avais un char », « Y’a pas grand-chose dans l’ciel à soir », « Frédéric », « Julie » et plusieurs autres incontournables interprétés dans la langue de ses parents. Les arrangements typiquement italiens peuvent sembler parfois un peu bizarres, surtout dans une pièce émotive comme « Ayoye ». Par contre, il peut aussi être grandement intéressant de redécouvrir ces classiques dans un style complètement différent. Et si ces nouveaux arrangements peuvent permettre à la communauté italienne de découvrir les grandes chansons québécoises, pourquoi pas? (novembre 2013)

Pour son troisième album, Jason Derulo ne laisse pas de côté les succès pop monstre et on en a un rapide aperçu avec la pièce d’ouverture, « The Other Side ». Par contre, il explore d’autres avenues avec du hip hop mid tempo et des ballades, dont celle au piano en duo avec son amoureuse Jordin Sparks, « Vertigo ». Les autres collaborateurs incluent Pitbull, 2 Chainz et The Game. Malgré quelques titres intéressants, on retrouve malheureusement beaucoup trop de remplissage, des pièces futiles qui ne vont nulle part. À tel point, que la version américaine a été réduite à un mini-album de 5 pièces en format numérique seulement. On devrait donc se contenter de se procurer les pièces de Tattoos à l’unité plutôt que de dépenser pour l’album complet de 11 titres. (novembre 2013)

Vidéoclips : « The Other Side » - « Talk Dirty » - « Marry Me »

Suite à sa trilogie cubaine qui s’est conclue l’an passé avec la compilation Trilogia (qui reprenait le meilleur des trois albums), Florence K tourne la page avec I’m Leaving You. Il s’agit d’un album majoritairement anglophone qui donne un peu plus dans le blues par moments, tout en conservant son côté jazz / pop chaleureux. Elle n’abandonne toutefois pas complètement les rythmes latins qu’on retrouve avec plaisir entre autres sur « No Salgo De Aqui ». Florence continue de nous séduire avec sa voix douce et surtout, elle continue de prouver son immense talent d’auteure-compositrice et musicienne. Sa musique nous fait toujours passer un agréable moment, donc comment ne pas l’aimer? Elle réussit encore une fois à présenter une musique aux fortes influences du passé, autant les standards jazz que la pop et la soul des années 1960 et le blues. Mais, ce qui fait sa force, c’est sa capacité à seulement s’en inspirer pour nous arriver avec quelque chose de neuf et actuel, qui en plus colle parfaitement à sa personnalité. Florence K possède indéniablement un véritable talent brut… (novembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 37, 25 octobre 2013)

Même si elle avait déjà montré plusieurs influences country par le passé, c’est véritablement avec Feels Like Home que Sheryl Crow se déclare une chanteuse de country contemporain. Malgré tout, ses fans de longue date ne seront pas trop dépaysés puisque plusieurs chansons se comparent à d’autres œuvres de son répertoire passé, parfois même de façon gênante. Par contre, là où l’artiste tombe dans un énorme piège, c’est lorsqu’elle tente de donner vraiment dans le country, musicalement et textuellement. Elle exploite alors de nombreux clichés et surtout, elle sonne faux, elle manque de naturel, comme si c’était forcé. C’est comme si elle faisait un effort particulier pour attirer un nouveau public, mais on ne croit pas en sa sincérité country. C’est dommage, mais Feels Like Home finit par tomber à plat et ne réussira pas à rejoindre beaucoup de fans, anciens comme nouveaux. Peut-être son pire album en 20 ans de carrière! (novembre 2013)

Suite à son dernier album studio en 2002, Living Proof, la légende vivante de la musique pop se lançait dans sa tournée d’adieu, qui a résulté en un album en concert. Pourtant, c’est maintenant âgée de 67 ans que Cher est de retour sur disque. Ce qui impressionne dès le premier morceau, « Woman’s World », c’est la voix toujours aussi puissante de la chanteuse. Les auteurs-compositeurs pullulent sur ce disque, incluant P!nk et Cher elle-même. Dans la première moitié du CD, on retrouve une musique pop énergique et dansante, à tendance disco en plusieurs occasions. Par contre, la deuxième moitié voit le tempo ralentir pour une musique dans le style adulte contemporain. L’album pique carrément du nez au moment des 4 ou 5 dernières pièces avec des chansons à tendance acoustique qui n’ont rien de la qualité de la première moitié. La réalisation de Mark Taylor est tout ce qu’il y a de plus moderne et réussit à transporter Cher dans les années 2010, elle qui a maintenant enregistré des albums dans 6 décennies. C’est seulement dommage que Cher n’ait pu nous offrir un album constant jusqu’à la fin. Voici donc encore un CD à consommer en parties. (novembre 2013)

Vidéoclip : « Woman’s World »

Sting ne semble pas souvent happé par l’inspiration depuis plusieurs années déjà, mais il arrive cette fois-ci avec un album totalement original. The Last Ship est un album-concept inspiré par un chantier naval britannique dans les années 1980. Il présente un son folk rock qui nous transporte directement dans les îles britanniques. L’atmosphère générale est intimiste et la voix unique de Sting aura rarement eu autant d’impact que dans un tel contexte. L’ambiance peut s’avérer lourde à la longue, mais il faut avouer que The Last Ship présente une belle cohésion du début à la fin. En fait, l’album semble prêt pour être transporté sur une scène de Broadway dans un spectacle musical à grand déploiement. Avec The Last Ship, l’auteur-compositeur et interprète présente son œuvre la plus intéressante depuis longtemps. (novembre 2013)

Pour The Diving Board, Sir Elton John revient à ses méthodes de travail d’antan alors qu’il écrivait rapidement et enregistrait tout aussi vite avec une équipe réduite de musiciens. Le résultat est donc un son moins léché et aux arrangements minimalistes, une musique qui rappelle ses albums du début des années 1970. On y retrouve de très bonnes chansons qui n’ont besoin que d’un piano et d’une section rythmique pour nous être livrées avec aplomb. Par contre, on ne retrouve pas vraiment de succès potentiels, rien qui s’approche de ses grands classiques en tout cas. Certaines ballades qui se veulent émotionnelles tombent plutôt à plat et l’album se retrouve donc avec des inégalités qui peuvent s’avérer frustrantes tellement l’idée de base semblait bonne. Malgré ses moments intéressants, The Diving Board ne passera pas à l’histoire à travers le vaste répertoire d’Elton John. (novembre 2013)

Vidéoclip : « Home Again »

La chanteuse et comédienne s’était classée deuxième dans la catégorie auteur-compositeur-interprète au Festival de la chanson de Granby en 1983 et son dernier album date de près de 20 ans. Pourtant, elle démontre avec ce nouvel enregistrement qu’elle n’a rien perdu de son intensité. Elle fait confiance aux Frères Grand (Pascale Picard, Bran Van 3000, Cirque du Soleil, Kevin Parent) pour la réalisation. Elle a aussi travaillé avec Pierre Lapointe pour l’écriture de « Les désordres du coeur », même si elle a collaboré à l’écriture et la composition de chacune des pièces de l’album. Vocalement, elle demeure une interprète de grand talent pour transmettre l’émotion. Musicalement, on retrouve quelques moments intéressants avec de belles orchestrations et des arrangements d’envergure qui viennent enrober les compositions. Ces arrangements contribuent à mieux communiquer l’amour, la colère et l’espoir qui semblent se retrouver au coeur de l’inspiration de la chanteuse. C’est un bon album dans le genre pop québécoise légère. (novembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 38, 1er novembre 2013)

Pour son nouvel album, Clone, Claude Dubois nous offre un disque double. En fait, il présente les dix mêmes chansons sur les deux CD, mais dans des versions totalement différentes. Un CD contient les versions pop prêtes pour les radios, alors que l’autre propose plutôt des versions dépouillées, guitare et voix. Les fans inconditionnels de Dubois se reconnaîtront probablement plus dans les versions sobres des chansons, alors qu’un public plus large préférera les versions pop. On peut y entendre le très efficace succès « Voir plus loin ». (novembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 39, 8 novembre 2013)

Le groupe indie new yorkais est de retour avec son troisième album. Ils ont prouvé par le passé qu’ils sont en mesure de bien mettre ensemble des mélodies et des riffs accrocheurs avec des expérimentations plus psychédéliques. Ils poursuivent leurs explorations musicales sur cet album éponyme. Pour l’occasion, il ont à nouveau demandé les services du réalisateur David Fridmann (Flaming Lips, Mercury Rev), lui qui avait déjà travaillé avec eux sur leur premier album, Oracular Spectacular. Ce nouveau disque présente des musiques planantes et de bonnes mélodies en ouverture. Par contre, il devient beaucoup plus bizarre dans sa deuxième moitié alors que le groupe ne se gêne aucunement pour explorer des territoires difficiles d’approche. Ce n’est donc pas encore avec cet album que le groupe sera en mesure de répéter les succès de « Kids » et « Electric Feel », mais il s’installe par contre bien confortablement dans le siège du groupe expérimental le plus en vue après les Flaming Lips. (novembre 2013)

Vidéoclips : « Your Life is a Lie » - « Cool Song No. 2 » - « Alien Days »

Le duo composé de Benoît Fréchette et Carl-Éric Hudon revient à la charge avec un deuxième album de pop rock à tendance punk en diverses occasions. On y retrouve aussi de nombreuses touches des années 1960 et un peu de grunge. Leurs mélodies demeurent extrêmement accrocheuses et les vers d’oreille ne manquent pas parmi les 12 titres inclus sur l’album. En plus, ils laissent quelque peu de côté leur côté intello pour présenter une musique plus accessible, susceptible de rejoindre un vaste auditoire. Avec des pièces aussi accrocheuses aux rythmes entraînants, parions qu’ils réussiront à créer toute une ambiance en spectacle. Chose certaine, c’est un album particulièrement efficace qu’ils nous proposent avec Vie de velours. (novembre 2013)

Vidéoclip : « Petit pain »

Le premier album de Jonathan Wilson était une pièce maîtresse, déjà. Un inestimable tour de force qui plaçait immédiatement la barre très haut. L’Américain démontrait déjà un vrai esprit de synthèse de ses influences les plus marquantes, tout en traçant sa route avec son identité. L’attente, encore un peu confidentielle en réalité, était devenue insoutenable pour les admirateurs de Gentle Spirit. Fanfare pouvait-il objectivement se hisser au même niveau que son glorieux prédécesseur? Manifestement, le Californien a mis toute pression de côté et a tracé son sillon avec une liberté bienvenue tout en invitant quelques mentors et pairs à se joindre aux festivités (David Crosby, Graham Nash, Jackson Browne, Benmont Tench, …). Les treize titres sont longs, pas un à moins de quatre minutes, voire très longs (huit approchent ou dépassent les six minutes) et restent fidèles aux élévations folk-psychédéliques de Jonathan Wilson. Le Californien prouve avec Fanfare, au fil des ans et des bonnes fréquentations, qu’il a beaucoup appris. Le disque est chiadé, fort d’une production soignée et très aboutie, proche d’une perfection presque regrettable tant on avait vibré sur les quelques égarements frénétiques du premier opus (« The Way I Feel » ou « Desert Raven »). L’autre déception, toute relative, vient des appartenances un peu trop marquées de certaines compos dont « Moses Pain » qui respire la discographie de Dylan, « Future Vision » celle de Lennon et « Illumination » celle de Neil Young. Au rayon des réjouissances, Wilson a gardé une certaine appétence pour les morceaux à tiroirs, capable d’intégrer des parties folk et de virer au progressif ou à la soul (dont l’excellent premier extrait « Dear Friend », « Lovestrong » ou l’intro cinématographique « Fanfare »). Une nouvelle fois, le prodige californien fournit un disque dense, un répertoire d’historien du rock chargé de pépites qui aurait peut-être mérité d’être amputé de deux ou trois morceaux pour être encore plus intense. (novembre 2013)

Avec Get Happy, Pink Martini présente peut-être son album le plus éclectique à ce jour avec un mélange quelque peu étourdissant de jazz, de musiques du monde et de vieilles chansons françaises et américaines. En plus, le groupe présente des titres en anglais, en français, en espagnol, en allemand, et encore plus. L’album débute avec passablement d’énergie avec « Ich Dich Liebe » et « Quizas, Quizas, Quizas » d’Osvaldo Farres. Par la suite, plusieurs titres auraient été parfaits pour fermer une petite boîte de jazz enfumée des années 1930-40. Quelques pièces se démarquent tout au long du disque, entre autres les célèbres « Sway » et « Smile » (avec Phyllis Diller), ainsi que « I’m Waiting For You » (avec Meow Meow), « Je ne t’aime plus » (avec Philippe Katerine) et « Kitty Come Home » d’Anna McGarrigle (avec Rufus Wainwright). L’arrivée de la chanteuse Storm Large n’ajoute que bien peu au son du groupe, mais elle offre tout de même une bonne performance avec sa voix riche parfaite pour les standards jazz. (novembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 35, 11 octobre 2013)

L’une des vedettes de la plus récente édition de Star Académie, Mélissa Bédard présente son tout premier album. La jeune chanteuse à la voix puissante nous offre ses propres versions de classiques de la chanson populaire incluant « Tu trouveras la paix », « Reste », « Mes blues passent pus dans porte », « Mamy Blue », « Aimons-nous » et « Hallelujah ». On peut aussi entendre une chanson originale, « Que Dieu me pardonne ». La principale particularité de son vaste registre vocal est sa capacité à descendre dans des graves pratiquement impossibles à atteindre pour une femme. Elle réussit donc à impressionner en plusieurs occasions et n’a rien à envier aux plus grandes chanteuses soul. Sous la direction artistique de Stéphane Laporte, l’album a été réalisé par Toby Gendron qui réussit à bien mettre en valeur le talent de la chanteuse. (novembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 37, 25 octobre 2013)

Après avoir été finaliste à la première édition de Star Académie en 2003, Marie-Élaine Thibert est devenue l’une des plus grandes vedettes au Québec et elle présente déjà son 5e album. Sur ce CD de 12 titres réalisé et arrangé par Rémy Malo et Sylvain Quesnel, elle fête ses 10 ans de carrière en reprenant des grands classiques francophones, remontant jusqu’aux années 1960. On peut y entendre « L’amour est bleu » (popularisée par Vicky Leandros en 1967), la surprenante « Marie Douceur, Marie Colère » (version française de « Paint It Black » des Rolling Stones), « Emporte-moi » (du film de Léa Pool), ainsi que « Le plus beau voyage » (en duo avec son auteur, Claude Gauthier). Elle interprète aussi « L’amour a pris son temps », chanson thème de La guerre des tuques. Les arrangements pour cordes sont signés Antoine Gratton et Marie-Élaine est accompagnée par plusieurs musiciens invités dont le quatuor à cordes Les Quatr’Ailes, la pianiste Julie Lamontagne et le claviériste Marco Tessier. (novembre 2013)

(lire aussi dans le magazine Vol. 9 No 39, 8 novembre 2013)

Après avoir interprété le répertoire de Louis Armstrong, Misses Satchmo est de retour avec un nouvel album, Apple Tree. Cette fois-ci, le groupe nous propose une sélection de pièces de vieux jazz de la période swing. Certains morceaux moins connus côtoient des classiques tels « Just a Closer Walk With Thee », « Blue Skies », « Ain’t Misbehavin’ » et « I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter ». Pour l’accompagner tout au long du disque, le quatuor peut compter sur des musiciens invités, dont Yvan Belleau (clarinette) et Simon Marion (banjo). Apple Tree est un album charmant et léger qui nous replonge dans une atmosphère d’une autre époque. Un disque très agréable! (novembre 2013)

Après la séparation de White Zombie, Rob Zombie s’est lancé dans une carrière solo qui a été prolifique au départ. Par contre, depuis une dizaine d’années, son esprit créatif semble se prêter mieux au cinéma dans des films de série B qu’à la musique. Ça se concrétise d’ailleurs sur ce nouvel album qui reprend les mêmes éléments qui l’ont rendu populaire, sans aucune évolution. Ce sont les mêmes riffs, la même ligne de basse qui établit le rythme et bien sûr les mêmes thèmes. La section rythmique qui était unique à Zombie il y a 20 ans semble complètement dépassée dans les années 2010. Venomous Rat Regeneration Vendor présente des chansons qui peuvent être entraînantes, mais il présente aussi et surtout des compositions calquées sur des œuvres du passé de Zombie. Si bien qu’on peut facilement chanter plusieurs de nos chansons préférées d’antan sur la musique de la majorité des pièces de l’album. Quelques moments se différencient tout de même de l’ensemble, dont « Rock and Roll (In a Black Hole) » avec son rythme électronique. Autre moment surprenant du disque : sa reprise de « We’re an American Band » de Grand Funk Railroad, certainement pas l’idée du siècle! En conclusion, si vous êtes demeurés fan de Rob Zombie jusqu’à ce jour, vous devriez encore apprécier. Mais si comme beaucoup d’admirateurs vous aviez lancé la serviette au milieu des années 2000, ce n’est certainement pas avec ce nouvel album qu’il réussira à vous reconquérir. (octobre 2013)

Vidéoclip : « Dead City Radio and the New Gods of Supertown »

From Beer to Eternity est le 13e album du groupe industriel américain dirigé par Al Jourgensen. Depuis déjà quelques albums Jourgensen parle du dernier enregistrement de Ministry, mais le groupe est encore bien présent 30 ans après ses débuts et 25 ans après avoir connu le succès à l’échelle de la planète. Ce nouveau disque a été écrit en décembre 2012, avant le décès du guitariste Mike Scaccia, et cette fois-ci, on risque bien d’entendre le dernier chapitre d’un des groupes les plus influents de la scène industrielle et métal. L’album présente un éventail d’à peu près tous les styles explorés par le groupe au cours de sa carrière. On y retrouve de l’électro dansante et joyeuse digne de leurs premières années, des textes de haine totalement assumés qui font suite à la « trilogie Bush » (2004-2007), mais surtout, des riffs métal qui rappellent agréablement les meilleurs albums du groupe (et les plus populaires) entre 1988 et 1992. On ne retrouve malheureusement pas de classiques instantanés comme « N.W.O. » et « Just One Fix », mais l’ensemble du CD présente tout de même des éléments intéressants qui laisseront une empreinte indélébile pour leur dernier enregistrement (s’il s’avérait bien sûr que ce soit véritablement leur dernier). (octobre 2013)

Vidéoclip : « PermaWar »

Le groupe de métal satyrique de la Virginie est de retour avec un nouvel album, 25 ans après des débuts remarqués. Même s’ils ont toujours préféré mettre l’accent sur leurs costumes et leur mise en scène plutôt que sur la musique, ils ont réussi à présenter quelques bons albums au cours des années, dont le classique Scumdogs of the Universe en 1990. Battle Maximus est leur 13e album en carrière et présente 13 titres, donc tant qu’à exploiter les superstitions, aussi bien y aller à fond. Il s’agit de leur premier album avec le guitariste Brent Purgason (alias Pustulus Maximus) qui remplace le défunt Cory Smoot (alias Flattus Maximus). On peut aussi entendre un nouveau bassiste en Jamison Land (alias Beefcake the Mighty). Réalisé par Glen Robinson, Battle Maximus est un album-concept qui présente quelques bons titres de métal monstrueux. Il s’agit donc d’un CD qui devrait satisfaire leurs fans de longue date, sans toutefois réussir à attirer un nouvel auditoire. (octobre 2013)

Le jeune rappeur de Los Angeles, membre de Odd Future, nous arrive avec un premier véritable album. La musique ultra basse, les rimes sombres, les paroles à faire peur et les chœurs semblant provenir d’outre-tombe nous font rapidement réaliser qu’on a droit à un album rap d’horreur avec Doris. Tout autour de cet album, incluant la pochette, crée une atmosphère lugubre qui rend l’album difficile d’écoute. Pourtant, on ne peut s’empêcher de penser que c’est diablement original. Peu d’artistes dans le genre réussissent à créer un tel univers. Peu de titres ressortent du lot et certains risquent plus de vous repousser que de vous attirer, mais l’ensemble présente de belles qualités qui nous forceront à tendre l’oreille vers ce que le rappeur aura à nous offrir dans le futur. (octobre 2013)

En préparation de son quatrième album, le supergroupe métal de Los Angeles a réalisé qu’il avait beaucoup trop de nouvelles compositions pour un seul disque. Voici donc le volume 1, alors que le volume 2 nous arrivera le 19 novembre. À l’écoute de ce premier volume, on réalise qu’il est vrai que le groupe semble plus inspiré que jamais. De solides compositions s’enchaînent sur ce disque pour lequel Five Finger Death Punch semblent avoir laissé libre cours à leur exploration musicale. On peut entendre les excellentes « Lift Me Up » (avec Rob Halford), « Watch You Bleed » et « You », avant que le groupe impressionne par son agressivité sur « Burn MF » et « Dot Your Eyes », peut-être les deux meilleurs moments du CD. Le passage le plus surprenant du disque (et le plus douteux) arrive certainement avec la reprise de « Mama Said Knock You Out » de LL Cool J mettant en vedette le rappeur Tech N9ne. En boni, trois pièces se retrouvent dans de nouvelles versions dont « I.M.Sin » avec la participation de Max Cavalera. Avec ce nouvel album de qualité, Five Finger Death Punch nous présentent peut-être leur album le plus cohérent à ce jour. Surveillons attentivement le volume 2! (octobre 2013)