Sebastian Kole est d’abord reconnu comme un excellent auteur-compositeur ayant écrit des succès pour Alessia Cara (« Here »), Jennifer Lopez, Demi Lovato, Maroon 5 et Brandy. Il présente maintenant son premier album, Soup, un habile mélange de R&B et de pop urbaine aux influences du sud. Kole offre en quelque sorte une fusion entre Adele, Coldplay et John Legend, avec plusieurs ballades, mais aussi des chansons énergiques et divertissantes. Il possède par ailleurs une voix puissante et très agréable. À noter que trois des chansons de l’album peuvent être entendues dans la série d’ABC Grey’s Anatomy. (découverte du mois de janvier 2017)

Après l’excellent Forever for Now en 2014, la chanteuse de Los Angeles est revenue avec un album de premier plan à la toute fin de 2016. Lost on You inclut entre autres son plus grand succès radio à ce jour avec l’inoubliable chanson-titre. Laura Pergolizzi propose plusieurs chansons à tendance plus pop que sur ses enregistrements précédents, ce qui risque de lui permettre de finalement rejoindre un large auditoire. Malgré tout, elle ne perd aucunement ses habiletés créatives alors qu’elle nous offre des compositions de grande qualité qui n’ont rien à envier à son œuvre passée. Elle semble simplement s’assumer un peu plus qu’auparavant. Voici donc un disque très solide qui propulsera LP au titre de superstar. (janvier 2017)

Vidéoclip : « Lost on You »

Mosquito-B est un groupe de Québec créé il y a près de 20 ans par l’auteur-compositeur et multi-instrumentiste Daniel L. Moisan. Ils proposent une musique pop rock inspirée des Beatles et de The Cure. Après deux albums en français, le groupe est revenu avec deux albums en anglais et a pu se frayer un chemin dans le marché britannique. Mosquito-B est maintenant de retour avec son cinquième album, Use Less U, mixé et coréalisé par Paul Northfield (Rush, April Wine, Dream Theater) et masterisé à Londres par Ray Staff (Rolling Stones, Led Zeppelin, David Bowie, Black Sabbath, Muse). Orienté vers le nouveau marché de la musique, le groupe offre son album en ligne seulement au coût d’une livre anglaise (environ 1,70 $CA), une stratégie justifiée par le fait que la totalité de ce montant ira au groupe ce qui représente plus que les profits via un contrat de disque. Musicalement, Moisan et sa bande sont fidèles à leurs racines ancrées dans le rock britannique, avec aussi des éléments de comparaison avec REM et Tragically Hip. Mosquito-B propose plusieurs excellentes compositions parmi les 14 titres de Use Less U (« Not Easy », « The Neon Riders », « The Room », « I Don’t Know », le premier extrait « Left for Love », etc.), pour un album très agréable à écouter jusqu’à la fin. (janvier 2017)

Vidéoclip : « Left for Love »

Présentation des chansons

Le chanteur français s’est fait découvrir avec son premier album, Idées blanches, paru en France en 2014 et au Québec au printemps 2016. Il a remporté un prix Victoire et a vu depuis une de ses chansons enregistrée par Céline Dion pour son dernier album. Sur ce disque éponyme, Vianney propose une écriture autobiographique sur des musiques douces, sans arrangements extravagants. Il met donc l’accent sur ses textes, fortement influencés par une rupture amoureuse. À noter aussi une chanson touchante inspirée des événements tragiques du 13 novembre à Paris, « L’homme et l’âme ». (janvier 2017)

Le chanteur R&B torontois revient avec un nouvel album et la chanson-titre à succès, mettant en vedette le duo français Daft Punk. Sur Starboy, The Weeknd se moque de sa popularité récente et de tout ce qu’elle comporte comme paradoxes. Il présente quelques chansons de grande qualité en plus de la chanson-titre (« Party Monster », « Rockin’ »). Par contre, il nous offre aussi plusieurs morceaux sans personnalité, qui peuvent laisser franchement indifférents. Et ce n’est pas son échantillonnage de Tears for Fears dans « Secrets » qui vient sauver la mise, puisque l’exercice paraît seulement bizarre. Avec la ballade « True Colors », il nous montre en effet ses vraies couleurs dans une ballade extrêmement ennuyante. En somme, si le nouvel album de The Weeknd peut sembler intéressant au départ, il s’avère plutôt grandement décevant par la suite. (janvier 2017)

Vidéoclip : « Starboy »

Après le méga succès de « Uptown Funk » avec Mark Ronson en 2014, Bruno Mars revient avec un nouvel album solo. Quatre ans après Unorthodox Jukebox, il nous arrive avec un troisième disque beaucoup plus cohérent d’un bout à l’autre. Mars explore plus que jamais son côté funk, définitivement là où il est à son meilleur, avec toujours ce fond de R&B et de soul qui lui est caractéristique. Ce sont le rock, le new wave et le reggae qui disparaissent complètement ici, laissant du même coup des pièces beaucoup plus compatibles ensemble pour un album plus solide sur toute sa longueur. C’était le principal problème de son disque précédent qui contenait pourtant de grands succès dont l’incontournable « Locked Out of Heaven ». Sur XXIVK Magic, Bruno Mars rend plutôt hommage aux radios noires des années 1970 et 1980, avec des influences évidentes de Michael Jackson, Lionel Ritchie et bien sûr James Brown dans les moments les plus funky. Mars joue malheureusement à fond la carte du mauvais garçon dans la majorité des neuf chansons, ce qu’il n’a pas besoin de faire. Il s’agit tout de même de son meilleur album à ce jour. (chronique principale de décembre 2016)

Vidéoclip : « 24K Magic »

Avec une seule chanson, « Cake By the Ocean », le nouveau groupe de Joe Jonas (des Jonas Brothers) est devenu une sensation planétaire en moins d’un an. Flanqué de Cole Whittle (Semi-Precious Weapons) à la basse et aux claviers, du Sud-Coréen JinJoo Lee à la guitare et de Jack Lawless à la batterie, Jonas nous arrive maintenant avec le premier album de DNCE. En plus de « Cake By the Ocean », le disque contient les succès récents « Toothbrush » et « Body Moves », en plus d’autres titres contagieux (« Doctor You », « Naked »). Le quatuor propose un mélange de pop et de rock dansant, toujours funky et énergique, avec des refrains qui revisitent le disco. On peut par moments les comparer à Maroon 5, mais DNCE se veut avant tout une alternative à la musique pop jetable et interchangeable, une preuve que la musique pop peut être de qualité. Passera-t-elle l’épreuve du temps? Plusieurs pièces de DNCE risquent de réussir ce tour de force, avec non seulement des mélodies inoubliables, mais aussi des compositions suffisamment riches pour demeurer intéressantes lors de plusieurs nouvelles écoutes. Même les ballades offertes (« Almost », « Truthfully ») demeurent plaisantes à écouter en évitant bien des clichés. C’est donc un album extrêmement agréable que nous offrent Joe Jonas et sa bande! (découverte du mois de décembre 2016)

Vidéoclips : « Cake By the Ocean » - « Toothbrush » - « Body Moves »

Le Québécois présente son troisième album avec Summer Is Gone. Réalisé par Martin Terefe (Mike Posner, Shawn Mendes, James Blunt), l’album offre encore une fois des chansons pop rock à tendance soul, le tout livré avec la voix unique de Bazini. À en croire le premier extrait, « C’est là vie », l’artiste semble bien décidé à reprendre où il avait laissé il y a deux ans avec l’album à succès Where I Belong, avec une chanson à la mélodie inoubliable qui ne devrait pas avoir de difficulté à conquérir les radios. Pour la première fois, Bobby Bazini collabore avec des auteurs et compositeurs pour l’écriture, ce qui ajoute un regard extérieur très intéressant sur plusieurs pièces. Il réussit à conserver ses influences du passé tout en modernisant son son pour le rendre au goût du jour. C’est encore une fois un très bon disque que propose Bobby Bazini, une belle évolution pour lui. (décembre 2016)

Avec This House is Not for Sale, le groupe du New Jersey présente son 14e album en plus de 30 ans de carrière. Bon Jovi prend un virage important avec cet album puisqu’il s’agit du premier sans Richie Sambora, le guitariste qui occupait une place importante au sein de la formation et qui est parti avec fracas. Le groupe est loin de s’apitoyer sur son sort alors qu’il revient à un son rock énergique et agressif, sans trop de ballades larmoyantes. En ce sens, ce nouvel enregistrement rappelle passablement Have a Nice Day paru en 2005, le premier disque réalisé par John Shanks qui revient ici pour une sixième collaboration. Sans revenir au style de ses meilleures années dans les années 1980, Bon Jovi réussit à rafraîchir son son avec un album agréable à écouter dans l’ensemble. (décembre 2016)

Vidéoclip : « This House is Not for Sale »

L’artiste australien n’a jamais hésité à visiter les coins les plus sombres de l’être humain, et c’est encore le cas sur Skeleton Tree, son 16e album. Il faut dire que Nick Cave a vécu tout un drame pendant la préparation de ce nouveau disque : son fils de 15 ans est décédé tragiquement en juillet 2015 après être tombé d’une falaise. Ce drame teinte l’ensemble de Skeleton Tree qui devient du même coup peut-être son œuvre la plus touchante à ce jour. Il s’agit d’un album modeste de huit titres et 40 minutes, avec une pochette noire. Dans l’ensemble plutôt intimiste, l’album ne contient pas de grandes envolées orchestrales. La plupart des pièces donnent l’impression d’une lecture d’auteur sur un fond de musique d’ambiance. Skeleton Tree contient donc une atmosphère bien particulière, sombre, touchante et captivante. Il s’agit encore une fois d’un excellent disque pour Nick Cave et sa bande. (décembre 2016)

Le violoniste et chef d’orchestre québécois de réputation internationale Alexandre Da Costa présente sur Stradivarius à l’opéra une sélection de grands airs d’opéra arrangés pour lui. En tant que chef invité de l’Orchestre symphonique de Vienne et accompagné de son Stradivarius « Di Barbaro » datant de 1727, Da Costa présente des incontournables tels que « Carmen : Habanera » de Bizet, « Roméo et Juliette : Montaigu et Capulet » de Prokofiev, « Turandot : Nessun Dorma » de Puccini et « La Valkyrie : Liebeslied (Chanson d’amour) » de Richard Wagner. On peut aussi entendre une belle surprise en ouverture avec une Rhapsodie sur un thème de Freddie Mercury et Brian May de Queen. Stradivarius à l’opéra est déjà le 25e album de la jeune carrière d’Alexandre Da Costa, et possiblement celui qui lui permettra de se faire connaître d’un auditoire un peu plus vaste. (décembre 2016)

La cantatrice Joyce DiDonato a remporté de nombreux prix Grammy en plus d’être reconnue pour son charisme et son discours engagé. Mais elle est avant tout l’une des plus grandes chanteuses d’opéra au monde. Sur cet album contenant 15 arias baroques explorant la nature humaine, elle tente de savoir comment trouver la paix au milieu du chaos mondial actuel qui a trouvé son paroxysme lors des attaques terroristes de Paris et Bruxelles. Elle est accompagnée pour l’occasion de l’ensemble baroque Il Pomo d’Oro dirigé par Maxim Emelyanychev. L’album se divise en deux parties : « War » et « Peace ». Parmi les morceaux présentés, on retrouve surtout des titres de Purcell et Handel, mais aussi de Monteverdi et des premières mondiales de Leo et de Jommelli. Voici un album grandiose pour tout amateur d’opéra. (décembre 2016)

Sur ce nouvel album, la légende vivante que représente Jean-Pierre Ferland a décidé de reprendre des chansons qu’il aurait aimé avoir écrites. On peut y entendre ses versions toutes personnelles de « Bozo » (Félix Leclerc), « Les vieux amants » (Jacques Brel), « Si Dieu existe » (Claude Dubois) et « Ordinaire » (Robert Charlebois). Il reprend même « Mon ange » d’Éric Lapointe, en plus de changer une toute petite ligne de « Si j’étais un homme » de Diane Tell pour la masculiniser et en faire sienne. Les versions de Ferland de ces grandes chansons s’avèrent d’une efficacité incomparable. On en aurait pris beaucoup plus que les 10 pièces offertes. (décembre 2016)

Kids United est un groupe français formé de six enfants de 9 à 16 ans : Carla, Erza, Gloria, Esteban, Nilusi et Gabriel. Le groupe a été créé en 2015 pour une campagne d’UNICEF. Sur ce premier album (paru en 2015 en France, mais maintenant disponible au Québec), on retrouve une majorité de succès français, mais aussi quelques pièces étrangères : « Imagine » de John Lennon, « Happy » de Pharrell Williams et « Last Christmas » de George Michael. Les succès français incluent « On écrit sur les murs », « Sauver l’amour » (avec Hélène Ségara), « Il faudra leur dire » (avec Corneille), « Toi + Moi », « Parce qu’on vient de loin » et « Papaoutai ». On peut aussi se procurer le deuxième album du jeune groupe, Tout le bonheur du monde, avec d’autres grands succès, notamment « L’oiseau et l’enfant », « Destin », « Laissez-nous chanter », « Qui a le droit », « Heal the World », « J’ai demandé à la lune » et la chanson-titre. (décembre 2016)

Si on fait abstraction de leur projet avec Lou Reed il y a cinq ans pour Lulu, il aura fallu attendre huit ans pour un nouvel album de Metallica. Par contre, Hardwired… To Self-Destruct est la suite logique de Death Magnetic qui marquait un retour à leur son des années 1980. Ici, non seulement on peut aisément comparer le groupe à ce qu’il a fait du temps de …And Justice For All, mais il propose en plus de longues pièces entre 6 et 8 minutes. Avec 12 titres, ce sont donc près de 78 minutes de musique qui nous sont offertes, bizarrement sur deux CD alors que l’espace était suffisant sur un seul, probablement pour se remémorer les années des vinyles doubles. Plusieurs pièces de ce nouvel album ont une batterie qui nous mitraille et une guitare déchaînée, mais le groupe ralentit aussi le rythme en de nombreuses occasions, comme s’il ne pouvait plus soutenir la cadence pendant tout un album double. Il faut dire qu’après 35 ans de carrière bien comptés, Metallica fait partie des vétérans du métal et n’a peut-être plus l’énergie de la nouvelle génération. Il reste qu’il y a suffisamment de moments pour satisfaire leurs fans des débuts, tout en ne délaissant pas ceux qui sont arrivés plus tard. Le groupe rend hommage au regretté Lemmy Kilmister, décédé il y a un an, sur « Murder One ». Seule la chanson-titre se limite à trois minutes, mais il s’agit assurément de la pièce la plus rapide avec un Lars Ulrich particulièrement en forme derrière sa batterie. Les autres moments intéressants incluent « Moth Into Flame », « Dream No More » et « Spit Out the Bone » en conclusion. Un album très efficace! (décembre 2016)

Vidéoclips : « Hardwired » - « Spit Out the Bone » - Autres vidéoclips

Quartom est un quatuor vocal québécois qui existe depuis 2008 et est formé de Gaétan Sauvageau (ténor), Benoit Le Blanc (baryton), Julien Patenaude (baryton) et Philippe Martel (baryton-basse). Totalement a capella, ils reprennent de grands classiques. Sur ce troisième album on peut entendre notamment des œuvres de Gounod, Verdi, Handel, Bizet, Gershwin, Mozart et Wagner. Le CD de 18 pièces se conclut avec un pot-pourri d’airs d’opéras italiens par Rossini, Verdi, Donizetti et Puccini. Évidemment, pour apprécier ce genre d’album, il faut avoir une véritable passion pour la voix. On y trouve certaines longueurs plutôt lassantes qui nous font regretter l’absence de musique. Mais il reste que les quatre membres de Quartom possèdent des voix exceptionnelles. (décembre 2016)

Sur A Cappella 101, le quatuor de chanteurs et bruiteurs présente de grands succès québécois et français a cappella, bizarrement sans aucun instrument de musique. Avec leur bouche seulement, ils nous offrent des classiques québécois comme « Julie » des Colocs, « Journée d’Amérique » de Richard Séguin, « Fais-moi un show de boucane » des Sœurs Boulay, « Deux par deux rassemblés » de Pierre Lapointe et « Mécaniques générales » de Patrice Michaud. Les classiques français incluent « Hymne à l’amour » d’Édith Piaf, « Emmenez-moi » de Charles Aznavour, « Comme d’habitude » de Claude François, « Papaoutai » de Stromae, ainsi que « Boum boum boum / Elle me dit » de Mika. Le quatuor impressionne rapidement par sa virtuosité vocale, mais surtout, il nous fait redécouvrir 13 chansons populaires qu’on adore. (décembre 2016)

Avec 57th and 9th, c’est un retour au pop rock qu’effectue Sting après différentes explorations. Intitulé ainsi à cause du coin de rue à Manhattan qu’il traversait chaque jour pour se rendre au studio, 57th and 9th tourne toujours autour des thèmes du voyage et du déplacement. Dans sa première moitié, le CD présente plusieurs chansons énergiques avec même du rock ‘n’ roll. Par contre, Sting ralentit grandement le tempo dans une deuxième moitié beaucoup plus introspective. Dans l’ensemble, l’ex-leader de The Police propose de très bonnes compositions, comme quoi il n’a rien perdu de sa touche pop. (décembre 2016)

Vidéoclip : « I Can’t Stop Thinking About You »

Le pianiste français rend un bel hommage à Rachmaninov sur ce nouvel album, en compagnie de l’Orchestre philharmonique Royal Liverpool sous la direction d’Alexander Vedernikov, un spécialiste de Rachmaninov. Tharaud présente d’abord le chef-d’œuvre du « Concerto de piano No. 2, Op. 18 ». Il poursuit avec « Cinq morceaux de fantaisie, Op. 3 », la « Vocalise, Op. 34 » (avec la cantatrice Sabine Devieilhe) et deux rares « Pièces pour six mains » (Romance et Valse). Tharaud demeure éblouissant tout au long de cet album de 66 minutes sur lequel il n’hésite pas à explorer des œuvres un peu plus obscures du répertoire de Rachmaninov. (décembre 2016)

Avec Let It Play, David Usher présente un album-concept sur lequel on peut découvrir toute son admiration pour la musique québécoise. Il reprend 10 succès québécois contemporains en version anglaise, tout en tentant de conserver leur essence originale. On peut donc entendre des chansons d’Alex Nevsky, Dumas, Ingrid St-Pierre, Karim Ouellet, Daniel Lavoie et plusieurs autres. On retrouve aussi la version française de son succès « Black Black Heart » en duo avec Marie-Mai. Évidemment, on pourra dire que ses versions sont un peu trop près des originales, mais il est très intéressant de redécouvrir ces grands succès de la musique québécoise dans la langue de Shakespeare. C’est là qu’on réalise toute la qualité de cette musique qui pourrait fort bien voyager à travers le monde. (décembre 2016)

La Montréalaise Martha Wainwright est de retour sur disque après avoir fait paraître la bande sonore de la série télé Trauma il y a trois ans, ainsi qu’un album avec sa sœur Lucy l’an passé. Sur Goodnight City, elle présente à nouveau cet habile mélange de folk et de pop alternative, avec sa voix unique remplie d’émotion et sa personnalité attachante. Cette fois par contre elle va un peu plus loin avec des pièces énergiques déchirantes qui rappellent le côté punk de Patti Smith. Elle a coécrit « Look Into My Eyes » avec sa tante, Anna McGarrigle, puis son frère Rufus lui offre « Francis ». Elle chante aussi une chanson écrite par Merrill Garbus de Tune-Yards, « Take the Reins ». Sur Goodnight City, Martha Wainwright va un peu plus loin dans sa création avec un album qu’il faut découvrir avec patience et ouverture. Une belle évolution pour elle! (décembre 2016)

Après l’ambitieux projet de trois albums par Green Day à l’automne 2012 (Uno, Dos et Tré), Billy Joe Armstrong a dû être admis en désintoxication, forçant du même coup le trio à prendre une pause. Ils reviennent maintenant en force avec un titre qui semble inspiré de The Clash, Revolution Radio. On y trouve plusieurs chansons énergiques qui rappellent les meilleures années du groupe, comme par exemple le premier extrait (« Bang Bang »), « Say Goodbye », « Bouncing Off the Wall » et la chanson-titre. Elles alternent avec des pièces un peu plus pop dont certaines qui viennent quelque peu briser le rythme de l’ensemble pour nous faire réaliser du même coup que Green Day ne font plus d’albums-concepts, à notre grand regret. Évidemment, ce n’est pas une tâche facile que de refaire un disque de la qualité d’American Idiot. Mais une ligne directrice mieux définie manque assurément à Revolution Radio. N’empêche que le groupe présente suffisamment de titres énergisants pour nous donner le goût d’aller les voir en concert encore une fois. (chronique principale de novembre 2016)

Vidéoclip : « Bang Bang »

Kirsten Scholte (alias Kirty) est une auteure-compositrice et interprète d’Orillia, Ontario, maintenant installée à Toronto, qui nous offre son deuxième album. Sur ce disque éponyme, elle propose une musique essentiellement folk avec de très bonnes mélodies pop et des traces de rock plutôt doux. Elle présente plusieurs compositions solides dont les remarquables « Letting You Down » et « Be Here », sans oublier le premier extrait, « That’s Not Me ». Kirty possède une voix charmante qui réussit à nous séduire rapidement. Résultat : après avoir débuté l’écoute de l’album, il est plutôt difficile de ne pas se rendre jusqu’à la fin des 10 pièces. Il s’agit donc d’un album très agréable à découvrir! (découverte du mois de novembre 2016)

L’auteur-compositeur et chansonnier québécois est de retour avec un nouveau disque de folk intimiste, son quatrième, sur lequel il manie les mots mieux que jamais. Le titre Par-dessus l’épaule est tiré du livre La passion des femmes de Sébastien Japrisot. Avec le premier extrait, « Grain de beauté », Bélanger aborde un thème que plusieurs se répètent tous les jours, que tout est noir et qu’il n’y a rien de beau dans leur vie. Encore une fois, le chanteur propose des chansons douces à tendance folk, avec de délicats arrangements de cordes. Bélanger est accompagné à la réalisation et aux guitares par son complice Denis Ferland. Avec ce nouveau disque, Éric Bélanger demeure fidèle à lui-même, ce qui plaira à ses fans. (novembre 2016)

22, a Million est le troisième album de Bon Iver, mais le premier en cinq ans. Justin Vernon redéfinit à nouveau le son indie indescriptible de Bon Iver avec un mélange d’électro et de folk, de rock et d’expérimentation. Plutôt difficile d’approche, c’est un album qu’il faut écouter attentivement et à quelques reprises, question d’en saisir toutes les subtilités. Sa complexité peut devenir aussi un désavantage alors que la frustration d’avoir de la difficulté à comprendre ce qui se passe peut prendre le dessus. Parmi les expérimentations, notons les voix régulièrement modifiées ou accélérées, les synthétiseurs saccadés et les saxophones traités. Le tout est accompagné soit par une douce guitare ou un piano. On retrouve aussi quelques passages R&B sur l’album qui s’avère assurément très créatif. (novembre 2016)

Avec 20 ans de carrière, Mathieu Boogaerts fait assurément partie des vétérans de la nouvelle scène pop française. Il présente maintenant son septième album qu’il a enregistré seul dans une maison isolée à la montagne. Il a seulement invité deux violonistes à le rejoindre pour une journée. Promeneur est une rêverie alors que Boogaerts nous transporte dans des paysages variés, tant dans ses souvenirs que dans le futur. Chantées tout doucement, ses très belles mélodies captent rapidement notre attention. Voici un album doux, mais tout de même riche, un album qui se déguste lentement pendant 13 titres totalisant moins de 38 minutes. (novembre 2016)

Le crooner canadien fête 15 ans de carrière en proposant un nouvel album fidèle à son image. Sur ce neuvième enregistrement, il offre en effet une majorité de standards jazz, entrecoupés de titres un peu plus pop. Parmi les moments forts du CD, notons un très beau duo avec Meghan Trainor, « Someday », sur lequel les deux chanteurs sont accompagnés par un ukulélé. Aussi à surveiller, sa version à la Sinatra de « My Baby Just Cares For Me ». Les nouvelles chansons « Today Is Yesterday’s Tomorrow » et « Nobody But Me » prouvent que Bublé peut aussi offrir du nouveau matériel original de qualité. Ses fans devraient donc être à nouveau satisfaits. (novembre 2016)

Le prolifique auteur-compositeur et chanteur pop rock est encore une fois de retour avec un nouvel album, son 26e en carrière. A Better World jette un regard approfondi sur le monde actuel et ses grands enjeux à travers un mélange de pièces pop rock énergiques, comme dans le premier extrait, « Bethlehem », et de ballades plus adultes. De nombreuses orchestrations et des arrangements grandioses viennent meubler le tout autour de sa superbe voix profonde et puissante. C’est un disque avec de bien bons moments qui devrait plaire à nouveau à son fidèle auditoire. (novembre 2016)

Après avoir lancé un premier album à l’âge de 20 ans, Brent Cobb a pris 10 ans de pause avant de faire un retour maintenant avec Shine on Rainy Day. En fait, il a surtout écrit pour d’autres pendant cette période : Luke Bryan, Miranda Lambert, Kenny Chesney, etc. Par contre, plus à l’aise en Georgie qu’à Nashville, il a décidé de revenir à ses racines du sud profond. Il y a bien cette touche de country dans sa musique qui peut rappeler Nashville, mais l’essence de son style est bien folk et roots. Il propose 10 chansons efficaces qui plairont tant aux amateurs de country que de folk. (novembre 2016)

Le Montréalais Leonard Cohen a amorcé sa carrière musicale sur le tard alors qu’il avait la trentaine bien entamée. 50 ans plus tard, il ne présente donc que son 14e album studio en carrière alors qu’il est maintenant âgé de 82 ans. Par contre, ces dernières années se sont avérées particulièrement créatives pour celui qui a d’abord débuté en tant que poète. Après l’excellent Old Ideas en 2012 et l’incontournable Popular Problems il y a deux ans, le voici de retour avec un autre album de premier plan. Annoncé comme son dernier album, You Want It Darker se présente comme une conclusion exceptionnelle à sa trilogie ultime. Réalisé par son fils Adam, le disque propose encore une fois de très belles compositions, interprétées avec sa superbe voix de plus en plus basse. Il conclut le tout avec une reprise, « String Reprise / Treaty », qui met magnifiquement un point final à ce trop court CD de 36 minutes. (novembre 2016)

Deux ans après un premier album à succès, le dynamique participant à La Voix revient avec un nouveau disque de 12 titres et 40 minutes. Le protégé de Marc Dupré (directeur musical) propose à nouveau son style de pop rock énergique, fait sur mesure pour les radios commerciales québécoises, comme on peut le découvrir avec ses deux premiers extraits : « My Sweetest Thing » et « Plus fort que tout ». Gautier Marinof demeure à la réalisation, mais Couture ajoute aussi John Nathaniel (Andie Duquette, Alexe Gaudreault, Final State). Le résultat est un album qui ne se différencie pas tant du précédent, si ce n’est qu’une maturité accrue chez le jeune trentenaire. Ses fans seront donc assurément satisfaits. (novembre 2016)

Les Dales Hawerchuk reviennent avec un quatrième album, toujours inspirés du hockey. Ils ont enregistré Désavantage numérique live en studio avec Pierre Fortin (Galaxie) et on peut d’ailleurs sentir une forte influence de Galaxie dans ce son rock, un peu garage et pas mal grunge. Olivier Langevin vient aussi apporter son soutien pour quelques titres. Les guitares demeurent puissantes tout au long des 11 titres et ont le dessus rapidement sur les mélodies qui sont quand même toujours efficaces. Par contre, c’est définitivement le rock un peu sale qui domine ici avec des rythmes déchaînés jusqu’à la fin. Le quatuor semble à nouveau avoir un plaisir fou à présenter des chansons qu’il aime avant tout. Sur « Jupe noire », le groupe retourne même aux origines du rock ‘n’ roll avec un Chuck Berry qui semble nous attendre dans le tournant. Puis sur « Lemmy », ils rendent « hommage » à Lemmy Kilmister avec une pièce rapide qui n’est pas sans rappeler Motörhead. Avec Désavantage numérique, les Dales Hawerchuk ajoutent plusieurs pièces qui deviendront des incontournables en concert, dont le premier extrait, « Désastre ». (novembre 2016)

Le trio électro-pop de Toronto est de retour sur disque, quatre ans après l’excellent Bodyparts. Sur ce quatrième album, Martina Sorbara et compagnie présentent à nouveau cette musique pop entraînante qui a fait leur succès au cours des dernières années, une musique que l’on peut comparer en partie à Icona Pop et Gwen Stefani. Inspiré principalement de la séparation entre Martina Sorbara et le bassiste Dan Kurtz, le disque demeure tout de même ensoleillé malgré le thème principal abordé. Après des collaborations avec Basement Jaxx, Kaskade et Martin Solveig, Dragonette est prêt à demeurer en tête de la scène pop dansante canadienne avec encore une fois un disque très efficace, parfait pour les planchers de danse. (novembre 2016)

Le groupe abitibien Élixir de Gumbo a remporté les Francouvertes 2015 et nous arrive maintenant avec un nouvel album, quatre ans après Hamérricana. L’auteur-compositeur et réalisateur Dylan Perron et sa bande proposent un disque de 16 titres en deux temps. D’abord, on retrouve des pièces douces de folk orchestral avec de très beaux arrangements d’un trio de cordes. Puis, le groupe revient au style qui l’a fait connaître, soit un son bluegrass festif. À travers les chansons originales, on peut entendre une reprise énergique du classique de Gilles Vigneault, « J’ai planté un chêne ». C’est un disque de 60 minutes quelque peu déstabilisant que proposent Élixir de Gumbo avec Le beau piège. Il aurait peut-être été préférable d’en faire deux albums distincts plus uniformes. (novembre 2016)

Le Britannique Piers Faccini est de retour avec un sixième album folk, mais plus métissé que jamais d’influences de différentes musiques du monde. Ses racines françaises et italiennes y sont certainement pour quelque chose, mais il va beaucoup plus loin faisant un tour complet de la Méditerranée jusqu’au Moyen-Orient. Ces influences viennent probablement de cette île à laquelle il a rêvé, en quelque sorte un nouveau pays qui englobe plusieurs cultures. L’artiste traite de tolérance, de terrorisme et de Donald Trump (très d’actualité). Évidemment, les fans de Faccini ne seront pas tant déboussolés, mais ils en découvriront un peu plus sur lui. (novembre 2016)

Le chansonnier québécois présente son 17e album en carrière avec D’amour et de tendresse. À 77 ans, Claude Gauthier se consacre désormais à l’écriture, par simple plaisir. Sur ce nouveau disque, il présente des chansons intimistes où la poésie demeure au cœur de l’œuvre. Il a invité Daniel Lavoie à se joindre à lui pour la composition de « Les mamans ». Il nous offre aussi son interprétation de « Marie-Noël » qu’il a écrite pour Robert Charlebois qui en a fait le succès que l’on connaît. Gauthier assure lui-même la direction artistique de l’album, mais il s’est tout de même entouré de précieux collaborateurs comme Michel Robidoux aux arrangements musicaux, guitares, claviers et à la basse, ainsi que Mélanie Caron au piano et à l’accordéon. Ses fans de longue date devraient encore une fois apprécier les 12 chansons que Claude Gauthier a à nous offrir. (novembre 2016)

Après un album en duo avec Billie Joe Armstrong en 2013 pour rendre hommage aux Everly Brothers (Foreverly), la chanteuse jazz est de retour en solo avec son sixième album. Sur Day Breaks, Norah Jones laisse tomber la musique ambiante de Little Broken Hearts (2012) pour revenir à un son jazz pop plus simple au piano, plus près du son de ses débuts sur le désormais classique Come Away With Me. Elle propose surtout des chansons originales, mais aussi trois reprises minutieusement choisies, pour former un tout uniforme et complet. Parmi ses réinterprétations, notons sa remarquable version bluesy de « Don’t Be Denied » de Neil Young. Les autres reprises sont de Horace Silver (« Peace ») et Duke Ellington (« Fleurette africaine (African Flower) »). De telles pièces apportent leur soutien de belle façon à ses chansons originales, puisqu’elles semblent toutes lui coller à la peau. Day Breaks présente une grande profondeur et démontre tout le talent de l’artiste. Il s’agit donc d’un très beau disque, un bijou pour ses fans! (novembre 2016)

Vidéoclip : « Carry On »

Pour leur septième album, Kings of Leon sont débarqués à Los Angeles pour travailler avec le réalisateur Markus Dravs (Florence + The Machine, Arcade Fire, Mumford & Sons). Il en résulte une production de premier plan où chaque instrument est parfaitement mis en valeur, incluant le chanteur Caleb Followill. Cette envergure contraste grandement avec le son garage de leurs débuts, mais va très bien dans le sens que le groupe s’oriente depuis quelques années. Déjà sur mesure pour les arénas, le groupe possède maintenant un enchaînement de succès radios potentiels avec une bonne musique pop rock débordante d’énergie. WALLS nous tient en haleine jusqu’à la fin, son principal défaut étant d’être trop court avec seulement 10 titres. Voici donc un très bon disque pour Kings of Leon. (novembre 2016)

Vidéoclips : « Waste a Moment » - « WALLS »

Avec son 12e album en carrière, le groupe de nu metal effectue un retour aux sources avec un son métal plus brut, digne de ses premiers enregistrements, jusqu’à Issues et Untouchables au tournant du nouveau millénaire. Dès les premières pièces de l’album, les fans de la première heure seront ravis avec des riffs de guitare particulièrement agressifs, une voix qui alterne entre le guttural et le mélodique, et une section rythmique à en bouleverser ses voisins. En fait, Korn exécute ce qu’il fait de mieux, sans se mettre de pression ni tenter de tout réinventer. Le groupe possède un son unique, donc pourquoi ne pas l’exploiter à fond. Les plus critiques diront que le groupe regarde plus vers l’arrière que vers l’avant, mais après tout, ce sont là leurs années les plus créatives alors qu’ils ont su prendre l’avant-scène d’une industrie métal en pleine révolution. Ceux qui regrettaient ces années fastes pourront enfin redécouvrir ce qui les avait allumés au premier abord. En plus, Jonathan Davis chante mieux que jamais et le groupe semble à nouveau soudé. (novembre 2016)

Vidéoclips : « Rotting in Vain » - « Take Me »

Sur Joanne, Lady Gaga prend un virage plus pop rock que sur ses albums précédents beaucoup plus dansants. Elle semble même s’inspirer du country en quelques occasions, entre autres avec la chanson-titre qui apparaît comme un clin d’œil à « Jolene » de Dolly Parton. La chanteuse peut compter sur des collaborateurs surprenants issus de l’industrie rock : Father John Misty, Beck, Florence Welch et Josh Homme (Queens of the Stone Age). Homme a d’ailleurs coécrit deux des meilleurs titres du disque, les énergiques « Diamond Heart » et « John Wayne ». C’est plutôt le mélange des genres qui rend Joanne quelque peu déstabilisant. Entre ballades pop rock au piano, disco rock, country et pop dansante, il y a de quoi se poser des questions. C’est donc un album à écouter à la pièce plutôt que dans son ensemble, ce qui est dommage parce qu’on y trouve plusieurs compositions efficaces. (novembre 2016)

Vidéoclip : « Perfect Illusion »

L’auteur-compositeur et interprète originaire de l’Outaouais s’est fait découvrir lors de la première édition de La Voix, mais il possédait déjà une longue feuille de route. Il revient au-devant de la scène avec son troisième album, transporté par les deux premiers extraits à succès, « Tomber en amour » et « Un peu de soleil ». Un séjour en Espagne a influencé les sonorités de deux pièces, « Le combat » et la chanson-titre, enrichies par la guitare flamenca de Stefano Pando. Sinon, pour le reste, McNicoll demeure dans une musique pop québécoise sur mesure pour les radios, avec quelques accents de rock. À noter son excellente reprise de « Cœur de rockeur » de Julien Clerc. (novembre 2016)

Suite au succès de GO:OD AM en 2015, le rappeur de Pittsburgh est déjà de retour avec un nouvel album. Sur ce quatrième opus, c’est Ariana Grande qui introduit Mac Miller, alors que sa grand-mère conclut le CD en racontant sa relation avec son grand-père. Il a donc voulu faire une grande place aux femmes sur The Divine Feminine. Par contre, entre les deux, Miller demeure passablement macho, se vantant de ses prouesses au lit à qui veut bien l’entendre. Il faut donc passer outre assez rapidement le thème de la féminité et plutôt se concentrer sur la musique. Le kid de Pittsburgh s’est entouré d’une équipe de producteurs de premier plan qui ont réussi à soutirer le meilleur de lui. Il présente donc une musique riche qui va bien au-delà du rap. Il peut aussi compter sur des collaborateurs de renom. En plus d’Ariana Grande, sa nouvelle flamme, on peut entendre le piano de Robert Glasper, ainsi que les voix d’Anderson Paak, Kendrick Lamar et CeeLo Green. C’est encore un album solide que propose Mac Miller, une suite parfaitement logique à GO:OD AM. (novembre 2016)

Vidéoclip : « Dang! »

L’auteure-compositrice et interprète de la Saskatchewan est déjà bien connue sur la scène musicale francophone de l’Ouest. Alexis Normand roule sa bosse depuis quelques années déjà entre sa province natale et le Québec où elle a participé à de nombreux concours, dont une demi-finale au Festival international de la chanson de Granby en 2010. Après un premier album en 2013, Mirador, elle présente un disque éponyme, réalisé par Marc Pérusse. Elle propose un son folk avec une touche de jazz, sur des textes bien ficelés, le tout interprété en finesse et en nuances. Que ce soit à la guitare ou au piano, Alexis présente de riches mélodies avec sa voix envoûtante. Sur « Sing Me Home », elle chante la Saskatchewan et le Manitoba en duo avec Daniel Lavoie. Elle chante aussi Johnny Cash sur la chanson du même titre. Qu’elle traite d’amour ou nous raconte des histoires, elle réussit à nous séduire tout au long du disque, très personnel et tout en douceur. (novembre 2016)

Chloé Pelletier-Gagnon (alias Klô Pelgag) est originaire de Sainte-Anne-des-Monts en Gaspésie. Suite à son premier album couronné de succès en 2013, L’alchimie des monstres, elle est de retour avec L’étoile thoracique. L’auteure-compositrice et interprète de 26 ans présente un album pop moderne d’une grande richesse avec pas moins de 30 musiciens, dont un orchestre à cordes de 20 instrumentistes dirigés par Nicolas Ellis (chef assistant à l’Orchestre symphonique de Québec), un sextet de cuivre et un trio de cordes. Les arrangements sont signés Mathieu Pelletier-Gagnon, son frère, et Klô est en mesure d’offrir un album d’envergure, à la hauteur de ses ambitions. Ses très belles compositions possèdent toute la puissance nécessaire pour les porter sur les plus grandes scènes. Il y a bien quelques moments à la limite de la cacophonie qu’on aurait peut-être préférés en version plus dépouillée, mais ses métaphores puissantes s’avèrent grandement réussies. La Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ de 2014 propose un deuxième album qui vient consolider son emprise sur la musique pop québécoise contemporaine. (novembre 2016)

Vidéoclip : « Samedi soir à la violence »

Trois ans après Le mouvement des marées qu’il a transporté sur de nombreuses scènes européennes et québécoises, Alexandre Poulin revient avec son quatrième album, Les temps sauvages. L’auteur-compositeur et interprète de Sherbrooke présente 10 nouvelles chansons folk contemporaines, souvent introspectives et toujours poétiques. Son univers devient un peu plus électrique et planant que par le passé, ce qui le rapproche encore plus du style de Vincent Vallières à qui on le compare souvent. Sur certains titres, comme « Les serpents » par exemple, c’en est carrément frappant alors qu’il a même une voix qui s’y compare dangereusement. Les moments forts de l’album sont le premier extrait, « Nos cœurs qui battent », ainsi que la très belle ballade « Les amours satellites ». (novembre 2016)

Suite au succès de son premier album en 2012 (Our Version of Events), la chanteuse britannique est enfin de retour avec Long Live the Angels. Emeli Sandé présente à nouveau ce mélange de chansons poignantes, entre pop adulte et R&B, surtout des ballades (inspirées par son divorce récent), mais aussi des pièces plus énergiques. Les collaborations sont rares sur ce disque, mais on peut tout de même entendre son père, qu’elle est allée visiter en Zambie, ainsi qu’un chœur d’enfants local sur « Tenderly ». Dans l’ensemble, l’album se concentre autour de la voix de la chanteuse qui n’a besoin que de bien peu d’artifices, surtout avec des compositions aussi solides. Seule une chorale gospel vient ajouter des harmonies vocales intéressantes à l’occasion. C’est un album particulièrement réussi que propose Emeli Sandé qui passe amplement le test du deuxième album. (novembre 2016)

Slater & Fils est né à Saint-Jean-sur-Richelieu en 2012 des cendres de Slater’s Sons, groupe qui existait depuis 1996. Le quintette propose un rock alternatif énergique aux influences punk et ska, avec un peu de Mononc’ Serge dans la livraison. Ils ont une approche humoristique de la société et de leur génération, sans toutefois porter un message social. Les 11 chansons originales contenues sur Cours d’inconduite incluent les deux premiers extraits, « Chronique d’un anxieux chronique » et « L’achat ». L’énergie du groupe est contagieuse et c’est sur scène qu’elle prend tout son sens. (novembre 2016)

Brille est le premier album du Parisien Adrien Soleiman, une nouvelle voix de la pop française et un héritier d’Alain Bashung et Christophe. Il possède une très belle poésie qu’il enveloppe dans un mélange de sonorités organiques et synthétiques, sûrement une inspiration anglaise, surtout qu’il a fait confiance au réalisateur anglais Ash Workman (Metronomy, Christine and the Queens). Il présente donc une musique passablement riche, mais à la fois simple et efficace. Saxophoniste de formation, c’est d’abord dans le jazz et la bossa nova qu’il s’est exécuté. Ce n’est qu’à la trentaine qu’il s’est tourné vers la pop, à notre plus grand plaisir. C’est un premier essai grandement réussi et complètement captivant que nous propose Adrien Soleiman. (novembre 2016)

Après cinq ans d’attente, le groupe pop punk ontarien présente finalement un nouvel album studio, son sixième. Il faut dire que Deryck Whibley a frôlé la mort il y a deux ans des suites d’un abus d’alcool, et qu’au sortir du coma, il a dû réapprendre à marcher et jouer de la guitare. Maintenant il va mieux, mais il ne peut s’empêcher de raconter son histoire tout au long du disque. Le groupe propose à nouveau quelques élans métal ou punk hardcore, mais l’ensemble demeure plutôt mélodique, bien ancré dans le pop punk. Après une première moitié emplie de rage, Sum 41 deviennent plus sages dans la deuxième moitié avec des chansons pleines d’espoir. Des arrangements de cordes surprennent en quelques occasions et contribuent à ajouter de la richesse à ce court album de 10 titres. Le disque peut sembler quelque peu dramatique au départ, mais le groupe réussit à créer un ensemble cohérent et agréable à écouter. 13 Voices est donc un très bon album. (novembre 2016)

Après six ans d’absence sur disque, le groupe indie écossais est de retour avec possiblement son meilleur album en 20 ans. Ce dixième album contient toujours des éléments de rock et de pop, mais avec cette fois une certaine touche folk qui leur va particulièrement bien. Enregistré en France et à Glasgow, le disque offre un son organique plutôt doux. Les refrains demeurent toujours aussi accrocheurs et Here contient assurément une musique grandement agréable à écouter, qui se déguste lentement. Son principal défaut est peut-être d’être un peu trop uniforme, ce qui pourra devenir lassant pour ceux qui aiment moins ce style acoustique mélancolique. Il reste que Teenage Fanclub n’a rien perdu de sa touche pop, après presque 30 ans de carrière. (novembre 2016)

Il aura fallu attendre près de 20 ans pour que le groupe de Jacksonville en Floride présente un album éponyme, leur 10e opus qui serait aussi leur dernier avant de se retirer. En plus, il s’avère qu’il soit probablement leur meilleur enregistrement à ce jour. Yellowcard propose toujours un son à tendance pop punk, mais plus mature et avec plus de nuances que par le passé. Le groupe nous offre d’ailleurs son album le plus varié à ce jour avec bien peu de chansons qui se comparent. Ils passent de chansons énergiques dominées par la guitare électrique, à des titres plus introspectifs sans tomber dans la ballade ennuyante. Ils se permettent même des incursions acoustiques comme dans « I’m a Wrecking Ball ». Alors que l’album nous procure plusieurs surprises agréables en cours de route, il ne cesse de s’améliorer pour une finale en force avec l’énergique « Savior’s Robes » et l’hymne ultime de « Fields & Fences ». C’est donc avec cette très belle conclusion que se termine la carrière d’un groupe contemporain qui en aura marqué plus d’un. (novembre 2016)

Vidéoclips : « Rest in Peace » - « The Hurt is Gone »

Sur son cinquième album, la rappeuse londonienne originaire du Sri Lanka semble vouloir revenir à son héritage de réfugiée, entre autres avec le premier extrait, « Borders », qui aborde la présente crise des réfugiés. Musicalement, elle fusionne à nouveau le hip hop et l’électro avec des sons en provenance du Moyen-Orient. C’est le cas notamment dans son nouvel extrait, « Go Off », réalisé par Skrillex et Blaqstarr, qui propose une basse puissante en accompagnement à sa voix saccadée. Malheureusement, l’album s’essouffle rapidement par la suite alors que M.I.A. semble se perdre quelque peu dans différents essais plus ou moins réussis. Elle demeure créative, mais elle perd quelque peu notre intérêt sur plusieurs morceaux, dont la dépouillée et franchement ennuyante « Jump In ». Des rumeurs ont couru à l’effet que A.I.M. serait possiblement son dernier album et on aurait pu s’attendre à mieux pour l’occasion. L’album présente de nombreux éléments intéressants, mais il inclut aussi beaucoup trop de remplissage, surtout dans sa version de luxe de 17 titres. Les fans de longue date M.I.A. devraient tout de même y trouver leur compte. (chronique principale d'octobre 2016)

Vidéoclips : « Borders » - « Go Off »

Goldroom est un trio électro dansant formé à Los Angeles en 2011 par l’auteur-compositeur et réalisateur Josh Legg (ex-NightWaves). Leur musique est basée sur les synthétiseurs et se promène agréablement entre l’introspection et le plancher de danse. Leur musique, qui peut sembler légère à la base, demeure à la fois intelligente et divertissante. Réalisé par Josh Abraham (Velvet Revolver, Courtney Love, Limp Bizkit, Orgy, Linkin Park, etc.), West of the West est un album qui s’écoute de façon particulièrement agréable, sans jamais nous déranger. Un parfait mélange de musique pop et de musique plus ambiante à écouter à l’arrière-plan d’une soirée entre amis. Une bien belle découverte! (découverte du mois d'octobre 2016)

Le trio The Balconies s’est formé à Ottawa en 2007 en tant que projet parallèle pour la chanteuse et guitariste Jacquie Neville et son frère Steve à la basse. Maintenant un quatuor, ils nous présentent leur troisième album dans un style indie rock passablement accessible, suffisamment pour conquérir les radios. Des groupes comme Metric peuvent nous venir en tête même si un côté plus sombre à la Interpol peut aussi nous arriver en certaines occasions. (octobre 2016)

Après l’excellent album Old il y a trois ans, le rappeur est de retour avec Atrocity Exhibition, dont le titre a été inspiré par une chanson de Joy Division. Évidemment, les comparaisons s’arrêtent ici. Brown poursuit dans la direction entamée précédemment avec une musique hip hop extrêmement riche. Les thèmes par contre s’avèrent plutôt sombres, dépeignant les atrocités du monde d’aujourd’hui. Seule « Dance in the Water » réussit à nous donner un peu de répit de ce côté. Les collaborations s’avèrent peu nombreuses sur l’album, la plus intéressante étant certainement celle de Kendrick Lamar dans « Really Doe ». Sans pouvoir totalement comparer ce nouveau disque à son précédent, on peut considérer que Danny Brown réussit encore à offrir un album de grande qualité, qui plaira assurément à ses fans. (octobre 2016)

Le guitariste virtuose Thomas Carbou s’associe au percussionniste Patrick Graham pour la présentation d’Impulse, un album qui fusionne les genres alors que le jazz se mêle aux musiques du monde et à la musique électronique. Les deux musiciens sont habitués de jouer ensemble et ça s’entend en plusieurs occasions alors qu’ils ne font qu’un, demeurant totalement au service de la musique. Complètement instrumental, Impulse nous fait voyager à travers l’Afrique, le Brésil et l’Inde avec des paysages sonores uniques et des grooves contagieux. Le duo nous offre un très bel album de jazz contemporain! (octobre 2016)

Pour son troisième opus, Antoine Corriveau s’offre un pop rock plutôt noir. Parfois engagé (« Rendez-vous », « Croix blanche », « Musique pour la danse »), Corriveau sait aussi traiter de ses aventures charnelles et amoureuses (« Parfaite », « Deux animaux »). Dans « Constellations » (avec Fanny Bloom), on se retrouve dans une ambiance enfumée de fin de soirée. Les arrangements de cordes sont signés Marianne Houle, alors que son fidèle complice Nicolas Grou demeure bien présent à la réalisation. L’auteur-compositeur et interprète présente une œuvre inspirée, à la hauteur des attentes. (octobre 2016)

Le quatuor de Liège en Belgique présente un tout premier album avec Sous la fourrure. Réalisé par Seb Martel (M, Camille, Morcheeba), le disque offre 12 titres aux sonorités country et folk, tout en demeurant dans la nouvelle chanson française. Après s’être fait remarquer à Montréal dans le cadre des Francofolies de 2014, les Dalton reviendront au Club Soda le 11 novembre prochain en première partie de Yann Perreau. (octobre 2016)

Sur À présent, Vincent Delerm nous offre des cuivres, des synthétiseurs et de très belles orchestrations accompagnés d’une boîte à rythmes. Le mélange de programmation et de musique acoustique est parfaitement illustré avec l’instrumental « Un été ». Très cinématographique, l’album a été enregistré au studio Ferber , le temple français de la musique de film, en compagnie des réalisateurs Clément Ducol et Maxime Le Guil. Delerm collabore avec Benjamin Biolay sur « Les chanteurs sont tous les mêmes », avec aussi la présence de Camille pour des chœurs. Avec À présent, Vincent Delerm nous présente un très bel album, un disque dans le moment présent. (octobre 2016)

L’auteure-compositrice et interprète Catherine Durand nous revient avec son sixième album, quatre ans après Les murs blancs du Nord. Sur La pluie entre nous, l’artiste se distancie quelque peu de son approche folk des disques précédents. Elle explore plutôt des textures modernes avec des ambiances électro et des synthétiseurs. Ariane Moffatt vient d’ailleurs l’appuyer aux synthétiseurs. Catherine peut aussi compter sur les collaborations d’Emmanuel Éthier (réalisation, guitares, basses et claviers), Joe Grass (pedal steel), Salomé Leclerc (textes, guitare et voix) et Gaële (textes). Le premier extrait, « Marcher droit », présente une excellente mélodie pop qui nous accroche dès la première écoute. (octobre 2016)

Le rappeur de Compton, Los Angeles, Californie présente son huitième album avec 1992. Il poursuit dans le gangster rap inspiré de sa jeunesse, mais aussi de différents événements passés qui ont eu lieu à Los Angeles, comme par exemple l’affaire OJ Simpson. The Game reprend un classique d’Ice-T, « Colors », qu’il transforme à sa façon en « True Colors / It’s On ». Il présente aussi l’excellente « 92 Bars » qui écorche Meek Mill et quelques autres rappeurs au passage. En plus, il propose son plus grand succès radio en cinq ans avec « All Eyez », mettant en vedette Jeremih. The Game demeure fidèle à sa réputation sur 1992, sans grandes surprises. (octobre 2016)

Vidéoclip : « All Eyez »

C’est avec la voix de Gilles Vigneault que débute ce nouvel album de ce poète et leader de la scène slam montréalaise sur le titre savamment choisi « Mon pays ». Sur S’armer de patience, Ivy nous propose 13 titres percutants accompagné du trio MISC composé du pianiste Jérôme Beaulieu, du contrebassiste Philippe Leduc et du batteur William Côté. L’album a été réalisé par Yves Desrosiers et il propose un très bel amalgame entre les mots et la musique. Sur la chanson-titre, Ivy se lance dans la chanson traditionnelle, et il évoque tout au long du disque le pays, le changement, le courage, la foi et le pouvoir de la parole. En plus de Vigneault, le disque permet d’entendre des artistes renommés : Michel Rivard, Marjo, Raoul Duguay, etc. (octobre 2016)

KNLO (alias Akena Okoko ou KenLo Craqnuques) est un rappeur et compositeur de Québec maintenant installé à Montréal qui a fait partie de plusieurs collectifs dont Movezerbe, K6A et Alaclair Ensemble, en plus de participer à une quinzaine de projets instrumentaux. Long jeu est son premier album solo de rap et il y aborde les thèmes de la pauvreté et de la guérison collective. Ses grooves intégrant parfois du jazz, du soul et du funk sont souvent contagieux, mais il peut aussi surprendre par son expérimentation. De nombreux collaborateurs participent au disque dont Robert Nelson, Lou Phelps, Jew3lz, Caro Dupont et l’excellent Kaytranada. KNLO se confirme définitivement comme un artiste à découvrir, un rappeur unique en son genre. (octobre 2016)

Pour ce mini-album, la Brésilienne propose un recueil de quatre chansons en anglais, en espagnol, en portugais et en français qui parcourent en quelque sorte son histoire personnelle. C’est seule avec son violoncelle qu’elle présente des œuvres de Beirut, Violeta Parra, Lupicinio Rodrigues, ainsi que « Les vieux » de Jacques Brel. L’auteure-compositrice et interprète de grand talent aime bien reprendre des chansons des autres à l’occasion. Elle se fait donc plaisir sur Cantando avec des pièces qui ont marqué sa jeunesse. C’est seulement dommage que le disque dure moins de 13 minutes. (octobre 2016)

Plume Latraverse (Michel de son prénom) fait partie de ces légendaires rockeurs québécois au côté des Charlebois et Boulet. Par contre, depuis un bon moment déjà, il aime se laisser désirer. Surtout, il nous arrive avec du matériel dans un style qu’on n’attendait pas. Ce fut le cas en 2008 avec Plumonymes, paru presque dans l’anonymat total, et il remet ça avec Rechut! Les chansons de ce nouvel album sont nées en tournée où il a eu alors la piqûre et une « rechute » pour l’envie d’enregistrer un album. Dominé par les inoubliables « Souvenir archangélique » et « Vieux os! », ce nouveau disque propose un mélange de folk et de rock, avec une bonne part de poésie. On y retrouve d’ailleurs des textes de Beaudelaire et Verlaine, habilement mis en musique par Latraverse. Certaines pièces ne peuvent certainement pas rivaliser avec son œuvre passée, mais à 70 ans, Plume Latraverse peut encore proposer des morceaux intéressants. (octobre 2016)

Pour son 24e album en carrière, l’auteur-compositeur et interprète a enregistré tant à Montréal qu’à L’Isle-aux-Coudres. Réalisé par Guy St-Onge, le disque de 14 titres contient une majorité de chansons originales, dont le premier extrait, « J’oublie jamais, jamais, d’aimer ». Mais Lavoie interprète aussi quelques pièces de ceux qu’il appelle ses héros, comme Léo Ferré (« Avec le temps »), Alain Bashung (« La nuit je mens ») et Félix Leclerc (la chanson-titre). C’est un album tout en douceur que nous propose Daniel Lavoie avec Mes longs voyages, un album basé sur sa voix et ses textes. (octobre 2016)

Pour l’aider à la réalisation de son nouvel album, Lynda Lemay a travaillé avec Claude « Mégo » Lemay (Céline Dion). Tout au long des 15 pièces, l’auteure-compositrice et interprète présente son style bien à elle, un mélange de chanson et de pop française. Elle est accompagnée de chœurs et d’orchestrations qui ajoutent une richesse agréable à l’album, faisant oublier en plusieurs occasions les textes simples de l’auteure, certainement poétiques, mais très souvent premier degré. À noter en conclusion du disque une chanson interprétée par sa fille Ruby Weisinger, « Ne pars pas ». (octobre 2016)

La Torontoise Barbra Lica est une étoile montante de la scène jazz canadienne. Avec ce troisième album, elle fait définitivement son entrée parmi les grands. Elle réussit à nous charmer dès la pièce d’ouverture, « Coffee Shop », et sa voix ravissante nous transporte tel un rayon de soleil jusqu’à sa séduisante reprise de « Lovefool » des Cardigans. L’auteure-compositrice et interprète nous accroche tout de suite un sourire aux lèvres avec son attitude optimiste qui respire la joie de vivre. Ses chansons jazz pop ont toutes ces mélodies irrésistibles qui nous donnent envie de chanter en chœur avec la chanteuse avant qu’elle devienne notre meilleure amie. Voici donc l’album rafraichissant par excellence! (octobre 2016)

Lowlands est un groupe folk rock de Guelph en Ontario qui est dirigé par le chanteur et guitariste Gordon Auld. Suite à leur premier album, Huron, ils reviennent avec Erie, dans leur série d’albums dédiés à chacun des cinq Grands Lacs. Réalisé par Gavin Gardiner, l’album contient un son folk dans lequel le banjo et la guitare pedal steel sont à l’honneur. La voix d’Auld se démarque également de l’ensemble qui s’avère plutôt nostalgique. On peut y entendre des chansons très efficaces, mais quelques longueurs quelque peu lassantes peuvent nous forcer à accélérer le pas jusqu’à la fin. (octobre 2016)

Pour son troisième album, le quintet québécois fondé à Saint-Éli-de-Caxton en 2008 reprend à sa façon des pièces qui caractérisent la Nouvelle-Orléans et la culture afro-américaine. Misses Satchmo demeurent bien ancrés dans le style jazz des années 1930. Le groupe présente des standards comme « It Ain’t Necessarily So », la douce « Why Don’t You Do Right », l’entraînante « Ol Man Mose », « Jonah and the Whale », ainsi que le medley « My Babe / Muddy Water ». Ils réussissent à interpréter mieux que quiconque cette musique incontournable d’une autre époque. (octobre 2016)

L’artiste danoise est de retour avec son troisième album, trois ans après le succès d’Aventine qui lui a permis d’obtenir la reconnaissance mondiale. Enregistré à Berlin, Citizen of Glass poursuit admirablement le travail entamé sur ses précédents disques. Elle nous propose donc une musique pop de chambre toute en douceur dans laquelle les violons et le piano sont à l’honneur, en plus d’y ajouter cette fois certains éléments électroniques discrets et des modulations vocales. Sur certaines pièces à tendance gothique comme « Trojan Horses », Agnes nous fait penser à un mélange entre Enya et Nick Cave. Plusieurs moments ne manqueront pas de vous séduire, comme par exemple le premier extrait, « Familiar ». Sur ce nouvel album, Agnes Obel réussit à donner une touche de modernité à son style aux influences d’époques lointaines. Il s’agit encore une fois d’un très bon disque, même s’il nécessite une atmosphère bien particulière pour véritablement l’apprécier. (octobre 2016)

Pour son 13e album en carrière, Bruno Pelletier semble être dans une période particulièrement heureuse de sa vie alors qu’il approche de la mi-cinquantaine. Il propose en effet un ensemble de 12 pièces majoritairement lumineuses. Les mélodies sont efficaces et les rythmes s’avèrent plutôt entraînants alors que sa voix n’a rien perdu de sa puissance. Tout en demeurant résolument pop rock le son de Pelletier fait quelques incursions dans le folk, notamment avec le premier extrait, la chanson-titre. Les fans de Bruno Pelletier auront assurément un sourire accroché au visage à l’écoute de ce nouvel opus passablement divertissant. (octobre 2016)

Après une présence remarquée dans l’aventure The Voice en France dans l’équipe de Mika, l’Acadienne Caroline Savoie a tout raflé à l’édition 2015 du Festival international de la chanson de Granby. C’est à New York qu’elle s’est rendue pour enregistrer ce premier album éponyme en compagnie du réalisateur Jay Newland, l’homme derrière le classique Come Away With Me de Norah Jones. Caroline nous offre une musique folk pop chaleureuse, une musique intimiste livrée avec un grand naturel et beaucoup de charisme. En plus de ses 10 compositions originales qui semblent gagner en aplomb tout au long du disque, l’artiste présente une version bien personnelle de « Buckets of Rain » de Bob Dylan en conclusion du CD. (octobre 2016)

Vidéoclip : « Y’en aura »

Cinq ans après le succès de What We Saw from the Cheap Seats, Regina Spektor est de retour avec Remember Us to Life. Elle présente ses chansons majoritairement piano et voix avec une grande douceur et une diction impeccable. Par contre, on peut aussi entendre des orchestrations complètes pour une musique pop théâtrale souvent plus intéressante que ses ballades. Elle explore même le hip hop sur « Small Bill$ ». Sa tendance très théâtrale peut parfois agacer et on l’imagine facilement sur une scène de Broadway. Remember Us to Life s’avère quelque peu inégal, malgré de très bons moments. Elle demeure tout de même une artiste au style original. (octobre 2016)

Après Mort de soif en 2014, Les Tavarneux sont de retour avec Mort de rire et leur rock ‘n’ roll à tendance folk aux influences de Plume Latraverse. Sur ce deuxième album, Marc-Alain Lavoie et sa bande ne présentent rien de moins que 19 chansons originales pour un total de 67 minutes, incluant le premier extrait, « En TK ». Mort de rire contient de nombreux textes teintés d’humour et dépeignant un portrait quelque peu décourageant de la société d’aujourd’hui. Le tout nous est livré dans une ambiance festive et une énergie hors du commun, avec en plus des refrains accrocheurs parfaits pour chanter en chœur lors de leurs concerts. Même si quelques pièces sur Mort de rire présentent un peu moins d’intérêt, il s’agit d’un album festif contenant plusieurs classiques québécois instantanés comme « J’ai engraissé mon chimpanzé », « Toune de marde » ou « L’ail, l’ail, l’ail ». (octobre 2016)

Le groupe new wave irlandais revient avec son troisième album, le premier depuis Beacon en 2012. Two Door Cinema Club prennent une tangente un peu plus dansante sur Gameshow avec une musique pop bien chargée en synthétiseurs et plusieurs moments de disco. Les Scissor Sisters et les Bee Gees peuvent d’ailleurs nous venir en tête sur des titres comme « Bad Decisions » et « Fever ». Si au premier abord, cette nouvelle direction peut s’avérer troublante pour leurs fans de la première heure, elle parvient rapidement à nous convaincre qu’il s’agit d’une belle évolution pour le groupe qui ne cesse de regarder vers l’avant, malgré des influences bien ancrées dans le passé. Gameshow est beaucoup plus énergique que le précédent et c’est tant mieux. Mais surtout, le trio réussit à nous proposer à nouveau des compositions de très haute qualité. Il en résulte certainement leur album le plus accessible, mais aussi leur plus complet et réussi à ce jour. À découvrir! (octobre 2016)

Vidéoclips : « Are We Ready? (Wreck) » - « Bad Decisions »

Suite au décevant Britney Jean en 2013, Britney a senti le besoin de fouetter sa carrière. D’abord un spectacle permanent à Las Vegas, puis maintenant un retour sur disque avec Glory. Elle y présente une pop moderne avec des influences hip hop, R&B et électro, le tout demeurant toujours dansant. On peut faire aisément des liens avec Justin Bieber en plusieurs occasions, mais Britney ne renie aucunement ce qu’elle a fait précédemment, surtout sur les albums Blackout et Femme Fatale, ses deux plus intéressants des 10 dernières années. Le rythme est un peu plus lent que la moyenne de ses disques, mais on peut toujours entendre quelques titres énergiques sur lesquels elle ne se prend pas au sérieux, comme « Clumsy » et « Do You Wanna Come Over? » par exemple. On retrouve donc plusieurs éléments intéressants sur Glory qui contient suffisamment de hits contemporains pour ramener la blonde chanteuse au top 40. Un beau mélange de maturité et de folie! (chronique principale de septembre 2016)

Vidéoclip : « Make Me… » (feat. G-Eazy)

Le DJ et producteur Louis Kevin Célestin (alias Kaytranada) est né en Haïti, mais a grandi à Montréal. Sur ce premier album, il propose un savant mélange de musique électro à tendance house, de R&B contemporain et de hip hop. Il est entouré de collaborateurs tout au long du disque alors qu’il signe seul quatre titres seulement parmi les 15 offerts. Son exploration en solo inclut un retour au R&B des années 1980, mais il demeure généralement bien de son époque, exploitant à plein les technologies modernes. Des fusions avec BadBadNotGood et Karriem Riggins permettent de découvrir un côté instrumental un peu plus planant, aux limites du trip hop. Le mélange de chanteurs et de rappeurs, qui peut sembler déstabilisant au premier abord, s’avère plus qu’enrichissant en bout de ligne. Un des moments forts du disque nous arrive vers la fin avec une excellente collaboration avec la Montréalaise Shay Lia pour « Leave Me Alone ». 99.9% est un album d’une heure qui demeure agréable à écouter du début à la fin. (découverte du mois de septembre 2016)

Vidéoclip : « Glowed Up »

Avec Les Frères Cueilleurs, le collectif hip hop, qui comprend entre autres Maybe Watson et Claude Bégin, revient aux sources avec une musique plus axée sur le rap, moins variée que sur ses albums précédents. Tout en demeurant totalement contemporain, le groupe mise un peu plus sur le old school avec un brin de nostalgie. Par contre, ce sont les textes qui demeurent à l’avant-plan avec des thèmes comme la famille, la nostalgie, la compétitivité, la réussite, l’amour et la vigilance. Même s’il est un peu plus unidimensionnel que par le passé, Alaclair Ensemble devrait toujours plaire à ses fans. (septembre 2016)

Vidéoclip : « Alaclair High »

Un nouvel album en français par la plus grande chanteuse au monde est toujours très attendu dans la francophonie. Parmi les 12 chansons offertes par Céline Dion sur Encore un soir, notons sa reprise personnelle et touchante de « Ordinaire » de Robert Charlebois, minutieusement adaptée et féminisée par Mouffe, la parolière de la version originale de 1969. On y trouve aussi bien sûr le premier extrait à succès, la chanson-titre. Une édition de luxe (limitée) de l’album avec trois titres additionnels est aussi disponible. (septembre 2016)

Sara Dufour s’est fait remarquer à La Voix grâce à son énergie contagieuse et sa personnalité unique. Elle présente maintenant son premier album, un disque folk et country avec aussi des éléments de rock un peu sale. On devine aisément son plaisir à chanter des chansons qu’elle aime, des chansons authentiques. L’album a été réalisé par Dany Placard qui réussit à faire ressortir la personnalité forte de la jeune femme de Dolbeau-Mistassini. À l’image du premier extrait, « Dans l’sens contraire », Sara nous propose des chansons dynamiques, mais elle sait aussi nous toucher avec des pièces comme « On the Road », « La toune en do » et « Tu dors encore ». Des titres comme « Johnny » et « Chez nous c’est Ski-Doo » ont tout de futurs classiques typiquement québécois. C’est donc un très bon premier disque que nous offre Sara Dufour, un disque énergique qui nous donne le goût d’aller la voir en spectacle. (septembre 2016)

Avec son troisième album, le quintette de Los Angeles poursuit son périple dans une musique pop rock qui possède tout ce qu’il faut pour plaire aux radios. Le disque est à nouveau réalisé par le batteur Ryan Rabin (le fils de Trevor Rabin de Yes), même si Phil Ek (Band of Horses, The Shins) participe aussi pour quelques pièces. Le groupe semble avoir pris un bon coup de maturité lors de sa tournée des dernières années. Le résultat est que Big Mess s’avère plus solide et cohérent que les précédents, comme si Grouplove avait enfin vraiment adhéré à son propre style, qui se situe quelque part entre MGMT, Fun et Katy Perry. Mais surtout, ce qu’on retient rapidement à l’écoute de Big Mess, c’est le plaisir et la joie de vivre qui s’en dégagent. C’est un album intelligent et de grande qualité, qui offre en plus un excellent divertissement. Le meilleur des deux mondes quoi! (septembre 2016)

Vidéoclip : « Welcome to Your Life »

No Filter est le 11e album du pianiste virtuose et chanteur canadien. Il y présente un mélange de chansons originales et de pièces instrumentales, toujours dans ce style bien à lui. Il demeure en effet bien difficile de le catégoriser, flirtant avec le jazz, la musique pop et la chanson plus classique. Ses influences variées sont à la base même de cet éclectisme musical. Réalisé par Kaeshammer lui-même, l’album a été enregistré live en studio en seulement deux jours à Toronto. Le premier extrait, « Everybody Catches Love Sometime », a été écrit avec James Bryan des Philosopher Kings, et on peut y entendre Randy Bachman à la guitare. Kaeshammer semble se découvrir en tant que parolier sur No Filter, avouant lui-même que les textes viennent habituellement avant la musique. Après 20 ans de carrière, l’artiste d’origine allemande semble plus à l’aise que jamais dans ce style musical qu’il a fait évoluer. (septembre 2016)

L’auteur-compositeur et interprète présente son quatrième album avec Nous serons des milliers. Il coréalise lui-même le disque avec Peter Van Uytfanck (Jimmy Hunt, Kandle), avec en plus les conseils d’Érik West-Millette (West Trainz). Un peu moins folk que son précédent disque, ce nouvel album inclut de nombreux éléments de musique du monde. Les textes demeurent par contre toujours aussi poétiques et engagés. La chanson-titre a connu un certain succès l’automne dernier, tant dans les radios qu’en ligne avec un vidéoclip d’animation visionné plus de 40 000 fois. Sur ce nouvel enregistrement, Lacombe démontre tout son talent d’auteur-compositeur avec un album varié qui demeure solide du début à la fin. (septembre 2016)

Vidéoclip : « Nous serons des milliers »

Le quatuor de Québec présente son troisième album, dont le point de départ, le premier extrait « Longtemps », tire ses origines d’un quidam rencontré dans un bar qui leur a balancé quatre lignes sur mesure pour une nouvelle chanson. Le groupe propose un son rock aux mélodies pop, avec de savants arrangements parfois plus ambiants. Le disque de 35 minutes inclut seulement 10 titres, mais qui se fusionnent parfaitement dans un ensemble original et extrêmement agréable à l’oreille. (septembre 2016)

La spécialiste des spectacles musicaux, qui a aussi prêté sa voix à Elsa dans le succès de Disney Frozen, revient avec son cinquième album de chansons originales. Elle offre à nouveau une musique pop adulte extrêmement léchée dans laquelle c’est sa voix qui occupe toute la place au détriment d’une musique souvent moyenne et inintéressante. On y retrouve tout de même quelques éléments d’électronique, ainsi que des guitares occasionnelles, mais rien pour dominer la voix de la chanteuse qui prend tout le centre de la scène, telle une production de Broadway à grand déploiement. En fait, il ne manque que le visuel pour se croire dans un tel spectacle. Malgré tout, on peut sentir qu’Idina présente peut-être son album le plus personnel à ce jour. Par contre, le manque de détachement de la scène qui l’a vu naître demeure plus qu’évident. C’est donc un album pour ceux qui la suivent depuis longtemps ou qui sont tombés sous son charme sur scène. (septembre 2016)

La chanteuse folk et indie rock présente déjà son quatrième album. Moins acoustique que ses précédents disques, My Woman propose une palette plus large avec des guitares distorsionnées et même de l’électronique. Enregistré live en studio à Los Angeles, le CD offre un son plutôt brut et une énergie hors du commun. À travers une majorité de pièces rock, Angel nous offre des moments plus variés comme du jazz rock (« Those Were the Days ») et même un solo de piano à la toute fin sur « Pops ». En plus de laisser de côté son folk acoustique, il y a aussi le country qui disparaît complètement de My Woman. Par contre, il s’agit d’un virage grandement intéressant pour cette artiste complète au talent sans bornes. Même si ses fans de la première heure risquent de faire la grimace, Angel Olsen présente possiblement son meilleur album à ce jour, son album le plus complet et le plus divertissant. (septembre 2016)

Piano Cameleons est un duo montréalais composé du Torontois d’origine John Roney et du polyvalent Matt Herskowitz. Sur cet album, le duo s’affronte au piano dans une virtuosité fusionnant jazz et musique classique. Ils interprètent des œuvres de Chopin, Bach, Schumann, Rachmaninoff, Gershwin et même Brubeck. On peut aussi les entendre en compagnie du grand Oliver Jones pour le « Minuet in G major » de Christian Petzold. Ces improvisateurs hors-pair réussissent à parfaitement amalgamer des standards du jazz avec des pièces immortelles du répertoire classique. Un très beau duel! (septembre 2016)

L’auteur-compositeur et interprète de Toronto s’est déraciné pour son nouvel album allant s’établir plus à l’est, à la campagne. Inspiré par la beauté et la sérénité de son nouvel environnement rural, il a composé son septième album en route vers Halifax en Nouvelle-Écosse où il l’a enregistré, pour la première fois hors de Toronto. On y retrouve un peu moins la petite touche country qui le caractérisait jusque-là, à part peut-être un peu de pop teinté de country sur « The Old Oak » et « Blue Jeans ». Rutledge explore surtout de nouveaux styles, intégrant même des éléments de gospel (« The Great Ascension ») à son rock introspectif. Sa voix demeure toujours feutrée, au service des mots, et EAST s’avère peut-être être son album le plus accompli à ce jour. Un très bon disque, très agréable à écouter et à déguster tout doucement! (septembre 2016)

Le groupe lyonnais Vaudou Game est dirigé par le chanteur et guitariste togolais Peter Solo. Le groupe propose une musique afro-funk chaude qui semble tout droit sortie des années 1970. On y trouve aussi des chants vaudou, du blues et du rock, mais avec toujours cette énergie dansante contagieuse. Ils privilégient des instruments vintage pour recréer le son analogique d’une époque révolue. Avec Kidayu, c’est un deuxième album dynamique à souhait que nous offrent Vaudou Game. Il fait appel à la nostalgie et plaira par le fait même à tout amateur du funk des années 1970. (septembre 2016)

Suite au succès inattendu du premier album de Zomba Prison Project en 2015, Ian Brennan et sa femme, la cinéaste et photographe italienne Marilena Delli, sont retournés à la prison à sécurité maximale du Malawi pour enregistrer les 14 titres inclus sur I Will Not Stop Singing. Ce sont encore une fois les prisonniers et officiers de la prison qui sont à l’honneur avec plusieurs chansons extrêmement touchantes, à commencer par « I Will Not Return To Prison », aux allures de cantique. Agnes Chiwisa offre aussi des prestations exceptionnelles, alors qu’Elias Chimenya, un condamné à perpétuité, nous glace le sang avec « Sister, Take Good Care of Your Husband ». « I Will Never Stop Grieving for You, My Wife » est née d’un atelier d’écriture dirigé par Brennan à sa dernière journée d’enregistrement en prison. Elle explore les émotions du compositeur suite au décès de sa femme et mère de ses 4 enfants. Un autre moment d’une grande émotion pour un disque qui nous transporte dans un univers bien particulier! (septembre 2016)

Quatre ans après l’excellent Dead Silence, le groupe canadien est de retour avec son cinquième album. Afraid of Heights est possiblement leur disque le plus varié, explorant différents styles, et incluant du piano, des synthétiseurs et une guitare acoustique. Il s’agit du premier album sans le batteur Aaron Solowoniuk, forcé au repos dû à de multiples scléroses. Il est remplacé par Jordan Hastings (Alexisonfire). Le guitariste Ian D’Sa a fait un travail monumental à la réalisation du disque alors que Billy Talent sonne mieux que jamais. Le groupe nous rappelle « The Unforgiven » de Metallica avec « Rabbit Down the Hole », alors que c’est Muse qui nous vient en tête pendant « Horses & Chariots ». Le groupe prend position dans « This Is Our War », ce qui élargit encore un peu plus leur palette. Par contre, la pièce maîtresse de l’album demeure la chanson-titre, que l’on retrouve en reprise à la toute fin du CD. Avec Afraid of Heights, Billy Talent démontrent tout l’éventail de leur talent, tant comme compositeurs que comme musiciens. Il en résulte donc un album complet sur lequel chaque pièce présente des éléments intéressants, ce qui par le fait même nous donne envie de l’écouter jusqu’à la fin. Un très bon disque! (chronique principale d'août 2016)

Vidéoclip : « Afraid of Heights »

Jamie Kilstein a réussi à se faire connaître en tant qu’humoriste, mais c’est maintenant en tant que leader d’un groupe de rock alternatif qu’il se fait découvrir. Efficace à la guitare, c’est surtout en tant que chanteur que Kilstein se démarque avec des textes dénonçant vigoureusement des injustices comme l’homophobie, le sexisme, le racisme, les parents irresponsables, les injustices économiques, etc. Dans plusieurs pièces, c’est en parlant qu’il nous lance ses textes corrosifs, plus en tant que rappeur/poète qu’en tant qu’humoriste mis en musique. Par contre, les meilleurs assemblages textes et musique nous arrivent lorsqu’il chante véritablement, est un peu moins cinglant et s’adresse à un public pas nécessairement partisan de ses idées. Parce qu’il faut le dire : si vous n’êtes pas de la même opinion que Kilstein, vous risquez fort de trouver le temps bien long! Même chose si les jurons vous agacent… Il s’agit d’un bon album pour ceux qui aiment les artistes qui prennent position, avec une musique indie rock énergique et intéressante. Mais il s’agit surtout pour Jamie Kilstein de faire passer ses messages autrement que seul sur une scène derrière un micro à faire rire la foule à tout prix. (découverte du mois d'août 2016)

Vidéoclip : « Fuck the NRA »

Sur son nouvel album, le pianiste Nicholas Angelich interprète trois œuvres de Liszt, Schumann et Chopin qui étaient dédiées à l’un des deux autres. On retrouve d’abord la « Sonate en si mineur » que Liszt a dédié à Robert Schumann. Puis, c’est au tour de Schumann de dédier « Kreisleriana, Op. 16 » à Frédéric Chopin. Finalement, Chopin dédie ses « Études, Op. 10, nos 10 & 12 » à Franz Liszt. Avec cet album de 78 minutes, Angelich rend un bel hommage à ces trois pianistes et compositeurs nés à 18 mois d’intervalle qui se vouaient admiration et respect mutuel. (août 2016)

Voici un projet parallèle de Paul Banks (Interpol) et RZA (Wu-Tang Clan). Le duo présente un mélange de new wave, indie rock et rap. On peut certainement les comparer à Gorillaz et aux Beastie Boys. L’album inclut des collaborations de Kool Keith, Method Man, Masta Killa, Ghostface Killah et Florence Welch (Florence + The Machine). Ils réussissent à nous offrir un album grandement varié et dynamique qui en séduira plus d’un par son énergie. En fait, on a l’impression que les deux artistes s’élèvent en présence l’un de l’autre pour devenir une force indestructible, comme s’ils étaient faits pour jouer ensemble. Après une première moitié énergique et divertissante, le duo ralentit le rythme pour emprunter un sentier plus trip hop, tout aussi intéressant. C’est donc un album plus que réussit que nous proposent ces deux artistes de talent. (août 2016)

Six ans après Emotion & Commotion, le légendaire guitariste est de retour avec un nouvel album de musique originale. Jeff Beck emprunte cette fois un tout autre sentier avec la collaboration de la chanteuse Rosie Bones et de la guitariste Carmen Vandenberg. Il présente une musique rock parfois lourde avec des tendances blues et funky. Il explore passablement et ses deux collaboratrices apportent un vent de fraîcheur à cet album qui allie le passé à une musique plus contemporaine. Plusieurs éléments intéressants meublent Loud Hailer, ce qui permet à Jeff Beck de demeurer à la page malgré 50 ans de carrière derrière le manche. (août 2016)

Après une longue période d’incertitude, les gars de Blink-182 présentent finalement leur septième album, seulement leur deuxième en 13 ans. Ils semblent avoir retrouvé leur forme des beaux jours alors qu’ils nous offrent un pop punk énergique et inspiré. Il faut dire que l’on a droit ici à une troisième mouture du groupe avec l’ajout du guitariste Matt Skiba (Alkaline Trio) en remplacement du membre fondateur Tom DeLonge. C’est donc un vent de fraîcheur qui souffle sur Blink-182 et leur redonne du même coup un peu de leur jeunesse et de leur insouciance adolescente. Skiba a su s’intégrer habilement au groupe et on retrouve toujours les riffs et autres éléments caractéristiques à Blink. En plus, le groupe nous livre 16 titres en moins de 43 minutes, donc ce sont des chansons courtes et efficaces que l’on peut entendre sur California. Le réalisateur John Feldmann (Goldfinger) a su conserver le groupe dans un excellent focus pour un disque avec une très belle ligne directrice, digne de leurs meilleures années. L’énergie revient enfin au sein de Blink-182, 15 ans après s’être envolée! (août 2016)

Vidéoclip : « Bored To Death »

Après 33 ans d’existence, le groupe rock alternatif américain présente possiblement son album le plus original en 25 ans. Give a Glimpse of What Yer Not se démarque en effet par sa créativité débordante, une musique alternative qui rappelle leurs meilleures années, avec une touche de Hüsker Dü et des Goo Goo Dolls à leurs débuts, sans oublier le grunge et le folk garage. Sans surprendre véritablement, Dinosaur Jr. réussissent à nous prouver qu’ils possèdent toujours un sens mélodique communicatif. J. Mascis et Lou Barlow proposent certaines des meilleures chansons du répertoire de Dinosaur Jr., revenant ainsi plusieurs années en arrière, bien avant leur retour de 2007. (août 2016)

Créé à Nashville en 2013 par le maître du dobro Jerry Douglas, The Earls of Leicester se veut un hommage à Lester Flatt et Earl Scruggs du groupe The Foggy Mountain Boys. Ils présentent un deuxième album avec 17 titres du répertoire de Flatt et Scruggs. Fidèles aux chansons originales, The Earls of Leicester ne réussissent malheureusement pas à transporter cette musique bluegrass classique à un autre niveau. Par contre, la réalisation de grande qualité de Douglas réussit à donner un certain lustre à Rattle & Roar qu’on ne retrouvait pas sur leur premier disque. Le groupe réussit donc à évoluer de belle façon, tout en demeurant fidèle à ces classiques du bluegrass. (août 2016)

La prodigieuse pianiste et excellente chanteuse pop rock de Winnipeg est de retour avec son sixième album en carrière, son premier enregistrement studio en 7 ans. Elle présente à nouveau une musique pop adulte avec des éléments de rock et de très beaux arrangements. Les mélodies demeurent d’une grande efficacité et Chantal les livre avec une voix puissante. Malheureusement, avec seulement 10 titres totalisant à peine plus de 35 minutes, Hard Sail semble incomplet. Il offre tout de même de bons moments. (août 2016)

Vidéoclip : « Into Me »

Le quatuor post-grunge originaire de Memphis et installé à Nashville existe depuis 20 ans déjà et présente son dixième album. Le groupe chrétien présente encore un rock puissant avec un message positif rempli d’espoir. Musicalement, il s’agit d’un album de grande envergure qui a tout pour plaire à un vaste auditoire amateur par exemple de Nickelback. Par moments, ils peuvent nous rappeler Muse, mais certains autres moments passablement agressifs nous amènent presque aux pieds de Slipknot. Le groupe réussit même à faire un clin d’œil à la reprise de « Blue Monday » par Orgy sur « Burn It Down ». Les hymnes d’aréna pleuvent sur Unleashed qui se transpose aisément sur scène avec une énergie débordante. Il s’agit certainement du meilleur album de Skillet en 10 ans, soit depuis Comatose. (août 2016)

Vidéoclip : « Feel Invincible »

Le prolifique groupe de San Diego présente déjà son 10e album en 20 ans de carrière. Ils y reprennent les différents sons explorés tout au long de leur carrière pour un album varié qui rejoindra assurément un vaste auditoire. On y trouve un peu du pop punk de leurs débuts, du rock à grand déploiement du début des années 2000, du new wave inspiré des années 1980 et de l’électro. Les moments un peu plus pop ne manqueront assurément pas d’attirer l’attention, comme dans le premier extrait dansant, « Float ». Le rock dansant revient par ailleurs à différents moments du disque, en particulier avec « If the House Burns Down Tonight » et « Healer of Souls ». Switchfoot réussissent en plus à nous surprendre avec une incursion dans le monde du hip hop : la bluesy « Bull in a China Shop » et « Looking for America » avec le rappeur Lecrae. L’album pourra peut-être sembler trop varié en cours de route, avec une ligne directrice un peu floue, mais on y entend suffisamment de compositions de qualité pour vouloir réécouter l’ensemble du CD en boucle. Il s’agit du meilleur album de Switchfoot depuis The Beautiful Letdown paru en 2003. (août 2016)

Vidéoclip : « Float »

À 68 ans, le leader d’Aerosmith présente bizarrement son tout premier album solo. Il s’est rendu à Nashville pour enregistrer un album rock, mais à tendance country. On y trouve de nombreuses ballades plutôt pop, avec toujours cette petite touche de country à l’arrière-plan. Tyler a réussi à trouver une ligne directrice qui lui va bien, mais ce ne sont malheureusement pas toutes ses chansons qui sont dignes d’intérêt. En fait, les plus intéressantes demeurent celles qui se comparent un peu plus au rock ‘n’ roll d’Aerosmith. L’album se conclut avec deux reprises assez inutiles : « Janie’s Got a Gun » (d’Aerosmith) et « Piece of my Heart » (avec The Loving Mary Band). (août 2016)

Le groupe indie californien présente son troisième album avec Home of the Strange. Young the Giant semblent véritablement y trouver leur son avec une musique aux arrangements raffinés et aux rythmes funky irrésistibles. Pour l’occasion, ils ont travaillé avec les réalisateurs Jeff Bhasker (Kanye West, Bruno Mars, Mark Ronson) et Alex Salibian (Elle King, Mikky Ekko). Leur tendance pop les amène dans le territoire de OneRepublic, tout en conservant un petit quelque chose de Coldplay. Mais surtout, le groupe réussit à nous offrir des idées musicales variées qui permettent de conserver notre intérêt jusqu’à la fin, malgré une direction beaucoup plus commerciale. Avec ce nouveau disque, Young the Giant semblent réussir enfin à s’établir dans une niche bien à eux. Home of the Strange se distingue donc aisément des précédents pour devenir l’album emblématique du groupe. (août 2016)

Vidéoclip : « Something To Believe In »

Pour leur 11e album, les Red Hot Chili Peppers ont décidé pour la première fois depuis longtemps de ne pas travailler avec le réalisateur Rick Rubin. C’est plutôt Brian Burton (alias Danger Mouse) qui en prend la responsabilité. Le groupe gagne en maturité et propose un album tout en nuances avec des influences soul et funk des années 1970. Plusieurs pièces offrent une certaine douceur très agréable à l’oreille et l’ensemble suit une très belle ligne directrice. De subtiles influences disco (chanson-titre) ou électro (« Go Robot ») prouvent leur grande polyvalence et des capacités créatrices toujours bien présentes. On peut aussi entendre des influences des Beatles (« The Longest Wave », « Feasting on the Flowers »). Même si on reconnaît le style des Red Hot Chili Peppers, ils réussissent juste assez à nous surprendre. À noter une collaboration de taille avec Elton John qui joue du piano dans « Sick Love ». Avec The Getaway, les Red Hot Chili Peppers reprennent leur place de choix parmi les plus grands groupes au monde. (chronique principale de juillet 2016)

Vidéoclip : « Dark Necessities »

Kaleo est un groupe islandais qui s’est formé il y a quatre ans. Sur ce premier album, ils proposent un son indie rock avec des influences blues et folk. Dès la pièce d’ouverture, « No Good » (entendue dans la promotion de la série Vinyl sur HBO), on pense au son blues garage des Black Keys. Mais le groupe ralentit ensuite le rythme pour l’excellente « Way Down We Go ». L’album réalisé par Jacquire King (Kings of Leon, City and Colour) présente cet agréable mélange de ballades parfois plus folk et de riffs énergiques tout au long des 10 pièces totalisant 42 minutes. C’est un excellent premier disque que nous offre le quatuor, un disque grandement accrocheur et suffisamment varié pour conserver notre intérêt jusqu’à la fin. (découverte du mois de juillet 2016)

Vidéoclips : « All the Pretty Girls » - « No Good » - « Way Down We Go »

Ana Alcaide est une auteure-compositrice et interprète espagnole. Sur cet album, elle s’est inspirée de la mythologie et de légendes féminines espagnoles, d’Europe et d’ailleurs dans le monde. Elle y joue de son instrument de prédilection, le nyckelharpa suédois, qu’elle accompagne de voix, d’une flûte et de chants d’oiseaux. Il en résulte une musique du monde unique aux influences folk, jazz et classique. Un très bel hommage aux femmes en général! (juillet 2016)

Après un album en hébreu et une participation au Concours Eurovision, le Franco-Israélien lance son premier disque en français. Le CD de 12 titres inclut bon nombre de succès pop instantanés à commencer par les premiers simples « J’ai cherché » et « On dirait ». Des mélodies accrocheuses et des rythmes entraînants rendent Amir Haddad sur mesure pour envahir les radios à travers la francophonie. Ce n’est que lorsqu’il ralentit le rythme pour tomber dans la ballade à textes qu’Amir perd de l’intérêt (« À ta manière »). Heureusement, l’ensemble demeure à la hauteur pour un album pop de qualité. (juillet 2016)

Vidéoclip : « J’ai cherché »