Pour le troisième album de Nicki Minaj, il avait été annoncé qu’elle ferait un retour au style de ses débuts avec un rap plus hardcore. En fait, elle présente sur The Pinkprint un mélange de ce qui a fait son succès jusqu’à maintenant. Il y a bien des titres un peu plus hardcore, mais on peut aussi entendre des passages R&B et pop. Plutôt que de se contenter de rapper, Nicki chante sur une grande partie du disque, et c’est bien loin d’être désagréable. Les textes provocateurs, sexuellement explicites, sont bien entendu toujours au rendez-vous (« Get On Your Knees »), mais on retrouve aussi des textes un peu plus touchants à propos de ruptures amoureuses (« I Lied »). On peut évidemment y entendre le succès « Anaconda » dont le vidéoclip a créé tout un tollé sur la toile l’été dernier, même s’il est bien inoffensif au fond. Musicalement, The Pinkprint est certainement son album le plus accompli avec des musiques riches et bien souvent originales. Il y a bien quelques moments plus faibles ou qui écorchent l’oreille, mais l’ensemble des 16 titres s’écoute avec plaisir jusqu’à la fin. Une version de luxe ajoute 5 pièces pour un total de 80 minutes. À noter les participations entre autres d’Ariana Grande, Jessie Ware, Beyoncé, Chris Brown, Drake, Lil Wayne, Meek Mill et Skylar Grey. Avec The Pinkprint, Nicki Minaj semble avoir définitivement atteint le sommet de sa carrière. (chronique principale de février 2015)

Vidéoclips : « Pills N Potions » - « Anaconda » - « Only »

Rock or Bust est le premier album en six ans pour les rockers australiens et comme ce fut le cas en 2000 avec Stiff Upper Lip, ils réussissent encore à surprendre. Même si leur style a peu évolué depuis 35 ans, soit depuis l’arrivée de Brian Johnson au micro, ils nous offrent encore de bonnes compositions énergiques. Il s’agit assurément d’un son rock ‘n’ roll d’une autre époque, mais il n’y a qu’AC/DC qui peut en jouer efficacement en 2015. L’enregistrement de Rock or Bust ne s’est pas fait sans heurts alors qu’on apprenait la maladie de Malcolm Young l’obligeant à tirer sa révérence (il souffre de démence). Angus s’est donc retrouvé avec toute la responsabilité du groupe sur ses frêles épaules. Il s’en tire plutôt bien, même s’il s’agit ici du plus court album du groupe parmi les 15 qu’il a lancés à ce jour (avec 11 titres totalisant seulement 35 minutes). Le batteur Phil Rudd a aussi eu ses problèmes, avec la justice cette fois, et a dû quitter le groupe avant la parution de l’album. Malgré les embûches et les nombreuses rumeurs de séparation, AC/DC présente un de ses meilleurs albums depuis un bon moment. Donc, s’il s’agit de leur dernier enregistrement, les gars pourront se retirer la tête haute. (février 2015)

Vidéoclips : « Rock or Bust » - « Play Ball »

Le groupe écossais qui existe depuis plus de 35 ans a surtout connu le succès dans la première moitié des années 1980. Par la suite, il n’a pu réussir à présenter des albums vraiment intéressants, jusqu’à Graffiti Soul en 2009 qui présentait de bons moments. Avec Big Music, le groupe réussit à apprivoiser pleinement le style électro pop des années 2010 et nous présente certainement son meilleur album en près de 30 ans. L’équilibre entre les synthétiseurs un peu vieillots, les guitares acérées et la rythmique puissante est meilleur que jamais. Dans un élan d’inspiration, le groupe présente plusieurs très bonnes compositions dont « Honest Town » et « Blood Diamonds » coécrites avec Iain Cook (Chrvrches). Il en aura fallu du temps, mais voilà que Simple Minds semble avoir retrouvé sa voie et repris la place qui lui revenait aux côtés de jeunes groupes qui s’en sont inspiré. (février 2015)

Vidéoclips : « Honest Town » - « Let the Day Begin »

Il ne reste des Smashing Pumpkins que Billy Corgan et son guitariste Jeff Schroeder, ce qui confirme plus que jamais le contrôle total qu’exerce Corgan, même s’il continue à mettre de l’avant le nom du groupe. Pour ce nouvel album, c’est Tommy Lee (Mötley Crüe) qui vient appuyer le duo à la batterie, mais vous ne vous en rendrez jamais compte. Musicalement, Monuments to an Elegy a des allures d’album solo pour Billy Corgan qui reprend des textures qu’il avait mis de l’avant sur The Future Embrace, son seul album solo lancé en 2005. Une des principales différences de l’album par rapport aux derniers enregistrements des Pumpkins est l’intensité qui est un peu moins au rendez-vous. Les pièces s’avèrent en général plus légères, moins agressives. Il s’agit peut-être finalement de l’album de la maturité pour Corgan qui ne semblait pas vouloir décrocher jusque-là du style abrasif qui l’avait rendu populaire il y a plus de 20 ans. On retrouve de bien bonnes chansons sur ce nouveau disque dont le principal défaut est d’être trop court avec seulement 9 titres totalisant 32 minutes. Nous voilà donc dans l’obligation de le réécouter à répétition… (février 2015)

Vidéoclip : « Being Beige »

Mike Brant était un chanteur français d’origine israélienne qui a connu le succès au début des années 1970 avant de s’enlever la vie en 1975 à l’âge de seulement 28 ans. Il a interprété plusieurs grandes chansons d’amour, dont le succès international « Laisse-moi t’aimer ». Sur cet album le ténor français Amaury Vassili, spécialiste de la pop lyrique, lui rend hommage en interprétant à sa façon 13 chansons de Brant. On y retrouve tous ses plus grands succès, avec en prime « Qui saura » (en duo virtuel avec Mike Brant). L’album se conclut avec un titre inédit composé par Brant, « Où que tu sois ». Moins lyrique que sur la plupart de ses albums, Vassili prend plus que jamais l’allure d’un chanteur pop. Il réussit à livrer efficacement les chansons de Brant, même si l’émotion n’est pas toujours au rendez-vous. (février 2015)

Après sa participation remarquée au succès « I Love It » d’Icona Pop et la parution d’un très bon premier album au printemps 2013, True Romance, la chanteuse électro pop est de retour en force. Elle enchaîne les succès potentiels sur Sucker, même si elle ne retient aucun écart de langage, surtout dans la chanson-titre. La version non censurée de l’album est sans doute préférable pour ne pas se faire écorcher les oreilles par des bips sonores à la place des jurons assurément moins agaçants. L’ensemble de l’album est un peu plus lumineux et accessible que son précédent, comme si elle était bien décidée à ratisser large. Elle vise certainement de rejoindre un jeune public avec une pop qui leur parle, mais elle présente aussi quelques textes plus personnels. Chose certaine, elle offre plusieurs succès incontournables et mémorables comme « Break the Rules » et « Boom Clap ». Voici donc un deuxième disque particulièrement réussi pour la talentueuse auteure-compositrice et interprète anglaise. (février 2015)

Vidéoclips : « Boom Clap » - « Break the Rules » - « Breaking Up » - « Doing It »

Originaire de la Saskatchewan, Annette Campagne s’est d’abord fait connaître en tant que membre fondatrice du groupe Hart Rouge avant de se lancer dans une carrière solo 10 ans plus tard. Pour ce nouvel album, l’auteure-compositrice et interprète décide d’offrir une musique avec un peu plus de mordant. Elle propose donc un son pop rock avec quelques pièces passablement énergiques. Réalisé par Davy Gallant (Kaïn, Roch Voisine, Garou) et son fidèle acolyte Gilles Tessier, Papillon amiral présente une majorité de titres en français, mais aussi quelques pièces en anglais. L’album présente certains moments intéressants, dont le premier extrait, « Tu es ma lumière », et un duo avec Gabriel Yacoub, « Orpailleur d’amour ». (janvier 2015)

Dirigé de main de maître par la chanteuse Maria Brink, le groupe de métal mélodique de Los Angeles est de retour avec son cinquième album. Encore une fois réalisé par Kevin Churko (Ozzy Osbourne, Hellyeah, Five Finger Death Punch), l’album montre à nouveau un fort penchant mélodique mis en évidence grâce à la voix puissante de Brink qui réussit à tomber dans l’émotion brute en plusieurs occasions. Par ailleurs, le groupe n’hésite pas à présenter des morceaux franchement hardcore ou gothiques, un peu à la manière de Lacuna Coil. Malgré plusieurs bons moments, avec 13 pièces totalisant 60 minutes l’album s’avère un peu trop long à cause de quelques titres qui auraient pu être charcutés sans aucun problème. (janvier 2015)

Vidéoclips : « Sick Like Me » - « Big Bad Wolf »

Le groupe de métal alternatif français existe déjà depuis 25 ans. Sur ce nouvel album, ils poursuivent leur oeuvre dénonciatrice, s’attaquant à tout signe de conformisme. Musicalement, le groupe continue d’intégrer des éléments de rap métal et de punk hardcore pour une musique passablement lourde. Par contre, ce sont les textes qui occupent l’avant-scène en général reléguant à un rôle secondaire les riffs de guitare et la section rythmique pourtant ravageuse. Les fans du groupe devraient tout de même encore apprécier. (janvier 2015)

Pour l’auteur-compositeur et interprète de l’Abitibi Mario Peluso, il s’agit de la première incursion à l’intérieur d’un groupe en près de 20 ans. Le groupe propose un heureux mélange de country, de folk et de rock largement inspiré des années 1970, de CCR à Neil Young, mais surtout, axé sur le plaisir. Parmi les Hobos Hurleurs, on retrouve Richard Boisvert (guitares, mandoline, banjo) et Richard Deschênes (basse, contrebasse) qui sont entre autres connus pour avoir collaboré avec Michel Pagliaro, Steve Hill et Luc De Larochellière. Martin Landry complète le quatuor à la batterie et aux percussions. Peluso et sa bande avaient préalablement offert un premier extrait, « Plein l’cul », qui fait bouger et réfléchir à la fois. On peut aussi entendre « Sur son épaule », une pièce que Peluso avait enregistrée en début de carrière et qui a été reprise récemment par Richard Desjardins. (janvier 2015)

Vingt ans se sont écoulés depuis leur dernier album et peu de fans croyaient encore que leur groupe préféré pourrait faire un retour sur disque. L’album est constitué essentiellement de pièces instrumentales, enregistrées à l’époque de Division Bell et initialement prévues pour un projet atmosphérique. Ces morceaux ont été retravaillés par les deux seuls membres restants, David Gilmour et Nick Mason, avec l’aide de Youth, Andy Jackson et Phil Manzanera (Roxy Music). Ce dernier a ajouté une couche de guitares à la musique essentiellement basée sur les claviers du regretté Richard Wright. Le résultat n’est pas si différent de ce que le groupe a offert comme sonorités sur ses deux derniers disques, à part le fait que ce soit instrumental à 95 %. Il faut en fait attendre la dernière pièce, « Louder Than Words », pour entendre enfin la voix de Gilmour qui était au coeur des derniers enregistrements du groupe. C’est plutôt sa guitare qu’il fait parler sur The Endless River. À l’écoute de l’album, on réalise que le groupe semble vouloir définitivement boucler la boucle et passer à autre chose. Ce nouvel album est intéressant, mais il agit surtout comme le point final à une superbe carrière s’étendant sur près de 50 ans. (janvier 2015)

Sur son nouvel album, le rappeur Sir Pathétik affirme ses racines québécoises avec fierté. Il change son nom de scène pour simplement Sir Path et c’est sous ce pseudonyme qu’il présente son 12e album. Dès la première écoute, cet album de 17 titres totalisant 60 minutes surprend par une facture plus pop et même folk en certaines occasions. De nombreux collaborateurs accompagnent Sir Path tout au long du disque dont le groupe rock Sens, Alex Lavoie, Emmanuelle Duval-Auger (La Voix) et l’Acadien Matt Mallet. Le rappeur le plus populaire du Québec nous offre encore une fois de très bonnes mélodies, souvent inoubliables. (janvier 2015)

Vidéoclip : « Vie de bum »

Après un premier album de reprises de chansons connues, l’ex-académicienne s’est faite offrir des chansons originales par plusieurs auteurs comme Andréanne A. Mallette et Ariane Brunet. Sébastien Côté (King Melrose) a quant à lui signé quatre des 10 pièces de l’album. Corey Hart a aussi composé la musique de « Évidemment » sur un texte de Martine Pratte. Même si son album est généralement pop, Mélissa plonge un peu plus dans le soul avec « Merci », écrite et composée par Georges Thurston, un cadeau de Lorraine Cordeau. Le disque regorge de textes positifs et d’espoir passant le message de croire en ses rêves. (décembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 42, 28 novembre 2014)

Pour son nouvel album, l’harmoniciste originaire de Québec revient à son premier amour, le blues, même s’il incorpore des influences de gospel, de country et de rock. Pour l’enregistrement, Bélanger s’est déplacé de Montréal à Chicago en passant par Toronto. Il a travaillé avec quelques-uns des meilleurs musiciens à Chicago, en plus de pouvoir compter sur le chanteur et guitariste Jimmy Johnson à titre d’invité spécial. Avec Blues Turn, le bluesman québécois démontre qu’il n’a plus rien à prouver et qu’il fait partie des plus grands instrumentistes et compositeurs dans le genre au pays. (décembre 2014)

Sur son quatrième album, Daniel Boucher n’hésite en aucun temps à expérimenter, à échantillonner. En fait, plusieurs pièces de Toutte est temporaire relèvent véritablement du délire, laissant du même coup de côté le grand charisme du chanteur qu’il est. « La langue » est basée sur un échantillonnage d’un discours d’Yvon Deschamps lors d’un grand rassemblement de la Saint-Jean-Baptiste, sur un rythme basse-batterie. Elle avait été présentée lors du spectacle de la Fête nationale 2014. L’autre morceau déjà connu du public est le premier extrait, « Embarques-tu? ». Parmi les autres délires offerts, notons la pièce d’ouverture, « Histoire de ma vie (Scusez menutte) » et « Salon magique ». Boucher exprime ses doutes dans « À ma place » et son désarroi devant une mort qu’il espère temporaire dans la chanson-titre. Même si peu de compositions sont véritablement mauvaises, le désir d’expérimenter rend le projet plutôt inégal et difficile d’accès. On en oublie même les qualités premières du chanteurs qui sont entre autres de séduire son public avec sa voix et ses textes. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Embarques-tu? »

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 42, 28 novembre 2014)

Connu dans le milieu du hip hop underground québécois pour ses textes engagés et lucides, le rappeur Cheak présente finalement son premier album, Refus global. Auteur-compositeur et interprète, il est l’un des rares rappeurs québécois à composer toutes ses musiques et à jouer de plusieurs instruments pour enrober ses textes. Sur les 12 pièces de l’album, il traite des sujets qui lui tiennent à coeur : l’aigreur de la vie (« Y’en aura pas d’facile »), une société contrôlée (« Zombie »), la dérive (« Mauvaise passe »), l’isolement (« Moonchild »), ou encore la recherche d’un ailleurs (« Calme toé »). Cheak aime mélanger les genres en intégrant du reggae (« On est c’qu’on est », « Calme toé ») du jazz (« La droiture du gauchiste », etc. Cheak est un rappeur à surveiller dans le paysage hip hop québécois. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Zombie »

Pour son nouvel album, le géant de la pop française s’entoure de collaborateurs d’envergure pour co-écrire avec lui les 12 chansons présentées. On retrouve entre autres Carla Bruni pour deux titres (« Les amoureux » et « Le chemin des rivières »), Maxime Le Forestier pour « On va, on vient, on rêve », Gérard Duguet-Grasser pour deux pièces et Alex Beaupain pour les 7 morceaux restants. Sur Partout la musique vient, on retrouve des ballades plus introspectives, mais la pop énergique est bien présente tout au long du disque, à l’image du premier extrait, « On ne se méfie jamais assez ». (décembre 2014)

Vidéoclip : « On ne se méfie jamais assez »

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 42, 28 novembre 2014)

Daniel Coutu est magicien et vulgarisateur scientifique, en plus d’être l’animateur de Par ici la magie à Radio-Canada. La musique faisant partie intégrante de ses tours de magie, il est donc logique qu’il présente un album de chansons en lien avec la magie. Il propose 12 pièces dont certaines sont issues de sa 3e série de spectacles, en plus de pièces inédites et de la chanson-titre de Par ici la magie. Coutu signe la majorité des textes, mais il s’appuie aussi sur de talentueux collaborateurs dont Sonia Johnson. Ses chansons rythmées et remplies d’humour s’adressent avant tout à un jeune auditoire. (décembre 2014)

Félix-Antoine Couturier s’est fait découvrir du grand public lors de sa participation à La Voix en 2013, mais il roulait déjà sa bosse depuis un bon moment. Diplômé en guitare classique du Cégep St-Laurent en 2001, Couturier a joué au sein de plusieurs groupes, dont Kodiak tout de suite après leur victoire au Festival de la chanson de Granby. Il a lui-même participé à de nombreux concours en 2011 et 2012 avant d’être sélectionné pour La Voix où il a traversé les premières étapes avant de se classer parmi les six finalistes de son équipe. Son mini-album, Fuir le plancher, a grandement attiré l’attention à l’été 2013, autant du public que des critiques. Couturier présente maintenant son premier album complet en tant qu’auteur-compositeur et interprète. Il se permet même de jouer tous les instruments sur cet excellent mélange de rock énergique et de pop accrocheuse. Il présente des chansons créatives sans compromis qui possèdent à la fois tous les éléments commerciaux nécessaires pour intéresser les fans de La Voix. Voici donc un très bon premier opus par cet artiste de grand talent. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Comme un seul homme »

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 43, 5 décembre 2014)

Daran présente son 8e album studio avec Le monde perdu, certainement son plus personnel à ce jour. Il s’agit d’un disque totalement acoustique, guitare, voix et harmonica. Le premier extrait, « Gens du voyage », est une chanson d’une grande douceur et d’une sensibilité touchante qui parle du déplacement des populations et des conséquences sur leur vie de tous les jours. Cet album introspectif enregistré et réalisé à Montréal présente un Daran plus émouvant que jamais. (décembre 2014)

Echosmith est un groupe de Los Angeles formé en 2009 et composé des frères Sierota avec leur jeune soeur Sydney comme chanteuse. Talking Dreams est leur premier album, d’abord paru à l’automne 2013, et maintenant réédité avec une nouvelle pochette. Le quatuor nous offre un son pop rock entraînant fortement influencé par le rock dansant des années 1980. En ce sens, on peut les comparer en grande partie aux Killers et à Paramore, mais aussi à U2 pour leurs sonorités de guitares et à Fleetwood Mac pour leurs harmonies vocales. Le jeune groupe présente une certaine légèreté, mais possède surtout des mélodies inoubliables. Parions donc qu’avec plus d’expérience ils pourront nous offrir une musique avec un peu plus de substance tout en demeurant aussi agréable à l’oreille. (décembre 2014)

Vidéoclips : « Come Together » - « Talking Dreams » - « Cool Kids »

C’est avec tout l’éclatement qu’on leur connaît que les gars des Flaming Lips ont décidé de reprendre le meilleur album de l’histoire, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band des Beatles. Si l’album original avait déjà son côté psychédélique, il prend une toute autre dimension ici avec les expérimentations des Flaming Lips. Le groupe explore différents sons et amalgame toutes sortes de variations de styles et de rythmes dans un ensemble parfois cacophonique, mais assurément créatif. C’est en compagnie de nombreux artistes invités que le groupe s’exécute : My Morning Jacket, J. Mascis, Miley Cyrus, Moby, Dr. Dog, Tegan and Sara, Foxygen et plusieurs autres. With a Little Help From My Fwends présente en quelque sorte une déconstruction de ce grand album de l’histoire. Les fans les plus ardents des Beatles y verront donc peut-être un exercice blasphématoire. Par contre, la qualité des explorations musicales des Flaming Lips rend assez bien justice à l’oeuvre originale. (décembre 2014)

Difficile de croire que presque 20 ans se sont écoulés depuis la formation des Foo Fighters. Pourtant, Sonic Highways est déjà leur 8e album studio depuis 1995. L’album tire son inspiration du studio Sound City de Los Angeles et des plus grandes villes de rock ‘n’ roll en Amérique. Il rend hommage au vrai rock ‘n’ roll d’arénas, celui qui pullulait dans les années 1980. Même si le disque ne contient que 8 pièces, elles sont toutes grandement efficaces pour nous remémorer les belles années du hard rock des années 1970 et 1980. En fait, il s’agit d’un album de rock pur, comme il s’en fait de moins en moins. C’est seulement dommage qu’à chaque chanson on ait l’impression de l’avoir déjà entendue dans le passé. En conclusion, Sonic Highways nous donne plus envie de retourner écouter les albums de notre enfance que de le réécouter en boucles. Pas qu’il soit désagréable, mais il manque définitivement d’originalité. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Something From Nothing »

Pour son deuxième album pop et huitième au total, le ténor québécois interprète 14 chansons originales. Parmi les auteurs et compositeurs qui ont offert leur talent au disque, notons Jean-François Breau, Maxime Landry, Sylvain Cossette, Richard Séguin, Patrick Bourgeois et Tino Izzo. Hervieux explore des styles variés, entre pop nostalgique, ballades orchestrales, rythmes funkys et énergie rock. Enrichis par un quatuor à cordes, les arrangements collent à la peau du ténor, même si les compositions et les mélodies ne laissent pas toujours la place désirée à sa voix puissante. Les variations de styles peuvent également être agaçantes, et peu de titres réussissent à véritablement capter notre attention. (décembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 41, 21 novembre 2014)

Le rockeur originaire de Londres présente un premier album en 9 ans, un deuxième seulement depuis Cyberpunk en 1993. Ce nouveau disque se veut en fait un compagnon à son autobiographie. Par contre, les chansons de Kings & Queens of the Underground n’ont rien d’autobiographiques. On retrouve bien évidemment des traces du son de son passé avec une certaine influence punk, mais tellement passée et repassée dans la grosse machine pop qu’il n’en reste plus grand-chose d’authentique. Idol présente encore une fois des chansons aux arrangements électro, lui qui a exploré le genre il y a longtemps déjà. La principale différence sur ce nouvel opus en comparaison au précédent est que le chanteur semble beaucoup plus calme, plus serein. Il chante mieux que jamais, même si on soupçonne aisément une assistance importante de la technologie. Après tout, l’enfant terrible approche déjà la soixantaine. En conclusion, le principal problème de ce nouveau CD par Billy Idol est un manque flagrant de créativité. Il est plaisant à écouter, mais pas trop longtemps et surtout, vous n’en retiendrez que bien peu de choses. « Postcards from the Past » et « Can’t Break Me Down » sont certainement parmi les bons moments du disque, mais pas par leur originalité. Plutôt parce qu’elles nous rappellent ce qu’on aimait de Billy Idol dans les années 1980, soit des chansons rock énergiques inoubliables. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Can’t Break Me Down »

La chanteuse de Calgary s’est fait connaître au cours des derniers mois grâce à son méga succès inspiré des années 1990 « Hideaway ». Elle est l’une des rares pièces à tendance house de ce premier album qui va dans toutes les directions possibles de la musique pop. On peut même entendre des ballades toutes douces au piano qui, heureusement, mettent en valeur sa très belle voix. À noter entre autres sa reprise plutôt lente de « What Is Love? » de Haddaway, l’un des plus grands succès dance des années 1990. On comprend rapidement que les influences de Kiesza viennent de la décennie qui a bercé son enfance. Par contre, on retrouve un dangereux manque de ligne directrice sur Sound of a Woman qui s’éparpille beaucoup trop, avec en plus quelques titres franchement inintéressants. Ce premier disque de Kiesza est malheureusement un album à écouter à la pièce. (décembre 2014)

Vidéoclips : « Hideaway » - « Giant in my Heart » - « No Enemiesz »

Après cinq ans d’absence sur disque, l’ex-académicienne est de retour avec son troisième album. Réalisé par Émilie Laforest et Joseph Marchand du tandem Forêt, Les amours parallèles présente des textes recherchés et des mélodies efficaces chuchotées comme seule Stéphanie Lapointe peut le faire. Les arrangements musicaux d’une grande richesse demeurent tout de même discrets, laissant toute la place à la chanteuse dans un style qui n’est pas sans nous rappeler une chanson française d’une autre époque. Pour ce nouvel opus, Stéphanie laisse sa plume de côté et fait plutôt appel à des auteurs et compositeurs de renom dont Jimmy Hunt, Philémon Cimon, Leif Vollebekk et Philippe B, qui signe la très belle chanson-titre. On peut aussi entendre une reprise de Jane Birkin, « Pourquoi ». Cet album intime présente plus que jamais un voyage intérieur tout en douceur pour la talentueuse interprète. (décembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 41, 21 novembre 2014)

Comme l’indique le titre de son nouvel album, Annie Lennox mise sur la nostalgie pour nous faire entrer dans son univers. Elle reprend en effet de grands standards jazz, pop et R&B. Même si elle demeure une chanteuse pop à la voix incomparable, elle semble tout à fait à l’aise dans une atmosphère jazzy, et ce depuis plusieurs années. Que ce soit en interprétant à sa façon « Georgia On My Mind », « I Put a Spell On You », « Summertime » ou « Strange Fruit », elle réussit toujours à faire ressortir le meilleur de chaque chanson, nous l’offrant tout en douceur. En plus, elle bénéficie d’une production de premier plan. Avec Nostalgia, Annie Lennox réussit le tour de force de nous faire redécouvrir et apprécier des classiques très souvent entendus dans toutes sortes de versions. (décembre 2014)

Après une année de changements alors qu’elle est entre autres devenue maman, l’ex-participante à Star Académie présente un deuxième album, deux ans après Le goût du bonheur. La magnifique voix d’Émilie Lévesque est enrobée plus que jamais dans de superbes arrangements musicaux pour un disque beaucoup plus riche musicalement. Ses chansons pop légères possèdent toujours des mélodies inoubliables. Il s’agit donc d’un autre album agréable à écouter par cette artiste qui semble respirer le bonheur. (décembre 2014)

Longtemps comparé à Fleetwood Mac, le groupe de country contemporain Little Big Town a réussi à s’en différencier avec l’album Tornado en 2012. Avec Pain Killer, le groupe prend véritablement son envol. L’album bénéficie d’une production plus grande que nature, mais on y trouve aussi une certaine prise de risques alors qu’on sort des sentiers battus et qu’on ose essayer de nouvelles sonorités.  On peut entendre des guitares distorsionnées, des éléments d’électronique, un peu de reggae et trois pièces folk rock en conclusion du CD. Les compositions de grande qualité deviennent rapidement contagieuses et il est donc plutôt facile d’adhérer à ce nouvel album. Pain Killer est certainement le meilleur album de Little Big Town à ce jour. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Day Drinking »

Le groupe rock canadien Moist s’est formé à Vancouver en 1992 et a profité de la vague post-grunge pour développer une horde de fans. Après plusieurs années de séparation pendant lesquelles le chanteur David Usher a réussi à obtenir une belle carrière solo, le groupe est de retour pour présenter un nouvel album, son quatrième. Pour cet enregistrement, on découvre plusieurs nouveaux visages : Jonathan Gallivan à la guitare, Louis Lalancette à la basse et Francis Fillion à la batterie. Réalisé par le guitariste Mark Makoway, Glory Under Dangerous Skies poursuit où le groupe avait laissé il y a 15 ans avec un rock plutôt commun, sans grandes surprises. (décembre 2014)

Pour souligner ses 45 ans de carrière, ce n’est pas une rétrospective de ses succès que nous offre Patrick Norman, mais bien un tout nouvel album. Son 29e disque en carrière contient 11 titres, dont des duos avec Marilou et Marie-Pierre Arthur. On peut aussi y entendre une version rafraîchie de « Viens danser », tirée de L’amour n’a pas d’adresse paru il y a 3 ans, ainsi que son plus récent succès radio, « C’était l’été ». En conclusion du CD, on découvre l’instrumentale « Chanson pour Maxence » qui confirme sa maîtrise exceptionnelle de la guitare. Après la tombée du rideau contient un mélange agréable de folk et de pop adulte. (décembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 40, 14 novembre 2014)

Trois ans après C’est un monde, le conteur Fred Pellerin fait un retour en musique avec Plus tard qu’on pense, un album contenant des chansons sur le temps qui passe, qui presse et celui qui reste. En plus de plusieurs textes de Pellerin, on peut entendre des chansons de René Richard Cyr, Gilles Vigneault, Stephen Faulkner, et même une traduction d’un morceau de Tom Waits. Pellerin chante mieux que jamais et est appuyé par de très beaux arrangements de Jeannot Bournival qui ajoutent une superbe richesse musicale au disque folk intimiste. Ses fans seront assurément comblés. (décembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 43, 5 décembre 2014)

Gagnant de plusieurs concours dont le Festival de la chanson de Granby et le Festival en chanson de Petite-Vallée en 2014, l’auteur-compositeur et interprète Michel Robichaud présente son premier album, un disque folk contemporain progressif qu’il coréalise avec Michel Duguay. Il compte sur de nombreux collaborateurs dont Antoine Gratton (piano et arrangements de cuivres) et Richard Séguin (harmonica). D’abord seulement disponible en version numérique, l’album physique est en vente lors des spectacles. (décembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 39, 7 novembre 2014)

L’ancien membre de Karkwa Julien Sagot est de retour avec un deuxième album solo. Le multi-instrumentiste et poète éclaté nous offre avec Valse 333 le fruit d’un travail de recherche en studio s’étendant sur un an. Il présente le résultat de ses explorations électroacoustiques qui propose un voyage sensoriel hors du commun. Cinématique et atmosphérique, Valse 333 nous plonge dans une expérience artistique unique, hors des sentiers battus, où les règles de la chanson sont transgressées au profit des sonorités et des diverses expérimentations. (décembre 2014)

Avec Avant l’aube, Stefie Shock présente un sixième album à mi-chemin entre le sérieux et la folie. Les rythmes dansants et les mélodies accrocheuses sont toujours au rendez-vous dans une musique électro-pop extrêmement captivante, comme avec le premier extrait, « Want You To Want Me », pour lequel la voix d’Amélie Mandeville se mêle admirablement à celle beaucoup plus grave du chanteur. Parmi les neuf titres de l’album, on peut en entendre deux en anglais : « Everything’s in Everything » et la reprise funky audacieuse de « Everybody Knows » de Leonard Cohen. Stefie se permet une autre reprise avec « Madame rêve » d’Alain Bashung. Mis à part ces deux versions, l’auteur-compositeur et interprète signe tous les textes de ce nouvel album, un ajout important à sa discographie déjà bien garnie. (décembre 2014)

Vidéoclip : « Want You To Want Me »

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 40, 14 novembre 2014)

Pour son douzième album studio et le premier depuis 2008, l’auteur-compositeur et interprète canadien a décidé de se faire un cadeau et de reprendre des classiques de sa jeunesse et qui l’ont influencé. Après avoir passé passablement de temps en studio, il a réussi à donner le son voulu à chacune des chansons choisies pour éviter qu’elles soient trop similaires à la version originale. On peut entendre « Any Time At All » des Beatles, « Lay Lady Lay » de Bob Dylan, « Rock and Roll Music » de Chuck Berry, « Down on the Corner » de CCR, « God Only Knows » des Beach Boys, et plusieurs autres. Adams nous offre aussi une nouvelle chanson originale, « She Knows Me ». Les interprétations sont très réussies sur cet album qui réussit à nous faire oublier la plupart des versions originales. C’est donc l’interprète qui se dépasse sur ce nouveau disque de Bryan Adams. Une version de luxe ajoute 5 titres additionnels aux 11 de la version standard. (novembre 2014)

Après d’excellents albums en français en plus d’avoir arrangé et réalisé de nombreux albums de qualité, Antoine Gratton nous arrive avec son alter ego, A*Star, pour son premier disque entièrement en anglais. Le chanteur et pianiste de grand talent présente un album à la hauteur des attentes avec 14 très bonnes compositions dans le style pop rock énergique. Après une fin plus en douceur, A*Star is My Name passe à un deuxième CD de versions acoustiques alors qu’Antoine se retrouve en compagnie du Quatuor Orphée. Il y réinterprète la plupart des chansons entraînantes du premier CD dans un style beaucoup plus intimiste et touchant. On y découvre donc les deux principales facettes de la personnalité d’Antoine Gratton, un homme aux mille visages qui pourra assurément s’éclater sur scène, peu importe la formule retenue. (novembre 2014)

À première vue, le duo formé du crooner Tony Bennett et de la diva pop Lady Gaga peut sembler bizarre, mais les deux ont déjà collaboré ensemble en 2011. Aussi, Lady Gaga a un passé de chanteuse de cabaret. Il est donc plutôt pertinent d’entendre le duo reprendre ces standards du jazz avec un grand orchestre. Grâce à des pièces de Cole Porter, Irving Berlin (dont la chanson-titre), Duke Ellington, et plusieurs autres, on découvre à quel point Bennett n’a rien perdu de son aplomb vocal malgré ses 88 ans. Quant à Lady Gaga, on réalise rapidement que sa voix cadre magnifiquement dans un tel contexte jazz. Par contre, elle semble incertaine de ses capacités en certaines occasions, ce qui enlève de la puissance et du lustre à son interprétation. Le principal défaut de l’album est qu’on ne peut se défaire de la personnalité du duo et que les chansons prennent automatiquement l’arrière-plan. De bien meilleures interprétations de ces classiques sont parues à travers les années, malheureusement. (novembre 2014)

Dan Snaith présente déjà un 6e album sous le pseudonyme de Caribou. L’artiste électro nous offre encore une fois un très bon album indie pop aux ambiances relaxantes. Par contre, plus que jamais sa musique s’oriente vers les planchers de danse où les DJ prendront un malin plaisir à la remixer. Un peu d’habillage et ses rythmes contagieux posséderaient toutes les caractéristiques nécessaires pour satisfaire les fans de musique house. Son approche demeure tout de même assez psychédélique malgré de bonnes mélodies pop, ce qui risque surtout de plaire aux fans de musique indie. Son amour des percussions et synthétiseurs des années 1980 est bien difficile à cacher pour Caribou qui semble toujours plongé entre deux époques. Les compositions sont assurément de grande qualité, mais Our Love n’arrive quand même pas à rivaliser avec l’excellent Andorra lancé en 2007. (novembre 2014)

Le Montréalais fête ses 80 ans avec un tout nouvel album, qui s’inscrit parfaitement dans la lignée de Old Ideas paru il y a deux ans. Tout en respectant la tradition folk qu’il a lui-même développée dès les années 1960, il réussit à aller un peu plus loin avec l’intégration d’influences blues, gospel et même country (« Did I Ever Love You »). L’album est totalement dominé par le piano, avec également une bonne présence de voix féminines pour venir contraster sa voix de baryton plus basse que jamais. La plupart des 9 compositions surprennent par leur originalité dans un style qu’on pourrait croire surexploité, surtout en ces années de résurrection commerciale pour le folk. Il faut donc se rendre à l’évidence que parmi toute cette nouvelle génération bourrée de talent et d’ambition, ce sont des vieux routiers comme Cohen qui continuent de dominer la marche. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 35, 10 octobre 2014)

Marie-Ève Côté, qu’on a pu découvrir dans l’édition de 2004 de Star Académie, présente son deuxième album. Il s’agit d’un album-concept où la mélancolie et la nostalgie côtoient l’espoir et l’amour. Pour la première fois, c’est en tant qu’auteure-compositeure et interprète qu’elle s’offre à nous, appuyée par le réalisateur Jeff Grenier (Hugo Lapointe, David Jalbert, Mélanie Renaud) et l’arrangeur Claude Pineault. Elle interprète 12 chansons douces dans lesquelles ce sont les subtilités de sa voix qui nous transportent plutôt que sa puissance brute. On peut tout de même découvrir toutes les possibilités de sa très belle voix. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 38, 31 octobre 2014)

Sur ce 12e album, Melissa Etheridge s’entoure de nombreux collaborateurs pour offrir des styles variés, parfois assez loin de ce à quoi elle nous a habitués. On retrouve entre autres plusieurs spécialistes de R&B dont Roccstar, Jon Levine et Jerry Wonder. Il y a aussi des choix plus logiques comme l’auteur Jerrod Bettis qui a travaillé avec Adele et Gavin DeGraw. Plus pop et énergique que la majorité de ses albums passés, This is M.E. risque d’être très plaisant à présenter en spectacle par la chanteuse alors qu’elle pourra vraiment s’éclater. C’est seulement dommage que les différents essais ne soient pas toujours fructueux et qu’ils n’aillent pas tous bien ensemble. De plus, ses fans de musique roots risquent de rester sur leur appétit. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 35, 24 octobre 2014)

Ce chansonnier du Saguenay-Lac-Saint-Jean s’est surtout fait connaître depuis 30 ans pour ses interprétations de géants de la chanson française. En plus d’être reconnu comme le plus grand interprète de Brel au Québec, il a chanté les textes de Brassens, Ferré, Reggiani, Ferrat, mais aussi de Claude Léveillée. Sur Léo du Lac, ce sont ses propres mots qu’il nous offre avec beaucoup d’authenticité. La pianiste Jocelyne Tremblay signe 7 des 13 musiques, alors que Fournier a lui-même composé la musique des autres chansons. Enregistré et réalisé par l’auteur-compositeur et interprète Jean Custeau, l’album paraît malheureusement en son absence alors qu’il nous a quittés subitement en août dernier. Sur Léo du Lac, Pierrot Fournier présente non seulement son amour de la chanson française, mais aussi la valse, le tango et le musette. (novembre 2014)

Le duo composé de May L’Archevêque-Wells (voix, guitares) et Olivier Mimeault (guitares) s’est formé en 2009 au Collège Saint-Sacrement de Terrebonne. Ils ont produit deux albums depuis ce temps et nous arrivent maintenant avec un troisième disque dans le plus pur style pop rock. The Garlics partagent ce nouvel album entre des textes en anglais et en français, mais leur musique est toujours aussi énergique et les mélodies, tout simplement inoubliables. L’album a été réalisé et mixé par John Nathaniel qui participe aussi à l’écriture des chansons. À noter la participation de Sébastien Lefebvre (Simple Plan) pour sa collaboration à l’écriture du texte de « Sleep Tonight ». Sans renverser les barrières du genre, les Garlics proposent un album très efficace, un excellent divertissement. (novembre 2014)

Vidéoclip : « Hey Pretty Face »

Après le très efficace I Remember Me il y a trois ans, la chanteuse R&B de Chicago est de retour avec un troisième album qui poursuit dans la même veine. On y retrouve quelques éléments vieillots rappelant le disco et la pop du début des années 1980. Les compositions de Pharrell Williams sont particulièrement réussies, surtout le premier extrait, « I Can’t Describe » (avec T.I.). On retrouve aussi un très bon titre de R. Kelly, « It’s Your World ». Parmi les autres collaborateurs à l’album, notons Iggy Azalea et Timbaland. C’est un album passablement énergique que nous propose Jennifer Hudson, un album qui vous fera bouger tout en mettant en évidence la très belle voix de la chanteuse. (novembre 2014)

Vidéoclips : « I Can’t Describe » - « Walk It Out »

Le groupe de rock alternatif expérimental danois présente un troisième album sur lequel il laisse de côté son style hardcore. Il intègre en effet des instruments acoustiques à l’ensemble laissant du même coup beaucoup plus d’espace pour respirer. Les influences folk et blues sont évidentes, mais le ton monocorde du chanteur Elias Bender Rønnenfelt peut devenir passablement agaçant sur le long terme. L’expérimentation demeure au rendez-vous avec des superpositions de rythmes à la limite de la cacophonie en plusieurs occasions. Il s’agit donc encore une fois d’un album créatif pour Iceage, mais tellement difficile à apprécier aux premières écoutes qu’il peut en devenir décourageant de tant vouloir y adhérer. En plus, est-ce que ce virage moins punk plaira à leurs fans? Pas certain. (novembre 2014)

Pour son dixième album, Lenny Kravitz laisse de côté tout message sociopolitique exploité sur Black and White America. De par le titre de l’album et la première pièce simplement intitulée « Sex », on comprend que le New-yorkais a bien l’intention de se laisser aller dans les plaisirs de la chair. Il présente de bonne pièces entraînantes, tout ce qu’il faut pour se déhancher allègrement. Ces rythmes contagieux s’étirent souvent sur plusieurs minutes, pour un album de 12 pièces totalisant 53 minutes. L’efficacité du disque, sans prétention, le rend tout à fait captivant, comme quoi ce n’est pas nécessairement quand il traite de sujets sérieux qu’il est à son meilleur. Quelques ballades manquent quelque peu d’intérêt, comme par exemple la reprise de Smokey Robinson, « Ooo Baby Baby ». Mais l’ensemble demeure très intéressant et permet l’ajout d’un morceau important à son répertoire. (novembre 2014)

Vidéoclip : « The Chamber »

Pour son 4e album, Maxime Landry a décidé de revenir à son influence première, le country. Il signe 8 des 12 titres offerts et se permet des duos avec Laurence Jalbert, Paul Daraîche et Renée Martel. En conclusion, on peut même entendre les trois artistes accompagner Landry dans l’interprétation de « Un coin du ciel », le classique de Marcel Martel. Réalisé par Scott Price, 3e Rue Sud présente Maxime Landry sous un jour nouveau, même si le traitement musical demeure plutôt pop. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 38, 31 octobre 2014)

Matt Laurent est un auteur-compositeur et interprète de talent qui roule sa bosse depuis plusieurs années, mais il est aussi reconnu comme réalisateur et arrangeur, en plus d’avoir écrit plusieurs succès pour d’autres artistes. Son plus récent projet, Lucky Uke, lui a permis de rejoindre un nouveau public avec ses reprises au ukulélé de succès hard rock des années 1980 comme « Cum On Feel the Noize » et « We’re Not Gonna Take It ». Sur ce quatrième album solo éponyme, Laurent présente une majorité de textes en anglais sauf pour une paire d’exceptions en français dont le premier extrait, « On va s’parler d’amour ». Il présente deux duos : « Until You Go (Un jour d’été) » avec France D’Amour et l’excellente « Please, Please Stay » avec Colbie Caillat. On peut aussi entendre sa douce version de « Drive My Car » des Beatles. Ce qui frappe rapidement avec ce nouvel album, c’est l’efficacité incomparable des mélodies qui nous entrent rapidement en tête. On retrouve peu de moments faibles parmi les 11 titres de l’album qui s’enchaînent de très belle façon. Voici donc un excellent disque de la part de Matt Laurent. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 35, 10 octobre 2014)

Nico Sereba et Vincent Dery sont un duo d’Oslo en Norvège et ils ont commencé à travailler ensemble en 2012 sous le nom d’Envy. Après avoir changé de nom en 2013, ils proposent maintenant leur premier album en tant que Nico & Vinz. Ils jouent un R&B à forte tendance pop et incluent à leur répertoire quelques ballades poignantes malgré une musique généralement bien rythmée. En fait, leur son s’approche beaucoup plus d’une pop afro-beat que d’une musique scandinave. On peut les comparer en partie à Bruno Mars, mais certains pourront aussi faire un parallèle avec Sting en certaines occasions. Le principal problème, c’est qu’ils sont trop facilement comparables à d’autres artistes du genre, preuve de leur manque de personnalité. Résultat, malgré un son qui plaît au départ, on se lasse rapidement lorsque l’on commence à se perdre dans le jeu des comparaisons. En plus, avec 21 titres totalisant près de 60 minutes, l’album ne vous donne que bien peu de chances de patienter jusqu’à la fin. (novembre 2014)

Mario Pelchat fête 34 ans de carrière en présentant son 16e album à son fervent public. Fidèle à lui-même, il offre d’excellentes mélodies qui ont tout pour plaire à nouveau à ses nombreuses admiratrices. Et il faut le dire, sa voix demeure toujours aussi puissante, même surprenante en plusieurs occasions. Le chanteur du Lac St-Jean est toujours resté honnête vis-à-vis son auditoire et il le prouve encore une fois avec Un homme qui vous ressemble. À noter l’excellente réalisation de Peter Ranallo. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 36, 17 octobre 2014)

Ce sont deux albums en simultanée que présente Prince alors qu’en plus de son album solo Art Official Age, il offre aussi un disque en compagnie du trio féminin 3rdEyeGirl, PlectrumElectrum. Pour Art Official Age, Prince n’hésite pas à revenir à un son funky des années 1980 pour meubler sa musique R&B et électronique tout de même contemporaine. Les chansons dansantes sont nombreuses et il intègre aussi du rap dans certains couplets. En fait, Prince présente encore une fois ce qu’il fait de mieux avec un mélange de tout ce qui l’inspire. Malheureusement, malgré une bonne créativité dans l’ensemble, plusieurs chansons sont dénuées d’intérêt ce qui favorise de faire des sauts en de nombreuses occasions. Prince a beau demeurer un artiste original dans sa façon de créer, il demeure qu’il a de la difficulté à présenter de bons albums complets depuis plusieurs années déjà. (novembre 2014)

Sur À la croisée des silences, Chloé Sainte-Marie interprète les textes de poètes québécois sur des musiques d’Yves Desrosiers et Sylvie Paquette, et des arrangements de Réjean Bouchard. Les 57 poèmes présentés sur 2 CD incluent entre autres des oeuvres de Claude Gauvreau, Fernand Ouellette, Roland Giguère, Gilbert Langevin, Hector de Saint-Denys Garneau et Anne Hébert. Les CD sont inclus dans un livre offrant tous les poèmes sur papier. Après cinq ans de deuil, Chloé Sainte-Marie renaît véritablement avec cet album double. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 37, 24 octobre 2014)

Nikki Sixx, le bassiste et principal compositeur de Mötley Crüe, a décidé de créer son propre groupe en 2006 en compagnie du chanteur James Michael et de DJ Ashba. Sixx présente le troisième album de Sixx: A.M. dans la foulée de la tournée d’adieu de son groupe principal. Comme l’indique très bien le titre de Modern Vintage, le groupe emprunte aux éléments qui ont fait les heures de gloire du hard rock, tout en utilisant un peu plus la technologie moderne, avec entre autres de l’électronique dans les rythmes et les textures. L’album est plus accessible et dansant que les deux disques précédents du groupe, mais il demeure tout de même bien enraciné dans le rock. Un rock efficace du 21e siècle, à mille lieux de ce que Sixx a pu écrire pour Mötley Crüe depuis les années 1990. Alors que Mötley Crüe fait ses adieux, Sixx: A.M. semble vouloir prendre son envol avec assurément son meilleur album. À noter leur version très moderne de « Drive » de The Cars. (novembre 2014)

Cosmopolitanie est le troisième album solo du rappeur/chanteur marseillais Soprano. Sur ce nouveau disque, il présente beaucoup plus que du rap, n’hésitant pas à alterner entre rap et chant sur des pièces variées qui vont jusqu’à la pop énergique, le gospel et la ballade. Il explore encore des thèmes sérieux, qui lui tiennent à coeur, mais on retrouve un peu plus de titres orientés vers le grand public. Même si Soprano semble tout aussi à l’aise dans les différents styles qu’il expérimente, il reste que le passage de chansons pop dansantes à des pièces plus intimistes ou du rap sombre n’est pas toujours joyeux. En fait, la ligne directrice est difficile à suivre et on en vient à décrocher tellement les contrastes sont grands. Prises individuellement, la majorité des chansons sont efficaces, mais c’est l’enchaînement qui laisse à désirer. (novembre 2014)

Vidéoclips : « Cosmo » - « Préface »

Ce sixième album de Mara Tremblay nous arrive cinq ans après l’excellent Tu m’intimides. Réalisé par ses vieux complices Olivier Langevin et Pierre Girard, À la manière des anges se présente comme une suite logique à son précédent disque avec de superbes ambiances sonores créées par les synthétiseurs, des arrangements minutieux de cordes et des guitares captivantes. Ses influences country ne sont plus vraiment au rendez-vous, sauf dans « Nostalgie » et dans une adaptation française de Dolly Parton, « Les arbres sont bleus ». Par contre, sa poésie est plus efficace que jamais. Même si moins surprenant que Tu m’intimides, ce nouvel opus de la chanteuse demeure à un haut niveau de qualité. (novembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 37, 24 octobre 2014)

Dans un tel désir de revenir au son de leurs débuts, Weezer ont décidé d’embaucher à nouveau Ric Ocasek pour réaliser leur neuvième album. Après le tournant pop de Raditude et le retour dans l’underground avec Hurley, le groupe retrouve le chemin du rock propre et de grande envergure sur Everything Will Be Alright in the End. Même s’il est de retour en territoire connu, Rivers Cuomo se permet tout de même quelques explorations musicales, dont une conclusion à tendance progressive. Mais il faut l’avouer, l’essentiel de cet album présente le son que Weezer fait le mieux et qui a permis au groupe de se créer toute sa base de fans. Même si les surprises sont un peu moins au rendez-vous sur ce nouveau disque, il plaira assurément à une grande partie de leur fidèle auditoire. (novembre 2014)

Vidéoclip : « Back to the Shack »

Quatre ans après Chasser le malheur, Justine Laberge et David Bussières reviennent avec un nouvel album. Encore une fois rempli de vers d’oreille, Nos coeurs ensemble  présente une pop aux influences des années 1980, mais au goût d’aujourd’hui. Le côté électronique créé par l’utilisation constante de claviers se mêle admirablement aux guitares pour un style toujours accessible et agréable à l’oreille. Dès le premier extrait, « Lumière », Alfa Rococo nous accueille dans son univers duquel nous n’avons plus aucune envie de nous échapper pour les 45 prochaines minutes. (octobre 2014)

Vidéoclip : « Lumière »

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 32, 19 septembre 2014)

Après un premier album qui a fait des vagues dans le milieu indie rock (An Awesome Wave), le groupe de Leeds en Angleterre revient en force avec This Is All Yours. L’introduction expérimentale, presque new age, annonce un virage musical pour Alt-J, mais on entend ensuite des morceaux dans la lignée de ce qu’ils nous ont déjà offert. Il y a bien certaines expérimentations plus champ gauche en différentes occasions, mais à part qu’on sent des influences de Peter Gabriel, ça cadre toujours assez bien dans leur style souvent plus éclaté que la moyenne. Peu de titres ressortent de l’ensemble, si ce n’est que la très efficace et énergique « Left Hand Free ». Par contre, l’album présente plusieurs compositions de très grande qualité et c’est là qu’ils réussissent à nous prouver que l’on doit continuer de s’intéresser à eux. À suivre de près pour les années à venir! (octobre 2014)

Vidéoclips : « Left Hand Free » - « Hunger of the Pine » - « Every Other Freckle »

Natif d’Halifax, le petit frère de Paul Aucoin nous revient avec un nouvel album dans le genre indie rock quelque peu éclaté. Inspiré de l’histoire du Petit Prince d’Antoine de Saint-Exupéry, Epĥemeral présente une musique majoritairement électronique et de grande envergure, digne des spectacles d’Aucoin. Des refrains puissants accompagnent les guitares efficaces et les rythmes endiablés de l’album qui possède une énergie hors du commun. Mais surtout, Rich Aucoin nous offre de très solides compositions, originales et difficiles à comparer. Le principal défaut d’Ephemeral est qu’il nous paraît beaucoup trop court avec seulement 10 pièces totalisant 30 minutes. (octobre 2014)

Vidéoclips : « Are You Experiencing? » - « Yelling in Sleep »

Connue pour son travail avec Bet.e & Stef et Beast, ainsi que sa participation aux Triplettes de Belleville et sa collaboration avec DJ Champion, Betty Bonifassi présente finalement un premier album sous son propre nom. L’une des plus grandes voix au pays, elle se sert ici de son instrument pour interpréter des chants traditionnels de travail chantés par des esclaves ou des prisonniers et répertoriés par Alan Lomax. Les musiques sont principalement de Betty et Jean-François Lemieux avec quelques collaborateurs. On retrouve aussi deux chansons originales : « Working Down » et « How Does It Feel ». Musicalement, l’album s’avère plutôt inclassable avec des éléments de jazz, de soul, de funk, de rock et de trip hop. Extrêmement créatif, le disque se veut un excellent hommage aux esclaves africains déportés en Amérique à des fins de main-d’oeuvre. En plus, le CD est présenté dans un très beau livret rigide, question de nous donner le goût de nous procurer le CD plutôt que la version numérique. (octobre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 34, 3 octobre 2014)

Sur son premier album, Steph Cameron semble revenir aux racines mêmes du folk, un style que Bob Dylan a su rendre plus grand que nature dans les années 1960. La jeune auteure-compositeure et interprète de la Colombie-Britannique n’a pris que 3 jours à l’été 2014 pour enregistrer son album à Toronto. En plus de ses influences folks des années 1960, on peut entendre certaines influences de blues et de bluegrass. Elle possède un style unique à la guitare avec un jeu sec et rythmé qui devient rapidement le coeur de l’album, avec sa voix évidemment. Voici un premier album très réussi par une chanteuse folk des temps modernes qui n’hésite pas à se tourner vers ses inspirations de départ. (octobre 2014)

Adam Cohen a lancé We Go Home à seulement une semaine de la sortie d’un nouvel album par son père, Leonard. Bizarrement, Adam n’a jamais autant sonné comme son père avec un disque intimiste de folk pop centré sur sa voix et la guitare acoustique. Avant de présenter We Go Home, il avait complété un autre album entier qu’il a jeté à la poubelle. Il a plutôt décidé de retrouver ses racines, ses influences premières. Enregistré en partie à Montréal et sur l’île d’Hydra en Grèce, We Go Home a été coréalisé par son ami et collaborateur de longue date, le multi-instrumentiste Don Miguel. Adam peut compter sur plusieurs musiciennes de grand talent pour ce quatrième album, dont la violoncelliste, guitariste et choriste Mai Bloomfield. (octobre 2014)

Vidéoclip : « We Go Home »

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 34, 3 octobre 2014)

Après des années difficiles suite à la fin de leur contrat avec Geffen, le groupe rock alternatif de San Francisco revient en force avec Somewhere Under Wonderland. Plus relaxe et optimiste, le groupe semble prêt à un renouveau après plus de 20 ans de carrière. Les gars se permettent même de débuter l’album avec une longue chanson de plus de 8 minutes avec différentes ambiances, « Palisades Park », une décision ambitieuse mais qui fonctionne à merveille. Counting Crows n’hésitent pas à se promener entre un son rock énergique, des pièces à tendance un peu plus country et des morceaux de folk doux à la guitare acoustique. L’équilibre est plutôt bon tout au long du disque et leurs fans y trouveront certainement satisfaction. Le groupe présente probablement son meilleur album depuis bien longtemps. (octobre 2014)

Vidéoclip : « Palisades Park »

C’est avec ce cinquième album qu’Étienne Drapeau fête ses 10 ans de carrière, deux ans après Le monde est beau. Il signe tous les textes et a demandé les services de Marc Dupré à la direction artistique ainsi que pour la composition de quelques musiques. La réalisation a quant elle été confiée à Gautier Marinof (Céline Dion, Garou, Marc Dupré, Lynda Lemay, Patrick Norman). La chanson-titre connaît déjà un immense succès depuis le début de l’été. À l’image de la plupart des autres pièces, on y retrouve un texte romantique et un rythme entraînant. On peut tout de même découvrir quelques autres thèmes parmi les 12 titres de l’album dont « Réparer les coeurs » qui a été écrite pour Sainte-Justine au coeur du monde dont Étienne est porte-parole.  (octobre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 34, 3 octobre 2014)

Cet ex-membre des Respectables présente déjà son troisième album solo. Le multi-instrumentiste et excellent mélodiste propose des chansons remplies de questionnements sur notre mode de vie effréné. Son style pop rock s’aventure parfois vers le folk, et il présente des ballades d’une grande efficacité. Par contre, on retrouve toujours quelques bonnes pièces énergiques qui peuvent rappeler vaguement ses 17 ans avec le groupe rock le plus populaire au Québec. (octobre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 36, 17 octobre 2014)

Electric Youth est un duo électro-pop de Toronto formé de Bronwyn Griffin pour la voix et Austin Garrick pour les musiques. Le couple a formé le duo en 2009 avant de se faire découvrir grâce à la bande originale du film Drive en 2011. Ils proposent une musique riche et très cinématographique qui a tout pour survivre aux courants musicaux. C’est d’ailleurs leur objectif que leur album devienne le préféré de gens qui ne sont pas encore nés. Avec Innerworld, Electric Youth présentent enfin leur premier album complet. Grâce à l’utilisation de nombreux synthétiseurs d’une autre époque, le son de l’album est à 80 % analogique. Il est donc digne de la musique électronique des années 1980, un accompagnement idéal pour tout film d’adolescents de cette époque. Par contre, il demeure plutôt unidimensionnel avec une constante mélancolie qui peut devenir agaçante à la longue. (octobre 2014)

Vidéoclips : « Innocence » - « Runaway »

Pour ce nouvel album, la voix et la guitare de Piers Faccini s’accompagnent du violoncelle de Vincent Ségal pour interpréter autant des reprises que des chansons originales. Faccini et Ségal se sont rencontrés il y a 25 ans, et leur complicité musicale a été instantanée. Après diverses collaborations à travers leurs carrières respectives, les deux musiciens travaillent finalement ensemble sur un album conjoint. On retrouve on peu tous les styles sur cet album, même si le dénominateur commun demeure le lien entre la voix, la guitare et le violoncelle. Des moments de blues et de jazz se côtoient, et ce dans toutes les langues. On retrouve même un morceau de créole, « Mangé pou le coeur » du Réunionnais Alain Péters, ainsi qu’une valse country, « Quicksilver Daydreams of Maria » de Townes Van Zandt. Le répertoire napolitain traditionnel et contemporain est également exploré. Faccini reprend deux de ses titres de 1996, « A Half of Me » et « The Closing of Our Eyes ». Quant à Ségal, il présente deux nouvelles chansons : « Cradle to the Grave » et « Everyday Away From You ». (octobre 2014)

L’ensemble Fiestango est le groupe de tango le plus en vogue à Montréal. Amélie Lamontagne (violon), Geneviève Bigonnesse (contrebasse) et Janie Caron (piano) sont accompagnées de l’actrice Maude Guérin (voix), Luis Lopez (cajon), Frédéric Demers (trompette) et Alexandre Ethier (guitare). Clair-obscur est un album qui se promène entre l’ombre et la lumière avec une alternance de mélodies poignantes, de violents accords et de sons doux. Le trio revisite de grandes oeuvres du tango (« La Cumparsita »), mais aussi des morceaux originaux dont « Les Mélanco-oliques » d’Helmut Lipsky. On peut aussi entendre des oeuvres du Montréalais reconnu internationalement Victor Simon. L’ensemble Fiestango fête ses 10 ans de carrière cette année et voici un très bon album pour célébrer cet anniversaire. (octobre 2014)

Le rappeur est de retour avec son cinquième album, un disque sur lequel il semble vouloir devenir un peu plus sérieux. Malgré tout, on retrouve encore à profusion ses thèmes préférés de l’argent, de la drogue et du sexe, avec quelques pièces aux ambiances de clubs de danseuses. Plusieurs mélodies sont grandement réussies, mais il manque une certaine dose de créativité à ses compositions et surtout à ses textes pour faire de Blacc Hollywood un album de premier plan. On retrouve plusieurs collaborateurs célèbres, et c’est là l’un des éléments les plus intéressants du disque. On peut entendre entre autres Juicy J, Curren$y, Nas, Rick Ross, Snoop Dogg et Nicki Minaj. Sans être mauvais, Blacc Hollywood aurait eu besoin d’un coup de pouce créatif pour en faire un album de grande qualité pour Wiz Khalifa. (octobre 2014)

Vidéoclips : « We Dem Boyz » - « KK » - « Promises »

La Néo-Zélandaise de 24 ans est de retour avec un deuxième album, trois ans après Vows qui avait su attirer grandement l’attention. Mais c’est surtout son duo avec Gotye pour le mégasuccès « Somebody That I Used to Know » qui l’a fait connaître du monde entier. Elle présente encore une fois un excellent mélange d’indie pop et de R&B avec de superbes mélodies vocales sur une musique inspirée et enivrante. Elle s’entoure de nombreux collaborateurs d’horizons divers avec des membres de The Mars Volta, Muse, Silverchair, etc., en plus de John Legend et Bilal. Pourtant, malgré ces gens aux styles très variés, Kimbra conserve un contrôle parfait sur son album qui ne part aucunement dans toutes sortes de directions. C’est sa personnalité qui ressort tout au long des 12 pièces pour un album extrêmement cohérent jusqu’à la fin. En ce sens, elle réussit un coup de maître qui rend The Golden Echo encore plus intéressant que son premier disque. Voici donc un très bon exemple d’album qui emprunte aux styles du passé pour en faire une très bonne musique actuelle. (octobre 2014)

Vidéoclips : « 90s Music » - « Miracle »

Actrice de talent, La Bronze s’est fait découvrir en tant qu’auteure-compositrice et interprète dans le cadre de divers concours au Québec et en Ontario. Elle signe maintenant la majorité des textes et des musiques de son tout premier album. Elle propose un son pop rock intégrant des influences électroniques qui peut s’apparenter au trip hop de Portishead par moments. Réalisé par Sébastien Blais-Montpetit (Radio Radio, DJ Champion, Caracol), l’album compte aussi des collaborateurs de renom : Misteur Valaire pour la musique de « Mon coeur est fauve » et Moran pour le texte de « Pas de mâle ». Non seulement la musique de La Bronze est originale, mais sa poésie présente des sonorités grandement intéressantes qui nous accrochent littéralement. Voici donc un premier album extrêmement réussi par cette artiste débordante de créativité. (octobre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 33, 26 septembre 2014)

Pour son nouvel album, le groupe ontarien The Mandevilles a demandé les services du réalisateur GGGarth Richardson (Rage Against the Machine, Biffy Clyro). Encore une fois, le groupe présente son mélange unique de rock ‘n’ roll et roots avec une touche de country évidente par moments, un mélange qui peut rappeler Fleetwood Mac, Tom Petty ou Melissa Etheridge. Windows and Stones a été enregistré à Vancouver pratiquement live en studio, ce qui donne plus que jamais le feeling des concerts du groupe. En plus, le quatuor a accueilli un 5e membre, Waylon Glintz, et tous ont participé à l’écriture du disque dans la collégialité. Il en résulte l’album le plus cru du groupe, le plus près de ce qu’ils sont réellement sur scène. En plus, ce troisième opus offre plusieurs excellentes compositions. Il s’agit donc probablement de leur meilleur album à ce jour pour The Mandevilles. (octobre 2014)

Vidéoclip : « Hangovers »

Après une longue période de confusion, l’artiste irlandaise est revenue avec un album sur lequel elle offrait ce qu’elle fait de mieux, soit d’excellentes mélodies pop, sur How About I Be Me (And You Be You)? en 2012. Elle poursuit dans la même tendance avec I’m Not Bossy, I’m the Boss, qui s’ouvre avec ce qui serait la chanson-titre de son disque précédent. Elle présente plusieurs très bonnes chansons pop rock. Le saxophoniste Seun Kuti prête son instrument à la funky « James Brown », alors que l’on peut entendre le travail de Brian Eno à différents moments, lui qui vient ajouter des textures à la musique plus directe de Sinéad. Sans égaler ce qu’elle a produit de meilleur au début de sa carrière, I’m Not Bossy, I’m the Boss présente une musique de qualité pour Sinéad O’Connor, question de nous faire oublier ses années d’errance. (octobre 2014)

Vidéoclip : « Take Me To Church »

Le groupe suédois qui existe depuis plus de 20 ans nous présente un autre album dans la lignée d’Heritage, paru en 2011. Leurs fans avaient alors crié à la trahison Opeth ayant fait un virage plus progressif, laissant du même coup de côté leur son death metal caractéristique. Ces fans risquent donc de passer tout droit de Pale Communion qui donne encore une fois dans un style beaucoup plus doux où les expérimentations progressives dominent largement sur les ambiances gothiques qu’ils créaient dans le passé. En échange, les amateurs de King Crimson et Deep Purple risquent de se retrouver dans la musique d’Opeth qui tout en étant plus actuelle, peut facilement être comparée avec ces légendes du rock des années 1970. Il y a deux façons de prendre cet album : en le comparant avec ce qu’ils ont fait auparavant ou en remettant les compteurs à zéro. Si on compare Pale Communion avec leurs oeuvres précédentes, on peut effectivement trouver que le groupe se trahit lui-même et de ce point de vue, on peut en ressortir plutôt négatif. Par contre, si on ne prend que l’album tel qu’il est sans se préoccuper de leur passé, on réalise que tous les ingrédients sont présents pour un album de grande qualité et original. Un peu plus de puissance dans la réalisation aurait toutefois été appréciée. (octobre 2014)

Sur cet album, Bruno Pelletier s’associe au musicien multi-instrumentiste et réalisateur Guy St-Onge pour interpréter quelques-unes des plus belles musiques de films avec de nouveaux arrangements, plus symphoniques. Parmi les morceaux incontournables chargés d’émotions, on retrouve « Le coeur est un oiseau » (Le Party), « Calling You » (Bagdad Café), « Your Song » (Moulin Rouge), « The Long and Winding Road » (Let It Be), « Against All Odds » (Against All Odds), « Love Song » (50 First Dates), et plusieurs autres. Cet album aux interprétations magnifiques vous permettra de redécouvrir certaines des musiques de films les plus populaires et de revoir les images qui y sont associées. (octobre 2014)

Introduction

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 33, 26 septembre 2014)

Même si l’ex-Led Zeppelin est finalement retourné dans son Angleterre natale après un long séjour en Amérique, il poursuit ici dans la lignée de Band of Joy paru en 2010. Cette fois-ci par contre il s’entoure de nouveaux musiciens, les Sensational Space Shifters, et présente des chansons originales. Plant explore différents styles de rock et de folk, atteignant même parfois des extrêmes ambiants presque inquiétants, à la limite du new age. Souvent enivrante et captivante, sa musique peut aussi aller dans des territoires plus habituels avec un rock qui n’est pas sans nous rappeler le Led Zeppelin de la période « Kashmir ». Sur ce nouveau disque, Robert Plant réussit encore à prouver que c’est possible de s’influencer du passé pour créer une musique nouvelle. En fait, elle en devient même déstabilisante et il faut un certain temps pour adhérer à ce style unique. Bon, il y a bien quelques morceaux un peu plus soporifiques, mais l’ensemble demeure de grande qualité. C’est seulement dommage que l’on ne puisse plus entendre cette voix qui nous a fait vibrer, premièrement parce que la puissance n’y est plus et deuxièmement parce que la musique souvent douce ne s’y prête pas tellement. (octobre 2014)

Vidéoclip : « Rainbow »

Le groupe métal de Des Moines en Iowa nous arrive avec un premier album en 6 ans, le premier depuis le décès du bassiste Paul Gray en 2010 qui les a tous grandement affectés. Il s’agit aussi de leur premier enregistrement sans le batteur Joey Jordison qui a quitté en 2013. Malgré une section rythmique renouvelée, le groupe n’a rien perdu de son dynamisme, et ce 5e disque studio pour Slipknot présente un mélange très efficace entre le métal brut de leurs débuts et les lignes mélodiques des années plus récentes. Le groupe poursuit habilement dans sa mission de nous en mettre plein les oreilles avec cet album de 14 pièces totalisant près de 74 minutes. (octobre 2014)

Vidéoclips : « The Negative One » - « The Devil in I »

L’auteure-compositeure et interprète native de Calgary et maintenant établie en Colombie-Britannique nous revient avec un nouvel album, toujours dans le style indie rock avec de fortes influences de folk. Aussi poète et rappeuse à ses heures, elle assume en plus le rôle de réalisatrice et joue tous les instruments. Sur From Far Away, elle nous offre 10 titres totalisant seulement 32 minutes qui naviguent entre chansons rock musclées et doux moments acoustiques. Malheureusement, elle tente tellement de tout faire en si peu de temps qu’elle en perd énormément de cohérence. L’album devient alors rapidement décousu et il est bien difficile de demeurer captivé jusqu’à la fin. Dommage, car ce n’est pas le talent qui manque chez cette artiste multidisciplinaire. (octobre 2014)

Le groupe indie folk canadien est en constante évolution, et c’est encore le cas sur Between Colours. Le groupe ajoute encore plus de richesse à son son folk de grande envergure. Parfois plus rock, leur style devient aussi de plus en plus cinématographique. Le groupe compte sur des collaborateurs d’envergure comme Michael Phillip Wojewoda (Rheostatics) au thérémine et Alex Lifeson (Rush) à la guitare pour un solo mémorable. Between Colours contient une richesse d’instrumentation incomparable grâce à l’ajout de synthétiseurs et la superposition de plusieurs guitares, sans oublier l’alternance des voix entre Will Whitwham et Amanda Balsys. (octobre 2014)

Le Montréalais d’adoption et Libanais d’origine est de retour avec un nouvel album combinant R&B, pop et hip hop. Parmi les 16 chansons de son cinquième album, on retrouve par contre peu de succès instantanés. Il n’y a en fait que « Summertime » qui possède tout le potentiel nécessaire pour atteindre les sommets. Pour le reste, il s’agit essentiellement d’une musique R&B assez standard avec un certain manque de créativité. À noter, sa bonne reprise énergique de « Go Your Own Way » de Fleetwood Mac. (octobre 2014)

Vidéoclips : « Summertime/Let’s Get Rowdy » - « Go Your Own Way »

Constance Amiot est née en Côte d’Ivoire et a grandi au Cameroun puis aux États-Unis. Elle puise donc ses influences dans les musiques du monde pour nous offrir un son pop folk tout en douceur. Elle propose plusieurs titres en français dont le premier extrait, « Montparnasse », mais aussi de nombreux textes en anglais. Sur « Résonances », Constance s’offre un superbe duo avec Jean-Pierre Nataf, leader du groupe Les Innocents, très populaire dans les années 1990. La douce guitare et la voix feutrée de Constance Amiot nous bercent inlassablement tout au long des 12 pièces du disque qui s’enchaînent rapidement pendant moins de 34 minutes. (septembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 33, 26 septembre 2014)

Avant son décès le 25 février 2014, Angèle Arsenault avait travaillé à de nouvelles chansons, enregistrées en 2012-2013. Voici donc l’album posthume Vivre! qui contient 16 pièces dont 12 nouvelles de la part de l’Acadienne de l’Île-du-Prince-Édouard. Elle passe le message de vivre pleinement notre vie en chantant, en pleurant et en dansant avec nos amis et notre famille. Angèle était sur le point de présenter un disque en anglais à ses fans acadiens anglophones qui le réclamaient depuis longtemps et Home est offert ici en boni. Il contient 16 enregistrements bruts, sans ajout d’instruments ou de voix. Voici donc le cadeau ultime à ses fans. (septembre 2014)

(lire aussi dans le magazine Vol. 10 No 31, 12 septembre 2014)

La Française d’origine nigériane présente un troisième album plus pop, clairement moulé pour rejoindre un plus vaste auditoire. On reconnaît toujours son phrasé unique qui la rend irrésistible en plusieurs occasions. Par contre, sa musique perd pratiquement tout ce qu’elle contenait d’influences africaines, incluant les textes en yoruba. Elle coécrit deux chansons avec Piers Faccini, dont l’excellente « Bed of Stone » qui donnera son titre à l’album. Même si elle perd quelque peu de sa singularité avec Bed of Stone, Asa présente tout de même quelques bonnes chansons de soul avec un très fort emballage pop. (septembre 2014)

Vidéoclip : « Dead Again »

Véritable homme-orchestre, Alexandre Leclerc-Bernier (alias Bernhari) présente une musique indie rock à tendance pop shoegaze en français. Naviguant entre les univers de Dumas, My Bloody Valentine et Claude Léveillée, il propose une musique unique, une certaine rêverie enivrante. Réalisé par Emmanuel Éthier (Jimmy Hunt, Peter Peter, Kandle), ce premier album éponyme offre une belle profondeur musicale, magnifiquement orchestrée. La voix douce et timide de Bernhari vient s’ajouter telle un instrument de plus dans l’équation. Il semble obsédé par une façon de chanter typiquement française, mais ces manières se fusionnent suffisamment bien à sa musique pour qu’on en oublie les inconvénients. Sans être un grand disque dans le genre, voici un album intéressant et agréable à écouter. (septembre 2014)