3 Doors Down, Seventeen Days

50 Cent, The Massacre

50 Cent a fait une entrée remarquée dans le paysage hip hop en 2003, essentiellement grâce au coup de pouce de Eminem, mais aussi grâce à une personnalité particulière qui attire les curieux. En effet, ce n'est pas tous les jours que l'on voit un nouvel artiste se promener avec une horde de gardes du corps et une veste pare-balles. C'est que ce musicien au lourd passé criminel est sans cesse poursuivi par d'anciennes relations peu recommandables. Il affirme que c'est la musique qui lui a permis de se sortir de ce dangereux milieu, heureusement. La promotion autour de la sortie de son nouvel album a encore une fois été appuyée sur la réputation du bonhomme. Il devait être lancé à la St-Valentin et s'intituler Valentine's Day Massacre, mais on a repoussé sa sortie de quelques semaines et il s'intitule simplement The Massacre, rien de bien plus rassurant. Par contre, à part quelques coups de feu à l'occasion dont l'intro, c'est un album passablement doux que nous offre le gangster, avec même un peu de soul par moments. On y retrouve de très bonnes pièces comme le premier simple "Candy Shop", "Disco Inferno" et "In My Hood", en plus de nombreux collaborateurs comme Olivia, Tony Yayo, Jamie Foxx, G-Unit (groupe avec qui il a enregistré un album) et bien sûr Eminem. Mais, malgré ces points forts du disque, il y manque l'étincelle qui a permis à son premier album, Get Rich Or Die Tryin', de devenir le meilleur album hip hop de 2003. Plusieurs pièces se ressemblent et on ne retient pratiquement rien de cet album beaucoup trop long de 78 minutes (ce qui est souvent le cas dans le hip hop). C'est tout de même un bon album d'ambiance plutôt relaxant qui plaira sûrement aux amateurs du genre, sans toutefois révolutionner ce genre. (critique principale de mai 2005)

Aerosmith, Rockin' The Joint

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Même les détracteurs ont dû reconnaître que le pari osé d'Aerosmith de sortir un album de reprises avec Honkin' On Bobo a été assez réussi. De cette tournée n’est extrait qu’un excellent DVD qui rend hommage à une certaine jeunesse éternelle du groupe. En voilà pour preuve cette nouvelle leçon de blues rock en 11 chapitres et une intro. Enregistré à Las Vegas en 2002, il est extrait de la tournée de l’album Just Push Play (avant Honkin' On Bobo), et démontrait déjà le retour en force du groupe ! Seuls deux titres sont tirés de Just Push Play. C'est plutôt une succession de quelques pièces maîtresses de leur répertoire. Déjà pas mal de lives du groupe sont disponibles, à plusieurs de leurs époques, les denrées ne sont donc pas rares à ce niveau. Cette fois-ci, Tyler et sa bande ont volontairement choisi de faire un disque court, très rock, évitant de nombreux morceaux souvent revus (même si excellents), en ne conservant que les plus efficaces. Le groupe reste dans sa configuration habituelle, avec l'ajout d'un clavier. Sincèrement, sur scène on retrouve un Aerosmith éclatant, criant d'authenticité... Steven Tyler et Joe Perry, vitrine indiscutable du groupe, tiennent une forme hallucinante, eux, mega stars du rock n' roll. Le meilleur des cris bestiaux du chanteur et des solos classieux du guitariste. Content également de les voir finir sur deux grosses notes de rock, avec les incontournables "Walk This Way" et "Train Kept A Rollin’" (reprise mais grand classique du groupe !). C’est au final un très bon live pêchu et énergique livré par les américains ! (décembre 2005)

Alkaline Trio, Crimson

J'avoue que je ne connaissais pas le groupe de Chicago Alkaline Trio, même s'ils existent depuis presque 10 ans et qu'ils en sont déjà à leur 5e album (je ne peux quand même pas tous les connaître!). Mais, c'est une belle découverte à retardement que j'ai faite avec ce nouvel album. Le groupe nous offre un son qui passe par le pop/rock et le punk. Les 3 gars nous proposent de solides mélodies et des chansons énergiques à souhait qui peuvent nous rappeler les bonnes années de Blink 182. L'album a d'ailleurs été réalisé par Jerry Finn qui a aussi travaillé avec Blink sur le fameux Enema Of The State. La puissance de la réalisation met parfaitement en valeur chacune des chansons, surtout pour la section rythmique. On peut aussi les comparer à Sum 41, Simple Plan et Good Charlotte, mais j'ai également fait un parallèle à l'occasion avec AFI et certains côtés un peu plus sombres de la musique punk et gothique, même si le groupe demeure généralement pop. On sent certaines influences du rock alternatif des années 80 avec The Cure en tête et quelques moments m'ont rappelé les Misfits. L'utilisation de piano dans certaines pièces ajoute une belle richesse aux arrangements. Malgré la qualité de pièces comme "Time To Waste", "The Poison", "Mercy Me" et "Back To Hell", peu de titres ressortent vraiment parmi les 13 de l'album et certaines sont un peu plus ordinaires. Mais, en général, c'est un album qui s'écoute vraiment bien et qui me plaît plus que beaucoup d'autres dans le genre. Un point non négligeable est qu'on n'y trouve aucune ballade, même si certaines pièces sont un peu plus lentes. Veuillez noter que le CD contient une portion multimédia avec un vidéo de 7 minutes sur l'enregistrement de l'album. (novembre 2005)

Vagrant

½

Amber Pacific, The Possibility & The Promise

Amber Pacific est un nouveau groupe pop/punk de Seattle. Ils s'inspirent de groupes de la nouvelle génération comme Simple Plan, Matchbook Romance, 1208, Armor For Sleep, Motion City Soundtrack et plusieurs autres. Jusqu'ici, ils se sont surtout fait remarquer au Vans Warped Tour en 2004 et 2005, mais le lancement de ce premier album leur permettra d'étendre leur champ d'action. Avec leurs mélodies efficaces et accrocheuses à souhait, ils ont tout ce qu'il faut pour conquérir un public assez large d'adolescents (surtout d'adolescentes). Dirigé par le blondinet Matt Young au micro, la séduction devrait opérer avec le jeune public féminin si on leur donne la chance de se présenter sur les chaînes musicales. Sans être renversant, l'album contient de bien bonnes pièces incluant l'excellente "Gone So Young" qui risque de devenir un gros succès radio. Le groupe ose même ajouter un peu de profondeur musicale grâce entre autres à l'ajout d'une section de cordes dans "Everything We Were Has Become What We Are". Avec cet album, c'est une excellente carte de visite que nous présente Amber Pacific qui aura un futur probablement brillant. Surveillez-les de près dans les années à venir. (septembre 2005)

Hopeless

½

American Hi-Fi, Hearts On Parade

Voici le 3^e album du groupe américain American Hi-Fi. Pour cet album, lancé d’abord au Japon, ils ont eu bien de la difficulté à obtenir un contrat aux États-Unis. Ils nous offrent encore une fois un pop rock plutôt commun, un mélange de Cheap Trick, Sugar Ray, Smash Mouth et Maroon 5. Leur principal problème est le manque flagrant d’originalité, alors qu’on a l’impression d’entendre tous ces groupes sans qu’ils n’apportent quoi que ce soit de neuf. On retrouve quelques bonnes petites chansons pop qu’on peut fredonner facilement, mais qui sont complètement jetables et interchangeables. La question qu’on doit se poser c’est : « Pourquoi j’écouterais cet album plutôt que tous les autres bons qui apparaissent sur le marché semaine après semaine? ». La réponse est : « Il n’y a aucune raison! ». Donc, si vous ne pouvez vous passer des chansons que vous avez entendues à la radio, vous pouvez vous procurer Hearts On Parade, mais je ne peux garantir votre enchantement tout au long des 11 pièces. Ce qui est certain, c’est qu’on est bien loin de la qualité de leur album éponyme paru en 2001 et de leur excellent succès "Flavor Of The Weak". (septembre 2006)

Armor For Sleep, What To Do When You Are Dead

Le groupe du New Jersey Armor For Sleep nous présente son 2è album faisant suite à Dream To Make Believe paru en 2003. Les gars nous proposent un son rock moderne parfait pour les radios rock grâce à d'excellentes mélodies. Leur musique intègre quelques éléments de punk, de métal et de progressif, mais demeure tout de même totalement accessible. Avec ce nouvel album, le groupe va un peu plus loin et réussit à établir un style qui lui est propre, se différenciant de plus en plus de la marée de groupes rock qui envahit les radios. What To Do When You Are Dead est un album de rock bien fignolé et magnifiquement réalisé par Machine qui a travaillé entre autres avec Clutch, White Zombie et King Crimson. Chaque pièce, qui constitue un morceau du casse-tête que représente cet album concept, peut aussi s'écouter indépendamment du reste de l'ensemble, ce qui offre un potentiel intéressant pour lancer quelques simples. Par contre, il manque peut-être la bombe qui pourrait représenter un succès assuré et permettre au groupe de rejoindre un large public. En effet, peu de titres se démarquent véritablement parmi les 11 de l'album (qui dure 43 minutes). C'est tout de même un excellent produit qui plaira à bien des gens. (mars 2005)

Arseniq33, Courtepointes

Voici le nouvel album du groupe alternatif québécois Arseniq33, un groupe aux influences métal qui intègre également du punk et du ska à sa musique. Entièrement en français, leurs textes constituent essentiellement une critique sociale, une façon de passer leurs frustrations (et du même coup les nôtres). On n'a qu'à penser à "Cité Rock Suicide", un hymne à l'incontournable radio rock détente impossible à supporter. Leur musique, qui est plutôt difficile à décrire, se caractérise surtout par des changements fréquents de rythmes et de tempos. Les cuivres occupent une place importante et contribuent à établir la personnalité du groupe. L'éclectisme nous rappelle par moments Voïvod ("Assemblée de cuisine", etc.) et à d'autres moments Grimskunk ou Groovy Aardvark, les leaders du rock alternatif québécois. Réalisé par Fred Fortin, Courtepointes est un album difficile d'approche au premier abord, mais à lequel on s'habitue avec le temps, à condition évidemment d'aimer la musique lourde et souvent bizarre. Sans révolutionner le genre, il s'agit d'un album qui sera assurément plaisant à présenter en spectacle, grâce à des pièces locomotive comme "Malachop" et "Catherine". À surveiller dans les festivals à l'été 2005: Arseniq33 y sera certainement! (avril 2005)

Indica

Atach Tatuq, Deluxxx

Audioslave, Out Of Exile

Trois ans après un premier album qui avait partagé les critiques, certaines parlant d'un Chris Cornell (ex-Soundgarden) chantant tout simplement sur la musique de Rage Against The Machine, voilà qu'Audioslave nous revient avec un deuxième essai. Pour ma part, j'étais plus ou moins d'accord avec les critiques à l'époque et j'avais plutôt l'impression que le groupe avait su développer son propre style. C'est encore plus le cas ici. Bon, évidemment on retrouve quelques éléments des 2 anciens groupes, mais l'ensemble est encore plus solide que sur leur album éponyme avec un meilleur amalgame de la voix de Cornell avec la musique des ex-Rage, dirigés par Tom Morello. Rage nous revient inévitablement en tête sur la chanson-titre, alors que la pop de "Be Yourself" nous présente probablement ce qui différencie le plus Audioslave de son passé. La puissance de "Doesn't Remind Me" en fait une des pièces les plus solides de l'album, pendant que sur "Drown Me Slowly" Cornell prend parfois un ton de voix qui nous rappelle Bon Scott de AC/DC, un autre bon moment. "Man Or Animal" est également une de mes préférées avec son rock n' roll d'une grande efficacité. Il y en a 12 comme ça dans le genre rock tout de même assez commun, mais avec de bons moments qu'on apprécie de plus en plus à chaque écoute. Même si les compositions sont souvent efficaces, il reste que leur musique est tout de même assez difficile d'accès pour un nouveau public et ne cadre pas du tout dans les standards rock actuels. Une fois "Be Yourself" exploitée au maximum par les radios, celles-ci n'auront rien d'autres répondant à leurs critères pour offrir à leurs auditeurs. Ce sont donc les fans des 2 groupes précédents Audioslave qui se procureront à nouveau cet album, qui les dépaysera probablement. Si vous aimez aussi Pearl Jam et que vous avez apprécié leur premier album, vous allez probablement aussi apprécier celui-ci. Si vous ne faites partie d'aucun des groupes de fans mentionnés précédemment, je crois que vous aurez de la difficulté à entrer dans l'univers de Out Of Exile. (août 2005)

½

Babaloo - Babaloo International

½

Bane, The Note

Bear Vs Shark, Terrorhawk

Terrorhawk est le deuxième album du groupe américain Bear Vs Shark et son plus mûr à ce jour. Le groupe nous propose un son alternatif original avec de bonnes variations rythmiques qui peuvent nous rappeler Fugazi et Modest Mouse. On y retrouve des moments doux ("Baraga Embankment") qui viennent atténuer les élans hardcore du groupe à différentes occasions. Bear Vs Shark est assurément un des groupes les plus créatifs à faire partie de la famille de Equal Vision Records et ce nouvel album nécessite quelques bonnes écoutes pour vraiment entrer dans leur univers. Mais, à partir du moment où on y arrive, on s'en voit grandement récompensés. Un album qui s'écoute bien pour toute personne ouverte d'esprit, mais qui aura de la difficulté à attirer l'attention d'un public plus large. (juillet 2005)

Equal Vision

½

Beck, Guero

Brendan Benson, The Alternative To Love

Blackalicious, The Craft

Blackalicious est un duo rap de la côte ouest américaine qui en est à son 3e album complet, même si le groupe existe depuis 1992 (on peut même remonter jusqu'à l'école secondaire en 1987). On peut les comparer à The Roots, Busta Rhymes et Outkast. Ce qui les différencie essentiellement de la mer d'artistes hip hop qui envahit les canaux spécialisés (50 Cent et compagnie), c'est leur positivisme et leur spiritisme. Des canaux comme MTV préfèrent généralement de beaucoup les rappeurs aux propos violents et misogynes, ce qui malheureusement devient aussi la norme chez les jeunes. Avec Blackalicious, il n'y a ni bling bling, ni pitounes presque nues se déhanchant derrière eux dans des vidéoclips insipides. C'est plutôt une musique intelligente que nous offrent Gift of Gab (Timothy Parker) et Chief Xcel (Xavier Mosley). Une musique recherchée et travaillée qui ne manque pas de rythme et de mélodies accrocheuses et qui a tout ce qu'il faut pour connaître autant de succès que Eminem, The Black Eyed Peas, etc. Malheureusement, ils ne font pas partie de la clique qui leur permettrait d'avoir autant de temps d'antenne, même si plusieurs pièces ont un énorme potentiel commercial ("Supreme People", "Powers", "Side To Side", etc.). Selon certaines critiques que j'ai lues, The Craft ne serait pas le meilleur album que le duo a produit jusqu'à maintenant. Si c'est le cas, qu'on m'envoie les autres immédiatement, parce qu'il s'agit possiblement du meilleur album hip hop de 2005! (janvier 2006)

Anti- / Epitaph

½

The Black Eyed Peas, Monkey Business

L'arrivée de Fergie dans le groupe et le lancement d'un album magistral en Elephunk a permis à The Black Eyed Peas de conquérir le monde en 2003. Avec Monkey Business, leur 4e album, le groupe tente de répéter les exploits du précédent, autant sur les palmarès pop que dans le milieu hip hop. Avec des succès de premier plan comme "Don't Phunk With My Heart", "Don't Lie" et "My Humps", c'est un succès certain qu'on a entre les mains. Le groupe mélange encore une fois les styles musicaux allant bien au delà du simple hip hop. Le funk et le rock viennent s'y fusionner habilement pour créer ce style qui leur est maintenant propre, le tout demeurant toujours très pop évidemment (plus d'une demi douzaine de pièces sont des succès radio assurés). En démarrant l'album avec un échantillonnage tout ce qu'il y a de moins subtil de la chanson thème du film Pulp Fiction, on s'est assuré d'attirer l'attention. Par la suite, on tentera de conserver l'intérêt grâce à des pièces accrocheuses, mais aussi grâce à des propos sexuels à gauche et à droite, propos typiques au hip hop. Selon moi, c'est le côté le plus décevant de cet album qui tombe dans les mêmes pièges qu'un grand nombre d'autres artistes dans le genre. Plus que jamais Fergie apparaît comme la poupée de service dans un groupe aussi misogyne que bien d'autres groupes hip hop (ce qui est particulièrement évident sur "My Humps"). C'est certain que musicalement c'est intéressant, accrocheur et dansant, de quoi plaire à tout leur jeune public. Mais quand on commence à porter attention aux paroles, l'intérêt tombe et on trouve dérangeant que les jeunes s'identifient à un groupe qui a de tels propos. Notons encore une fois la participation de Justin Timberlake sur "My Style", en plus d'une participation de Sting et Branford Marsalis sur "Union" qui contient de l'échantillonnage de "An Englishman in New York" de Sting. Malgré les éléments négatifs, si vous avez aimé Elephunk, Monkey Business vous plaira probablement encore. (janvier 2006)

Bloodhound Gang, Hefty Fine

Boy Sets Fire, Before The Eulogy

Boy Sets Fire est un groupe punk hardcore progressif du Delaware qui a 3 véritables albums à son actif en excluant les mini-albums (la sortie d'un 4^e est prévue pour mars 2006). Before The Eulogy est un ramassis d'enregistrements démos, 7 pouces et autres raretés. On y trouve aussi le mini-album In Chrysalis et 2 des 3 pièces du mini-album Suckerpunch Training. Les fans du genre qui ne connaissent pas encore le groupe risquent de les découvrir de belle façon ici, ce qui les invitera peut-être à se procurer leurs autres albums. Sinon, il s'agit essentiellement d'un disque pour les fans du groupe qui en auront pour leur argent avec 20 pièces pour un total de 64 minutes. (janvier 2006)

Equal Vision

Boy Sets Fire, The Day The Sun Went Out (1997) (réédition de 2005)

The Bravery, The Bravery

Caïman Fu, Les charmes du quotidien

Lorsque la comédienne Isabelle Blais et son groupe Caïman Fu ont lancé leur premier album en 2003, les réactions étaient partagées. Pour certains, il s'agissait simplement d'une comédienne qui essayait de chanter et ils affirmaient que ce serait assurément mauvais avant même de l'avoir écouté. Que voulez-vous, il semble qu'au Québec on ait un gros problème avec la polyvalence et qu'une personne ne puisse porter qu'un chapeau. Pourtant, Isabelle elle-même affirme avoir trempé dans la musique bien avant de participer à une première pièce de théâtre et il était déjà question pour elle et son groupe de faire un album dès le cégep. Voici maintenant que le groupe nous présente son deuxième album, dont les textes ont entièrement été écrits par Isabelle (sauf un sur lequel elle a collaboré avec Stéphane Massicotte). Une touche de maturité additionnelle vient s'ajouter à ce nouvel album, un album pop rock extrêmement riche en sonorités diverses. Vous y croiserez du swing ("Bouhoutime"), du tango (la chanson-titre), du disco ("Wow"), du cabaret ("Pourquoi l'ennui?") et un peu de funk par-ci par-là ("Get You Back", etc.). L'utilisation de cuivres et de violons fournit un ajout plus qu'appréciable à une formation guitare, basse et batterie qui est déjà particulièrement efficace (comme on peut le constater dans les moments les plus rock). Puis, Isabelle Blais a une voix magnifique et interprète ses textes d'une façon unique qui bénéficie de la valeur ajoutée de sa formation de comédienne. Sa joie de vivre communicative nous change des interprètes sombres et troublés qui semblent seulement être capables de chanter des textes qui ont été écrits dans un moment de déprime intense. Les charmes du quotidien, qui bénéficie d'une réalisation de première qualité, réussit à nous transporter dans un monde joyeux et varié qui ne vous ennuiera jamais. Peu de pièces peuvent être qualifiées de faibles parmi les 13 que l'on retrouve ici et les 62 longues minutes de l'album vous offriront un divertissement assuré qui vous semblera bien plus court. Il s'agit d'un album touchant d'originalité et de fraîcheur qui fait certainement partie des albums québécois les plus intéressants de 2005! (octobre 2005)

Voxtone

½

Chiodos, All's Well That Ends Well

Circa Survive, Juturna

Coheed and Cambria, Good Apollo, I'm Burning Star IV, Volume One:

From Fear Through The Eyes Of Madness

Voici le 3e album de Coheed and Cambria, qui est en fait la 1re partie de 2 qui conclura le concept en 4 parties racontant la saga de 2 protagonistes, Coheed et Cambria. Vous n'y comprenez rien? Ce n'est pas trop grave. Tout ce que vous avez à savoir c'est que le groupe nous offre un 3e album concept dans le style métal progressif, le premier sur une étiquette majeure. Ce qui frappe à la première écoute, c'est le changement dans le son du groupe qui s'éloigne totalement du métal emo qui nous les avait fait connaître. On se retrouve plutôt ici dans un métal progressif du milieu des années 80 alors que des groupes comme Queensrÿche et Rush nous viennent très souvent en tête. On n'est pas très loin non plus des Fates Warning et Dream Theater qui ont quant à eux surtout navigué à travers les années 90. Ce changement de son peut être particulièrement déboussolant pour les fans de la première heure qui auront l'impression d'entendre une toute nouvelle incarnation de leur groupe préféré. Ce qui ne change pas par contre, c'est la nécessité d'écouter l'album attentivement et à plusieurs reprises pour y adhérer totalement. Rien n'est facile d'approche dans ce disque de 72 minutes et 12 pièces (dont la dernière a 4 parties). C'est un album très solide qui vous plaira si vous aimez les structures compliquées. Par contre, il m'a malheureusement un peu trop rappelé les groupes des années 80 dans le même genre, ce qui a enlevé passablement de magie. J'ai tout de même hâte au prochain. (janvier 2006)

½

Coheed and Cambria, The Second Stage Turbine Blade (2002) (réédition de 2005)

Voici un groupe qui fait de plus en plus jaser, et avec raison. Coheed and Cambria nous présente un mélange de styles plutôt créatif et intéressant alliant emo, hardcore, progressif et pop punk. Les mélodies, de très grande qualité et particulièrement accrocheuses, sont magnifiquement chantées par Claudio Sanchez qui monte régulièrement dans des tonalités impressionnantes. The Second Stage Turbine Blade est le premier album officiel du groupe paru à l'origine en 2002 et réédité ici dans une version allongée de 3 titres. Les 3 chansons ajoutées sont "Elf Tower New Mexico", une pièce jamais parue auparavant, ainsi que "Junesong Provision" et "Everything Evil", 2 pièces de l'album présentées ici dans leur version démo. Les structures généralement complexes des pièces de Coheed and Cambria semblent grandement simplifiées grâce à la virtuosité des musiciens pour qui trois accords c'est très loin du minimum acceptable. Malgré cette complexité, plusieurs pièces auraient pu devenir des succès commerciaux à l'époque. Ce qui impressionne dès le début et tout au long de l'album, c'est la qualité de la réalisation. La section rythmique est mise en valeur de telle sorte que même à un volume tout ce qu'il a de plus correct, j'ai senti le plancher et les murs vibrer en plusieurs occasions. Il s'agit définitivement d'un son des années 2000, où tous les instruments s'entendent clairement sans nuire aux autres ou au chant. L'équilibre parfait quoi! (décembre 2005)

Equal Vision

½

Coldplay, X & Y

Après nous avoir présenté le meilleur album de 2002 en A Rush Of Blood To The Head et avoir conquis le monde entier, voilà que le quatuor anglais Coldplay nous présente son successeur, X & Y. Nul besoin de vous dire à quel point la pression était forte tant les attentes des fans étaient astronomiques. Une première impression dès l'écoute de "Square One": est-ce que Coldplay nous présenterait un album avec un peu plus de guitare? La réponse est oui, malgré la présence encore évidente et efficace du piano sur certains titres (surtout "What If"). Alors qu'avec son album précédent le groupe remplaçait Radiohead dans le coeur de bien des amateurs de rock britannique, avec cet album c'est de U2 que Coldplay se rapproche le plus ("White Shadows", "Low", etc.). X & Y contient une plus grande portion de pièces rythmées par rapport à A Rush Of Blood To The Head qui contenait une majorité de pièces introspectives. La balance est donc parfaite sur cet album qui n'est jamais ennuyant, même si certaines pièces peuvent un peu trop ressembler à des compositions de l'album précédent. C'est donc un excellent album que nous présente à nouveau Coldplay, un album qui n'égale peut-être pas toutes les qualités créatives du précédent, mais qui vous fera assurément passer de bons moments. Si vous aimez le succès "Speed Of Sound", soyez sans crainte, car la chanson représente assez bien le reste du disque. (critique principale d'août 2005)

Converge, Petitioning The Empty Sky (1996) (réédition de 2005)

Converge, When Forever Comes Crashing (1998) (réédition de 2005)

Dès les premiers riffs de When Forever Comes Crashing, on sent que Converge va un peu plus loin que sur son précédent album Petitioning The Empty Sky. Dans les moments les plus rapides, Slayer nous vient toujours en tête, mais le groupe ajoute un peu plus de profondeur à ses structures musicales. Des titres comme "My Unsaid Everything", "The High Cost Of Playing God", "Towing Jehovah", "Love As Arson" et la chanson-titre, bien éparpillées tout au long du disque de 40 minutes, rendent le groupe tout à fait intéressant à tout amateur de métal qui se respecte. La ligne directrice, plus solide que sur l'album précédent, nous propose beaucoup moins de remplissage et de pièces sans intérêt. Par contre, vous devez toujours avoir les oreilles aussi résistantes puisque la douceur, vous la chercherez longtemps sur cet album. Cette nouvelle édition remixée et remasterisée nous offre en boni un enregistrement démo jamais paru auparavant, "Bitter And Then Some". Une portion multimédia contient aussi le vidéoclip de la chanson-titre. Cette réédition d'un des meilleurs albums de Converge vous permettra de découvrir un excellent groupe de métal underground et vous donnera probablement envie de vous procurer leur plus récent, You Fail Me, lancé sur Epitaph à l'automne 2004. (mai 2005)

Equal Vision

½

Billy Corgan, The Future Embrace

Crila, Humaine

Sheryl Crow, Wildflower

Après l'album ensoleillé C'mon, C'mon paru en 2002, voici que la jolie Sheryl, qui ne fait toujours pas ses 44 ans, nous revient avec un 5^e album studio beaucoup plus introspectif, pour ne pas dire ennuyant. Depuis un certain temps déjà, elle nous offre de plus en plus de pièces pop adultes où le rock devient totalement absent. Sur l'album précédent, la présence de chansons pop particulièrement efficaces nous les faisait oublier, mais ici les pièces up tempo se font plus rares que jamais. Ayant toujours trouvé qu'elle pouvait être assez ennuyante dans des pièces pop adultes comme elle nous offre ici, je n'ai aucune difficulté à affirmer que Wildflower est l'album que j'aime le moins de Sheryl Crow. Musicalement, les arrangements riches sont très intéressants, mais je trouve que la voix de Sheryl rend le tout passablement monotone. Contrairement à ses enregistrements précédents, les pièces nécessitent quelques écoutes attentives pour nous accrocher. Le problème, c'est que je n'ai pas trop envie de prendre ce temps à essayer d'aimer un album de Sheryl Crow quand d'autres artistes aux ambiances douces et relaxantes m'attirent beaucoup plus musicalement. Même si certaines critiques parlent de son album le plus solide à ce jour, je ne peux être d'accord, malheureusement. (février 2006)

½

Pauline Croze, Pauline Croze

The Dandy Warhols, Odditorium or Warlord of Mars

The Darkness, One Way Ticket To Hell... And Back

Le quatuor britannique The Darkness sévit à nouveau avec un autre album hard rock typique des années 80 et de la fin des années 70. C'est un album que je craignais considérant que le groupe avait réussi un tour de force en lançant un premier album solide même si personne ne pouvait dire s'il s'agissait d'une blague ou d'une réelle création artistique. Si vous aimiez les riffs de guitare de Permission To Land, vous ne serez pas trop dépaysé ici, puisqu'on reprend exactement où on a laissé, sans aucune progression, comme je l'avais prédit. Serais-je devenu devin? Avec la chanson-titre à succès, les fans de la première heure se lanceront à nouveau dans leur magasin préféré pour se procurer cet album. Par contre, le disque de seulement 10 pièces et totalisant un maigre 35 minutes ne leur donnera pas grand-chose de plus original. Par moments, j'ai même cru entendre Meat Loaf, ce qui n'est pas de très bon augure! Il y a encore une paire de ballades ("Seemed Like A Good Idea At The Time" et "Blind Man"), la bonne vieille recette quoi... Bon, il y a bien 2 ou 3 titres intéressants comme les énergiques "Is It Just Me? et "Girlfriend", ainsi que la celtique "Hazel Eyes", mais on n'y retrouve rien de mémorable et d'inoubliable. On a mis le paquet dans les orchestrations, mais ça n'améliore pas le fond qui fait penser à des pièces rejetées lors des sessions d'enregistrement pour l'album précédent. Si la solidité de leur premier album nous faisait oublier qu'il aurait pu avoir été lancé 20 ans plus tôt, ici on ne peut s'empêcher de penser à tous ces groupes à cheveux crêpés des années 80 qu'on a oubliés depuis longtemps, très souvent volontairement. Les plus grands fans du premier album trouveront des éléments intéressants sur One Way Ticket To Hell... And Back, mais c'est loin d'être un disque essentiel... (mars 2006)

Day Of Contempt, The Will To Live

Day Of Contempt apporte un son hardcore moderne à la scène australienne après le punk rockabilly de The Living End et le hard rock de Jet. Hardcore, en effet, mais avec aussi de bonnes mélodies par moments, ce qui en fait un son tout de même accessible. Après un premier album indépendant lancé dans leur Australie natale en 2003, le groupe nous arrive avec ce mini-album de 6 chansons réalisé par nul autre que Josh Abraham (Weezer, Velvet Revolver, Linkin Park, Orgy, Static-X, Coal Chamber). On retrouve d'ailleurs un peu de Linkin Park et Static-X dans leur côté métal. La pièce centrale de ce mini-album est "Shattered Deams and Broken Hearts", une pièce qui allie parfaitement douceur et agressivité dans une structure à la limite du rock progressif avec des claviers particulièrement bien utilisés. The Will To Live nous offre un bon aperçu de ce que le groupe est capable de nous offrir et a l'avantage d'être vendu à bas prix, mais il est définitivement trop court avec ses 22 minutes. Un album complet de Day Of Contempt sera probablement plus apprécié. (octobre 2005)

Epitaph

Death By Stereo, Death For Life

Default, One Thing Remains

Dengue Fever, Escape From Dragon House

Voici un album pour les amateurs de musique éclectique et totalement différente! Dengue Fever est un groupe de Los Angeles qui chante en Khmer et s'inspire de la musique pop rock cambodgienne des années 60. Ils sont également fortement influencés par la musique surf américaine, le rock, le ska, le new wave et le garage psychédélique de la fin des années 60. Certains spécialistes disent qu'on peut également entendre dans leur musique des éléments de la musique pop de l'Asie du Sud-Est, de la musique vietnamienne de l'époque de la guerre, du klezmer, du jazz éthiopien et du soul éthiopien, mais je ne pourrais aller jusque là, mes connaissances étant tout de même limitées... Ce qui est certain, c'est que Dengue Fever ne s'approche pas à grand-chose de populaire en Amérique ou en Europe. Le seul parallèle que j'ai pu faire est le groupe pop alternatif japonais Pizzicato Five. Escape From Dragon House est le 2^e album du groupe. Alors que le premier regroupait essentiellement des classiques cambodgiens, celui-ci contient presque exclusivement des compositions originales. Leur musique est rythmée, dansante et extrêmement divertissante. Elle peut autant plaire aux fans de musique rock alternative, qu'aux fans de surf (à la Pulp Fiction) et de musiques du monde. Aucune pièce ne ressort véritablement du lot, mais les 11 titres de l'album s'écoutent merveilleusement bien. Pour élargir vos horizons musicaux, Dengue Fever est un groupe à découvrir... (novembre 2006)

M80 / BRG

½

Daniel Desnoyers, Le Nightclub 01

Dropkick Murphys, Singles Collection Volume 2: 1998-2004

Hellcat / Epitaph

Dropkick Murphys, The Warrior's Code

The Evens, The Evens

un texte de Frédéric Gagnon (Crad!)

J’ai une bonne et une mauvaise nouvelle : Fugazi sera en pause pendant un bon moment puisque les quatre membres ont d’autres projets et n’habitent même plus tous dans la même ville. La bonne nouvelle, c’est que le nouveau groupe de Ian Mackaye est presque aussi bon que Fugazi, sans être aussi spectaculaire. À la première écoute, on a l’impression que Mackaye a carrément fait demi-tour : pas de guitares stridentes ni de cris. La batterie de Amy Farina est feutrée, et la guitare est acoustique et acoustique. Par contre, on se rend vite compte que les Evens ne sont que la suite logique de ce que Mackaye a fait dans les dernières années. Sur le plan des paroles, Mackaye passe encore par quatre chemins pour nous faire deviner la révolte qui l’anime. Musicalement, le ton est posé, tout est discret et minimal. Ceux qui ont aimé les derniers albums de Fugazi y trouveront leur compte, et les autres vont s’endormir. Mackaye parlait depuis longtemps de son désir de travailler dans un cadre plus léger que Fugazi, dans une formule qui lui permettrait de voyager seul ou avec un groupe très restreint, sans amplis et sans les éléments perturbateurs que Fugazi attirait parfois. Il a donc fondé un duo acoustique avec sa copine Amy Farina, ex-Warmers, groupe de DC de la fin des années 90. C’est bon de voir que Mackaye a encore réussi à se réinventer sans repartir à zéro. (décembre 2005)

Dischord

Marianne Faithfull, Before The Poison

J'ai toujours suivi la carrière de Marianne Faithfull de loin, comme la plupart des américains d'ailleurs, mais à part qu'elle ait été l'amoureuse de Mick Jagger pendant plusieurs années dans les années 60-70, elle a enregistré de nombreux albums. Ce qui la caractérise est le fait qu'elle a su évoluer avec les années et a pu conserver l'intérêt de la critique et des intellectuels, malgré quelques albums médiocres. Elle nous présente maintenant Before The Poison exactement 40 ans après ses deux premiers albums lancés simultanément, Come My Way et Marianne Faithfull, ce dernier qui contenait le succès "As Tears Go By" écrit par Mick Jagger et Keith Richards. Sur ce nouvel enregistrement, elle s'est entourée de collaborateurs de premier plan en les personnes de PJ Harvey, qui a écrit 3 chansons paroles et musique (incluant "No Child Of Mine" qui se retrouvait sur son album Uh Huh Her) en plus de composer la musique sur 2 autres et de collaborer aux textes, Nick Cave, qui a composé la musique de 3 chansons, Damon Albarn (de Blur), qui a coécrit une chanson et en a composé la musique, et Jon Brion, qui a composé la musique d'une chanson. Les compositions de Harvey et Cave donnent le ton à l'album et vous donnent en même temps une bonne idée du style qu'on y retrouve. Les 10 chansons plutôt introspectives de l'album sont magnifiquement interprétées par Marianne qui a la voix plus basse d'au moins un octave par rapport à ses débuts, résultat de l'âge, mais surtout de la drogue et de l'alcool (elle a quand même côtoyé les Stones pendant plusieurs années). C'est un album d'une grande poésie avec des moments rock qui m'ont agréablement surpris. Marianne Faithfull n'a plus rien à prouver à qui que ce soit et peut se permettre de se faire plaisir avant tout, mais avec Before The Poison, elle nous fait plaisir à nous aussi et nous donne l'envie de découvrir certains de ses albums passés, même si j'ai grandement l'impression que celui-ci passera à l'histoire comme un de ses grands moments. (février 2005)

The Fall Of Troy, Doppelgänger

Fall Out Boy, From Under The Cork Tree

Je comble un certain retard ici avec cet album paru il y a plus d'un an. Que voulez-vous, je deviens parfois tellement saturé en musique pop punk que j'ignore certains albums d'une façon quasi-volontaire. Il s'agit ici du 3^e album du groupe de Chicago Fall Out Boy, le 1^er sur une étiquette majeure. Et on peut dire qu'ils ont bénéficié pleinement de la promotion qu'on leur a faite pour devenir un des groupes les plus populaires dans le genre avec au moins 4 ou 5 gros succès, incluant "Sugar, We're Going Down" et le plus récent extrait, l'excellente "Dance, Dance". Le groupe a su s'imposer grâce à des mélodies accrocheuses à souhait. On peut les comparer à Jimmy Eat World et à Simple Plan, mais ce qui les différencie particulièrement est le cynisme qu'on retrouve dans leurs textes et les titres à n'en plus finir. Pour des exemples, attachez votre tuque: "Our Lawyer Made Us Change The Name Of This Song So We Wouldn't Get Sued", "I've Got A Dark Alley And A Bad Idea That Says You Should Shut Your Mouth (Summer Song)" et "I Slept With Someone In Fall Out Boy And All I Got Was This Stupid Song Written About Me". Considérant que ça demeure un album de pop punk accessible sans grandes subtilités, il s'agit tout de même d'un excellent disque, parmi les meilleurs de l'année 2005 dans le genre. Puis, From Under The Cork Tree est assurément le meilleur album du groupe à ce jour, celui à lequel ils seront comparés pour le reste de leur carrière. Bonne chance pour le futur! (août 2006)

½

Fivespeed, Bella

Fivespeed est un nouveau groupe de Phoenix en Arizona qui participe au Vans Warped Tour 2005. Le groupe nous présente ici un mini-album de seulement 4 titres qui nous ouvre la porte sur une carrière qui sera certainement intéressante à suivre de près. Le leader du groupe, Jared Woosley cite Jane's Addiction et Deftones parmi ses influences et ces 2 groupes représentent assez bien le son de Fivespeed qui nous offre un rock alternatif assez lourd qu'on peut aussi considérer comme du nouveau métal passablement accessible. Les mélodies accrocheuses disposent de suffisamment d'efficacité pour attirer l'oreille d'un large public. À surveiller... Veuillez noter que Bella est seulement disponible sur leur site web ainsi qu'à leurs spectacles. (septembre 2005)

Equal Vision

Foo Fighters, In Your Honor

Dix ans après une apparition remarquée dans le paysage musical et après 4 albums à succès, les Foo Fighters ont décidé d'offrir un cadeau à leurs fans. In Your Honor est un album double contenant 10 pièces dans leur style habituel sur le premier CD et 10 pièces acoustiques sur le deuxième. Pour le premier disque, on peut le comparer à ce que le groupe a fait auparavant et on y trouve d'excellentes pièces, accrocheuses à souhait ("Best Of You", "The Last Song", la chanson-titre, etc.). Quant au deuxième, il nous montre un côté qu'on ne connaissait pas de Dave Grohl et sa bande, mais un côté qu'on aime bien. La qualité des compositions du groupe n'a pas besoin d'arrangements à n'en plus finir et on en a la preuve ici. Le groupe, qui était devenu un des rares dans le style post-grunge à demeurer efficace, nous prouve qu'il peut aller encore plus loin, ce qui en fait un des meilleurs dans le rock commercial actuel. Cet album en 2 phases totalisant 83 minutes peut facilement s'écouter d'un trait, malgré la variation de style d'un disque à l'autre. Si j'avais bien aimé leur album précédent, One By One, je dois dire que celui-ci m'attire particulièrement et que je l'apprécie de plus en plus à chaque écoute. Sans être le groupe le plus original et créatif au monde, il sait nous donner des mélodies très efficaces, extrêmement bien interprétées par un Dave Grohl en parfaite possession de ses moyens qui chante mieux que jamais. Notons les participations sur l'album de John Paul Jones (ex-Led Zeppelin), Norah Jones (duo avec Grohl sur "Virginia Moon") et Josh Homme de Queens Of The Stone Age qui rend la pareille à Grohl en jouant la guitare sur "Razor". C'est un album de qualité qui fera le délice des fans du groupe. Veuillez noter qu'une version avec DVD est aussi disponible contenant la version surround 5.1 de l'album et un documentaire sur son enregistrement. (critique principale d'octobre 2005)

The Frames, Burn The Maps

The Frames est un groupe irlandais qui existe depuis une quinzaine d'années et en est à son 5è album. Vous pouvez en avoir entendu parler sous le nom de The Frames D.C., puisqu'ils ont utilisé ce nom pendant une certaine période pour éviter la confusion avec un groupe américain du même nom qui n'existe plus aujourd'hui. Le groupe nous offre un son fortement influencé de la musique britannique à la Coldplay et Travis. Ce qui fait l'originalité du groupe est sa capacité à passer d'un son doux à un son presque violent en quelques secondes, une très belle façon de faire passer l'émotion. Même si je connais mal les albums précédents du groupe, il semble que Burn The Maps serait leur meilleur résultat en carrière jusqu'à maintenant. Ce qui est certain, c'est qu'il s'agit d'un album de première qualité et que le groupe n'a rien à envier aux plus grands artistes du moment. Les arrangements sont magnifiques, les orchestrations tout autant et on y trouve une excellente profondeur musicale. Il y a une belle ligne directrice à l'album qui nous accroche littéralement et nous oblige à nous rendre à la fin à partir du moment où on s'est laissé conquérir par leur univers. L'album ne contient aucune faiblesse et étant lancé par l'étiquette Anti-, vous pouvez être assuré de l'intégrité artistique du produit. Même si 2005 est encore bien jeune, voilà un album qui se retrouvera probablement dans mon top 20 de l'année. Une bien belle découverte! (février 2005)

Sage Francis, A Healthy Distrust

Sage Francis est un rappeur indépendant de 27 ans du Rhode Island qui nous présente ici son troisième album, A Healthy Distrust. Il nous propose un hip hop qu'on peut comparer aux classiques de Public Enemy, Run DMC et les Beastie Boys. Francis nous offre une poésie fortement politisée où il ne se gêne aucunement pour nous brosser un portrait pas toujours rose de notre société, particulièrement de la société américaine. Sa voix puissante est parfaitement accompagnée d'une musique riche qui se différencie de plusieurs groupes hip hop actuels. L'ensemble bénéficie d'une réalisation hors du commun faite par Francis lui-même où la musique, l'échantillonnage et la voix sont parfaitement mixés. L'album de 15 pièces totalisant 48 minutes nous offre une belle continuité avec très peu de faiblesses. Même s'il demeure un rappeur alternatif, il ne manque que la bombe radio pour propulser Sage Francis aux côtés des rappeurs blancs Eminem et les Beastie Boys. Mais parions qu'il sera boudé des jeunes noirs américains fans de hip hop puisqu'il ne faut pas se le cacher: la discrimination raciale est encore très présente aux États-Unis et le hip hop demeure une musique de noirs, même si Eminem a réussi à y entrer en s'entourant des bonnes personnes. Ici, ce sont plutôt les fans des Beastie Boys qu'on ira conquérir puisque l'album n'a rien à envier au plus récent de ce groupe légendaire. Je n'avais que très peu d'attentes vis-à-vis Sage Francis et j'ai été agréablement surpris. J'apprécie de plus en plus A Healthy Distrust, un album mature d'un bonhomme à surveiller. (février 2005)

Franz Ferdinand, You Could Have It So Much Better (CD + DVD)

Après un premier album qui a impressionné l'an passé et est considéré par plusieurs comme l'un des meilleurs albums de l'année, les attentes étaient nombreuses vis-à-vis un nouvel album des Écossais de Franz Ferdinand. Malgré tout, ils ont décidé de revenir dès cet automne avec You Could Have It So Much Better, peut-être pour battre le fer pendant qu'il est chaud. Une chose est certaine, c'est qu'ils ont encore une fois opté pour la laideur de la pochette, ce qui semble bien fonctionner pour attirer l'attention. Du côté musical, le groupe utilise encore une fois le son qui l'a rendu populaire, mais en explorant de nouvelles avenues. Le disque précédent avait une certaine uniformité qu'on ne retrouve plus ici. Peu de pièces se ressemblent et on va de la pop dansante, à un son pseudo-punk, en passant même par quelques ballades particulièrement efficaces. On ne peut donc pas dire que le quatuor s'est assis sur ce qui l'a rendu célèbre, contrairement à ce que font d'autres artistes qui ne passent pas le test du 2e album par manque de créativité. "The Fallen" ouvre assez bien l'album, mais c'est avec le hit instantané "Do You Want To" qu'il prend vraiment son envol. Alors que la ballade "Walk Away" vous restera en tête pour des jours, c'est sur l'autre ballade, "Eleanor Put Your Boots On", que le groupe impressionne vraiment dans un style fortement influencé par les Beatles. Avec le succès de "Take Me Out" sur l'album précédent qui avait la particularité d'avoir un changement total de rythme en plein milieu, le groupe nous présente à nouveau de tels changements sur quelques titres de ce nouvel album. C'est le cas entre autres sur "Do You Want To", mais c'est beaucoup plus déroutant sur "Well That Was Easy". En fait, le problème avec ce nouvel album, c'est que malgré la présence de pièces de première qualité, d'excellentes mélodies et de rythmes entraînants, le tout est entrecoupé de quelques pièces un peu plus faibles qui cassent le rythme. Plusieurs réussiront à vous faire danser, mais vous aurez plus de difficulté à écouter l'album en entier sans passer par-dessus certains titres. Je crois que s'ils avaient moins précipité la sortie de ce nouvel album, ils auraient pu nous présenter un disque de la qualité du premier sans le "remplissage" qu'on retrouve ici. Mais, ne vous détrompez pas: il s'agit quand même d'un très bon album d'un des groupes les plus créatifs de la scène musicale actuelle. C'est juste que, comme je l'ai dit au début, les attentes étaient bien grandes. L'album vous est offert en version CD seulement ou en version dual disc, c'est-à-dire avec un DVD au verso. Le DVD contient l'album en entier, le vidéoclip de "Do You Want To", une entrevue, des scènes en studio et une galerie de photos. Sans être renversant, le côté DVD permet d'ajouter une certaine valeur à l'album. (critique principale de novembre 2005)

Garbage, Bleed Like Me

Ariane Gauthier, Mon coeur est une pomme

Peut-être que vous ne connaissez pas son nom, mais si je vous dis qu'Ariane Gauthier a joué le rôle de Juliette dans la comédie musicale Roméo et Juliette et celui de Maureen dans Rent, peut-être que vous allumerez. Sinon, je peux vous dire que cette jeune femme de l'Outaouais ne vous laissera pas dans l'indifférence bien longtemps. Auteure et compositeure de grand talent, elle nous propose des paroles magnifiques sur une musique douce, mais riche en sonorités (section de cordes, accordéon, piano, etc.). Dès le début de l'album, "Moi c'est Ari" (qui en est aussi le premier extrait) nous montre une interprétation très théâtrale, qui plaira assurément aux amateurs de comédies musicales. J'imagine la mise en scène qui devrait venir avec lorsqu'elle sera en spectacle. Elle va puiser à l'occasion ses influences dans la chanson française, même si elle conserve toujours son accent bien à elle. Elle nous propose même des valses ("Frida", "Tu te mens", "En solo") en plus de flirter avec l'opéra ("Je ne t'aime pas"). Sa voix est toujours magnifique et est certainement le meilleur instrument pour nous communiquer ses compositions. Veuillez noter qu'il s'agit du premier album québécois totalement mixé en 5.1, ce qui lui permettra d'aller éventuellement conquérir la France, là où ce format devient de plus en plus un incontournable. Mon coeur est une pomme est un album qui plaira assurément aux amateurs (surtout aux amateures) de chansons à textes, mais qui apprécient en plus une musique d'une certaine richesse. Et, n'oubliez pas qu'Ariane les écrit toutes en plus de les interpréter magnifiquement, ce qui lui donne une bonne longueur d'avance sur la quantité d'interprètes du même genre qui pullulent au Québec. Finalement, le tout nous est offert dans une magnifique pochette. Un bon choix si vous aimez le genre... (octobre 2005)

Diffusion YFB

½

Gorillaz, Demon Days

Le premier groupe de hip hop virtuel, Gorillaz nous est apparu en 2001 avec un excellent album éponyme, un des meilleurs de l'année, propulsé par le succès "Clint Eastwood". Ce quatuor virtuel cache un super groupe dirigé par Damon Albarn de Blur. Les fans attendaient avec beaucoup d'impatience le successeur à ce premier album et le voici enfin, quatre longues années plus tard. Il faut noter que Dan The Automator a quitté le groupe, lui qui avait été un précieux collaborateur au précédent. Mes attentes étaient un peu moins grandes que pour d'autres, parce que j'avais l'impression que l'effet de surprise était passé et que le groupe ne pourrait nous présenter rien de neuf. Mais, comme ce fut le cas lorsque j'ai découvert leur premier album, j'ai été très agréablement surpris. Encore une fois, le groupe nous offre un amalgame parfait de styles allant bien au-delà du hip hop avec des touches de pop, de rock et de R&B. Rythmes et mélodies efficaces avec un son généralement doux, tout y est pour plaire à un large public, tout en privilégiant les vrais spécialistes de musique actuelle. L'originalité est toujours au rendez-vous et avec des succès assurés comme "Dare", "O Green World" et "Feel Good Inc.", on n'a d'autres choix que de prévoir un autre gros succès pour Gorillaz. Vous devrez quand même y mettre un minimum d'efforts puisque le groupe ne ressemble à aucun autre et demandera donc nécessairement une certaine ouverture d'esprit. Mais, l'efficacité des mélodies devrait vous séduire assez rapidement. Un excellent album qui réchauffera vos froides soirées d'automne et d'hiver! (octobre 2005)

Groovy Aardvark, Sévices rendus

Dans les 19 dernières années, aucun autre groupe alternatif québécois n'a autant attiré les foules que Groovy Aardvark. Leurs spectacles d'une énergie débordante ont toujours comblé leurs fans. Aujourd'hui, après avoir annoncé leur séparation, ils nous offrent une compilation de leurs plus grands succès incluant entre autres "Y'a tu kelkun", "Dérangeant", "Boisson d'avril" (avec des membres de La Bottine Souriante), "Ingurgitus" (avec des membres de Anonymus, Overbass et Colectivo) et "Le p'tit bonheur" (leur reprise bien personnelle du classique de Félix Leclerc avec Marc Vaillancourt de B.A.R.F. comme chanteur). En plus de ces succès, le groupe s'assure de bien boucler la boucle en nous présentant 3 nouvelles pièces, 2 vieilles pièces jamais parues auparavant et 2 extraits de l'album démo Kitsh en squatt de 1989. En plus des 19 pièces de l'album, la pochette et le livret sont magnifiques et regorgent d'informations particulièrement intéressantes. C'est donc d'une bien belle façon que le groupe nous tire sa révérence. Pour ceux qui ne les connaîtraient pas encore, avec Sévices rendus vous n'avez plus aucune excuse. (mai 2005)

Enregistrements D7 / Diffusion YFB

½

Hedley, Hedley

Hedley est un groupe canadien dirigé par un finaliste de l’émission Canadian Idol, Jacob Hoggard, probablement le plus charismatique et un des plus talentueux à avoir passé dans une émission de télé-réalité. S’il était déjà un peu fou dans cette émission malgré le carcan imposé, il est complètement disjoncté maintenant et devient un peu débile en entrevue alors qu’il semble bien aimer montrer son derrière. Musicalement, le groupe, qui a fait de nombreux concerts en première partie de Simple Plan, nous offre un son rock énergique aux influences un peu punks. Le succès "On My Own", une des meilleures de l’album, donne aussi un bon aperçu de leur style. Mais, on retrouve aussi quelques ballades mettant bien en évidence la voix unique de Hoggard ("Trip", "Gunnin", etc.) et des pièces rock originales ("Streetfight", "Villain", etc.). Quelques pièces sont un peu faibles, mais l’ensemble nous permet d’envisager un futur intéressant pour le groupe qui ne fera que s’améliorer, en s’appuyant sur l’immense talent de Hoggard. Rarement politiquement correct, Hedley plaira à un jeune public un peu rebelle, mais ne provoquera certainement pas de mouvement de foule parmi les fans de Canadian Idol. Ils préféreront certainement se tourner vers le gagnant de la même édition, Kalan Porter qui, avec sa gueule de jeune premier, sa voix puissante et ses chansons moins dérangeantes, plaira à des dames un peu plus âgées, public-cible de l’émission. À en juger par les performances offertes par Hoggard à Canadian Idol, Hedley risque d’être bien intéressant à voir en spectacle. Donc, s’ils passent dans votre région, ne les ratez pas. (découverte du mois de février 2006)

HorrorPops, Bring It On!

C'est le retour de ce super groupe de psychobilly dirigé par la chanteuse et contrebassiste Patricia Day et le guitariste Kim Nekroman (qui est chanteur et contrebassiste dans Nekromantix). J'avais bien apprécié leur premier album paru l'an dernier qui s'intitulait Hell Yeah!. Cette fois-ci, on a demandé les services de nul autre que Brett Gurewitz (de Bad Religion) pour réaliser l'album. En général, la recette demeure la même avec un rockabilly complètement déchaîné, mais plus accessible qu'avec Nekromantix. Par contre, il y a une direction pop plus qu'évidente sur Bring It On! avec des tendances ska et pop rock que ne renierait certainement pas un groupe comme No Doubt ("Hit 'N' Run", "You vs. Me", "Caught In A Blond" qui est ma préférée, etc.). "Freaks In Uniforms" démarre très bien l'album dans leur son caractéristique, alors que la chanson-titre possède un très grand potentiel commercial. Ce mélange de genres et d'influences nous balance entre le fait d'avoir l'impression que le groupe deviendra assurément populaire et celui qu'il s'agit d'un groupe underground qui le demeurera. Seul l'avenir nous le dira, mais malgré toute son originalité, le groupe ne cadre dans aucune des catégories musicales en vogue en ce moment. En bout de ligne, c'est un bon album qui plaira aux amateurs du genre et de leur premier album. Espérons qu'ils réussiront quand même à aller chercher quelques nouveaux fans. (décembre 2005)

Hellcat / Epitaph

½

Hot Hot Heat, Elevator

Hot Hot Heat est un quatuor indie rock de la côte ouest canadienne qui existe depuis 1999. Ils nous offrent un son rock passablement pop avec quelques synthétiseurs et une guitare bien efficace. Elevator est leur 2^e véritable album après Make Up The Breakdown qui était paru sur l'étiquette Sub Pop en 2002 et avait reçu d'excellentes critiques. Comme vous pourrez le constater avec les 2 premiers extraits de l'album, "Middle Of Nowhere" et "Goodnight Goodnight", le groupe nous offre des pièces énergiques aux mélodies particulièrement efficaces. Vous vous en rendrez aussi compte avec "You Owe Me An IOU" et "Pickin' It Up" qui font également partie de mes préférées. Le groupe puise son inspiration en majeure partie dans le rock alternatif des années 80 (The Cure, etc.) et le new wave / post punk. Certaines critiques mentionnent la déception de cet album par rapport au précédent. C'est vrai qu'on y trouve des pièces plus faibles, mais l'ensemble est divertissant, ensoleillé et entraînant, ce qui est déjà préférable à un album ennuyant. En plus, l'album dure moins de 40 minutes ce qui ne nous laisse pas le temps de nous impatienter. 15 pièces sont indiquées sur la pochette de l'album, mais comme dans un ascenseur (Elevator), il n'y a pas de numéro 13. On retrouve aussi une introduction faite d'orchestration qui fera seulement en sorte que vous vous posiez la question si vous vous êtes trompé de disque. Visitez leur très beau site web (en cliquant leur nom plus haut) qui est bâti comme un ascenseur. (février 2006)

Ima, Pardonne-moi si je t'aime

Jamiroquai, Dynamite

Anik Jean, Le trashy saloon

Cette jeune chanteuse originaire de la Gaspésie a vu sa vie transformée le jour où elle a rencontré Jean Leloup qui allait devenir son mentor. Elle nous offre ici son premier album qu'elle a réalisé avec Leloup et David A. Sturton (qui a réalisé La vallée des réputations de Leloup). Elle peut en plus compter sur des musiciens de renom comme Rick Haworth (qui a travaillé avec Daniel Bélanger et plusieurs autres), Dan Georgesco (ex-Too Many Cooks et membre des Porn Flakes), Alec McElcheran (qui a travaillé avec Leloup) et Stephan Gaudreault (Projet Orange). Jean Leloup participe lui-même à plusieurs chansons, a fait les arrangements et lui a offert 4 chansons, incluant le premier succès de l'album, "Je suis partie", que Leloup avait lui-même popularisé sur La vallée des réputations. Avec toutes ces références à Leloup, vous pensez sûrement qu'il s'agit d'une version féminine de notre célèbre "regretté" chanteur. On peut faire des parallèles c'est certain, mais la personnalité d'Anik prend rapidement le dessus. Elle nous propose un son rock assez doux aux influences folk et country, qui peut nous rappeler encore une fois le dernier album studio de Leloup, mais qui se différencie avant tout d'à peu près tout ce qui se fait sur la scène musicale québécoise. En fait, on peut plus facilement la comparer à PJ Harvey et Nick Cave par l'atmosphère qu'elle réussit à créer. Elle n'a pas une voix à tout rompre, mais s'en sert magnifiquement bien et possède un certain charisme sur scène. Malgré quelques chansons un peu plus faibles, celles de Leloup viennent corriger le tir à la perfection ("Je suis partie", "Pense à toi", "Junkie de toi" et "Let Me Go"). Il y a aussi "Amour absinthe" qui m'a complètement fait craquer, une pièce composée par Anik et Alec McElcheran. L'album de 12 pièces contient 3 textes en anglais, sûrement le résultat de son exil des dernières années à Los Angeles. Si vous cherchez un produit québécois intéressant à vous mettre sous la dent, le choix est certainement judicieux avec Le trashy saloon, même si vous devrez en faire quelques écoutes avant de l'apprécier à sa juste valeur. (octobre 2005)

Tacca

½

Kings Of Leon, Aha Shake Heartbreak

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Après leur premier essai, Youth And Young Manhood en 2003, assez concluant, les critiques ont gardé, à l'égard des Kings Of Leon, l'image d'un jeune groupe à la fois mûr et talentueux. Alors, puisqu'il nous est donné de revivre en partie l'ère du rock garage et underground, on ne va pas se plaindre d'un manque évident de renouveau, mais plutôt tenter de faire un constat. Au début, ils avaient choisi l'option "vieux t-shirt assez moulant, vestes en jeans et coupes de cheveux ringardes (limite Iggy Pop version old regime) avec moustaches"... rien à redire, ces quatre gars ont le style qui va bien et refusent l'esclavagisme de l'éternelle mode (quoi que...?). L'album démarre par "Slow Night So Long", un rodéo musical assez réussi, énergique mais contenu. Et ça reste relativement vrai pour le reste de l'album. Ca se rapproche du style garage des 60's, le son des guitares vintage est également assez bien rendu... on ressent l'influence blues rock des Stones, avec la fibre folk rock des Creedence Clearwater Revival. Les morceaux paraissent un peu plus lisses (quoique encore assez bruts) que sur le premier opus, un peu plus travaillés encore... Chantés avec une voix nonchalante, parfois transformée (ça sent la "mode Strokes") qui fait aussi le charme du groupe, les titres comme "Taper Jean Girl", "Milk" et surtout "Bucket" survolent le reste de l'album qui manque parfois de relief, tant les chansons se ressemblent. On tient peut-être là la future relève du rock sudiste, les descendants de Lynyrd Skynyrd ou du Allman Brothers Band... bon, c'est encore bien trop tôt pour le dire. Pour les 50 ans du rock, ça fait un bel hommage d'époque! (août 2005)

½

Korn, See You On The Other Side

See You On The Other Side est déjà le 7^e album du groupe métal Korn. Le groupe, qui avait connu le succès en 1998 avec l'excellent album Follow The Leader (le meilleur de l'année), semble se chercher depuis ce temps. Sans nous présenter de mauvais albums, aucun n'a réussi à se démarquer vraiment et on les a tous oubliés rapidement. Avec ce nouvel enregistrement, le groupe évolue vers un style beaucoup plus intéressant, plus efficace au point de vue des mélodies et des riffs de guitare. "Twisted Transistor" démarre admirablement l'album qui ne contiendra pas beaucoup de faiblesses par la suite. On y retrouve un peu moins le son caractéristique de la basse qui a fait la renommée du groupe depuis plus de 10 ans et leur a permis de se démarquer de la masse des groupes métal, mais l'efficacité des compositions qu'on retrouve ici nous le fera oublier rapidement. La base de leur style est toujours un métal lent mais rythmé, généralement assez lourd, avec des influences rap core, mais on retrouve plus que jamais des influences industrielles (à la Nine Inch Nails). Jonathan Davis et sa bande, qui en passant ne sont maintenant que 4, le guitariste Brian Welch ayant quitté, évoluent dans une direction plus qu'intéressante qui ravivera l'intérêt de bien des gens envers eux. Korn ne risque pas de rejoindre un large public encore une fois, car il faut bien avouer qu'ils ne sont pas faciles d'approche. Mais, pour ce qui est de leurs fans des débuts, ils seront complètement ravis de la direction maintenant empruntée. En passant, pour les amateurs de System Of A Down qui ne connaissent pas Korn, ce n'est pas parce qu'on parle de métal dans les 2 cas que vous aimerez nécessairement, puisque c'est totalement autre chose et que les influences viennent complètement d'ailleurs. Je ne crois pas non plus que la qualité de ce nouvel album de Korn puisse égaler celle des 2 albums les plus récents de SOAD, mais il s'agit tout de même d'un excellent album. À considérer fortement... (critique principale de février 2006)

Daniel Lanois, Belladonna

Mathieu Lavoie, Avaler le vent

LCD Soundsystem, LCD Soundsystem (2 CD)

La musique de LCD Soundsystem est certainement une des plus hétéroclites que j'ai entendues depuis longtemps. Le groupe de New York, qui est en fait le groupe d'un seul homme, James Murphy, réussit à nous présenter des styles différents pratiquement à chaque pièce. On découvre rapidement que le bonhomme possède un horizon musical très vaste et qu'il n'hésite pas à tout explorer sur disque. Il passe d'un son électronique dansant ou ambiant à un punk hardcore, en passant par de l'indie rock, du rock garage de l'acid house et de la dance music. Le seul lien qu'on peut faire entre plusieurs des pièces offertes est la présence des rythmes électroniques, mais encore là ils disparaissent dans les pièces les plus rock. Pour le jeu des comparaisons, j'en citerai quelques-unes qui me sont venues en tête à un moment ou à un autre, mais prenez-ça avec un grain de sel: Rapture, Scissor Sisters, Peaches, Beck, Moby, Radiohead et Coldplay. La seule chose qui est certaine est qu'il s'agit d'un album totalement moderne et original qui devrait plaire à un public dont l'ouverture d'esprit est sans bornes. Même si plusieurs pièces sont très accrocheuses et dansantes, le lien n'est pas toujours facile à faire d'une à l'autre, si bien que des personnes auront tendance à en sauter quelques-unes. En plus, il y a quelques compositions passablement longues. Mais, malgré ces éléments qui peuvent être agaçants pour un public non averti, j'ai trouvé que l'album s'écoutait magnifiquement bien du début à la fin lorsqu'on on y met l'effort. Les 2 disques s'enchaînent à la perfection et ce, malgré un total de 100 minutes. Il s'agit certainement d'un des meilleurs albums électroniques de 2005 et je n'ai d'autres choix que de l'ajouter au top 20 de l'année, n'en déplaise à ceux qui n'y apparaîtront plus. (découverte du mois d'avril 2006)

Left Alone, Lonely Starts & Broken Hearts

The Lost Patrol Band, The Lost Patrol Band

The Lost Patrol a débuté comme un projet solo de l'ex-chanteur du groupe suédois Refused, Dennis Lyxzen, au même moment qu'il démarrait The (International) Noise Conspiracy. Le projet solo devient maintenant un véritable groupe avec The Lost Patrol Band et son album éponyme. On y retrouve un son rock aux influences punks des années 70 et new wave des années 80, avec une direction pop plus qu'évidente. Même si le groupe est bien difficile à comparer, on peut risquer de les associer aux Franz Ferdinand, The Killers, Tom Petty et Cheap Trick. Peu importe à quel mouvement on décide de les associer, ce qui est clair est que l'album ne contient pratiquement pas de faiblesses et que les compositions sont particulièrement efficaces, avec une énergie hors du commun. De "Feels Like Drowning" à "Can't Stand The Quiet" en passant par les excellentes "Golden Times", "Hanging On", "Pick Me Up" et "A Girl Like You", toutes réussiront à vous intéresser d'une façon ou d'une autre. Lorsque l'album se termine de façon plutôt brusque après seulement 10 chansons et 29 minutes, on se dit qu'elle est là la faiblesse de l'album: il est trop court! Il s'agit d'un des bons albums de l'année qui fera certainement partie de mon top 20 de 2005. (novembre 2005)

Burning Heart / Epitaph

M, Live au Spectrum

M, En tête à tête (2 CD)

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Il est devenu en quelques années l'un des artistes les plus populaires de l'hexagone. Par son style décalé, son univers fantasmatique (qui pourrait presque rendre jaloux Tim Burton), sa double personnalité mystérieuse, et sa musique originale, il a conquis les foules sur son passage. La scène, c'est une de ses raisons de vivre, c'est un espace qu'il maîtrise avec sérénité, mais sans aucune prise de tête. Avec le Tour De M, il avait déjà largement séduit par ses facultés live, sa côte de guitar hero surnaturel, sa générosité... et ses performances! Après le succès incroyable de Qui De Nous Deux, dernier album en date, il a une nouvelle fois manifesté son envie d'immortaliser ces moments intenses, ces tranches de vie uniques, par la sortie d'un double live, En tête à tête. Des mois et des mois passés sur la route, de festivals en salles combles, Mathieu Chédid et son groupe d' « experts », tous imbriqués dans ce projet fou, se sont donnés sans jamais s'économiser... A cinq sur scène, avec Cyril Atef à la batterie, Vincent Segal à la basse (contrebasse...), Seb Martel, ils sont capables de jouer et jammer pendant des heures, avec un plaisir débordant et communicatif. Sur le fond, ce nouveau live ressemble à l'ancien, les musiciens se détachent des morceaux studio (tout en gardant l'esprit) pour offrir quelques plages rallongées très affutées, souvent très techniques ou, au contraire, très hypnotiques. L'entente entre les 5 protagonistes est vraiment parfaite! Côté set list, le répertoire doré des deux derniers disques de l'artiste est quasi complet, sur deux galettes, avec 23 morceaux, laissant quand même la part belle au dernier opus, et oubliant au passage (volontairement?) les classiques du "Baptême". Des ballades chargées d'émotion, comme "La bonne étoile" et "Ma mélodie", rallongée de quelques solos mystifiants de l'artiste. Du rock n' roll et du funk dans son "Monde virtuel" avec son "Onde sensuelle", de la tristesse et du rêve avec "Peau de fleur" et "C'est pas ta faute"... et une démonstration de blues à l'ancienne avec "Le Blues De Metz"... M est grand, M est grandiose même, et son live redonne presque note pour note l'ambiance magique de ses concerts. Mais avant tout, M, c'est un groupe, c'est une ambiance, c'est un public, c'est une intensité, c'est un tout... et c'est ce live! Une musique à part, pour un artiste pas comme les autres... Un énorme disque live! (janvier 2006)

Madonna, Confessions On A Dance Floor

Voici le retour de la reine de la pop au sommet de son art après un échec monumental à tout point de vue avec son album American Life en 2003. Sur Confessions On A Dance Floor, elle revient avec une musique pop dansante innovatrice, comme elle a su nous offrir tout au long de sa carrière de 25 ans. C'est cette capacité à faire avancer le genre musical qui lui donne une longueur d'avance sur tous les autres artistes pop qui apparaissent et disparaissent presque du même souffle. Madonna demeure plus que jamais la référence que copieront des dizaines de jeunes Britney Spears et compagnie pendant des années à venir. Comme elle l'avait fait sur Ray Of Light en 1998, la madone nous présente ici un album qui intègre merveilleusement bien la techno à sa musique pop accessible. Elle vient ajouter à ce mélange une touche de nostalgie tirée de la période disco. Elle utilise d'ailleurs un échantillonnage du groupe suédois ABBA sur son premier simple à succès "Hung Up", une véritable bombe. Le deuxième extrait, "Sorry", est tout aussi intéressant, mais pour le reste, on sent que l'album a été produit pour les planchers de danse plutôt que pour les radios commerciales. Les mélodies pop laissent souvent la place a des rythmes un peu plus froids et le disque s'enchaîne du début à la fin, pendant 56 minutes. Personnellement, je préfère un album de clubs à des chansons pop légères et insignifiantes, ce qui fait que si vous êtes comme moi, vous serez totalement comblés avec Confessions On A Dance Floor. En plus, la réalisation est d'une qualité parfois étonnante. Par exemple, en écoutant "Future Lovers", vous pourrez vraiment vérifier la qualité de votre chaîne stéréo avec une basse impressionnante qui résonnera dans tout votre quartier, même sans accentuer les graves! Le côté un peu froid de l'album le rend légèrement inférieur à ses meilleurs en carrière, mais elle s'approche dangereusement de la qualité de Ray Of Light. Donc, si vous avez aimé cet album, n'hésitez pas 2 secondes. (mars 2006)

½

Paule Magnan, Les Machines

The Mars Volta, Frances The Mute

Meesh, Touch

Voici un nouveau groupe rock de la scène montréalaise qui risque de faire des vagues dans les mois à venir, à condition que les médias d'ici en parlent avant que ce soit les américains qui nous disent que c'est bon comme c'est souvent le cas. Ce quatuor. qui chante en anglais, nous propose un son rock passablement brut aux influences variées allant du punk de Green Day au rock un peu sale de Hole et de Bif Naked, en passant par l'énergie de No Doubt et de Joan Jett. Après des participations au Vans Warped Tour en 2003 et en 2004, voici enfin un premier album pour Meesh intitulé Touch. On peut y entendre l'excellente voix de Michelle Morrison qui communique magnifiquement bien toute sa rage sur des musiques rythmées à souhait qui ne vous tiendront pas en place bien longtemps. Vous n'avez qu'à prendre comme exemple l'excellente chanson-titre, le premier extrait de l'album, qui déménage joyeusement. Je connais bien des groupes rock qui aimeraient avoir une telle chanson dans leur répertoire. Un autre point fort de l'album est la qualité de la réalisation de Graeme Humfrey qui a réussit à bien dégager toute l'énergie du groupe en mettant en évidence autant la section rythmique que la voix de Michelle. Beau travail! Les mélodies très efficaces du groupe pourraient facilement leur permettre de suivre les traces de Simple Plan pour une carrière internationale fructueuse. Il serait d'ailleurs intéressant de voir Meesh en première partie de Simple Plan, question de bien réchauffer la salle. D'un point de vue artistique, certains titres vous laisseront un peu plus indifférents, mais après tout c'est du rock et tant que ça bouge, il n'y a pas à se plaindre. Pour ceux qui trouvent qu'au Québec on camoufle un peu trop la guitare, vous serez charmés d'entendre enfin un groupe où la guitare est bien présente sur disque. C'est un très bon premier essai d'un groupe qui sera à surveiller de près... (décembre 2005)

Diffusion YFB

½

Mentake, Mentake

Mentake est un jeune quatuor montréalais qui nous propose un son pop rock en anglais. Avec des influences de Nickelback et des mélodies accrocheuses à souhait, le groupe s'est rapidement mérité une place de choix dans les radios et les chaînes télévisuelles musicales. Les 2 premiers extraits, "There It Goes" et "Moving On", se sont hissés au sommet des palmarès et ce sera certainement le cas aussi pour le plus récent extrait, "Spin Me Around". Pas mal pour des jeunes d'à peine 20 ans! Musicalement, le groupe n'est pas des plus créatifs, utilisant essentiellement des recettes déjà éprouvées. Sauf que c'est la qualité des mélodies et des arrangements, le talent des musiciens et la voix incomparable de Jonathan Nathaniel qui font tout le travail ici. On retrouve beaucoup trop de ballades à mon goût, mais leurs jeunes fans de l'autre sexe en redemanderont. Avertissement: pour leurs spectacles, il serait sûrement prudent de vous apporter des bouchons pour les oreilles, pas tant pour la musique trop forte que pour les jeunes filles qui crieront de leur voix aiguë tout juste à vos côtés... (mai 2006)

Tox

Metric, Live It Out

Metric est un groupe de Toronto dont les membres se sont rencontrés à New York. Souvent comparé à Blondie, le quatuor dirigé par Emily Haines nous présente ici son deuxième album qui offre à nouveau un son inspiré du new wave des années 80, mais à la sauce des années 2000. Avec Live It Out, le groupe va plus loin que jamais et n'a à rougir devant aucun groupe indie rock en vogue présentement, autant au Canada, qu'aux États-Unis et au Royaume-Uni. Les chansons simples mais très inspirées du groupe possèdent une énergie débordante, d'excellentes mélodies et des rythmes dansants de première qualité. Ma préférée est certainement "Monster Hospital", une des plus punks de l'album, que je n'arrive plus à me sortir de la tête. Parfois assez douce et parfois beaucoup plus agressive, la musique de Metric vous transportera dans diverses atmosphères tout au long du disque. Quelques pièces vous apparaîtront peut-être comme un peu moins intéressantes, mais il s'agira plus d'une question de goût que d'une véritable faiblesse à l'album. Mon impression générale après l'écoute totale du CD est plutôt positive. Mais, je considère qu'avec seulement 10 titres, il manque 1 ou 2 grosses compositions au disque pour le cimenter complètement et en faire un des meilleurs de l'année, toute catégorie et tout pays confondus. C'est un gros pas en avant que fait Metric et j'attendrai impatiemment leur prochain album. (novembre 2005)

Last Gang

½

Millencolin, Kingwood

Ce qu'on constate rapidement dès les premiers accords de "Farewell My Hell", c'est le retour aux sources que nous propose le groupe punk suédois Millencolin, en plus d'un lien évident avec Bad Religion et les Descendents. Cette évidence se poursuivra tout au long du disque avec des mélodies particulièrement efficaces et des rythmes entraînants. Il y a quelques exceptions dont "Shut You Out" et "Stalemate" qui sont plutôt communes, voire même ennuyantes. Mais, des titres comme "Cash Or Clash" (pas très loin du style de The Clash justement), "Biftek Supernova", "My Name Is Golden", "Ray" et la très rapide "Simple Twist Of Hate" vous en donneront beaucoup pour votre argent et contribueront à votre satisfaction, même si vous êtes un grand connaisseur de musique punk rock et avez des exigences particulières. Sans égaler Pennybridge Pioneers, on peut dire que Nikola Sarcevic et sa bande nous proposent le digne successeur de Home From Home. Je ne pense pas qu'on puisse compter sur Millencolin pour révolutionner le genre, mais cet album leur permettra de demeurer parmi les leaders de la scène punk scandinave. Un album honnête qui plaira autant aux fans du groupe qu'aux amateurs de punk californien en manque de bons produits à se mettre sous la dent. (mai 2005)

Burning Heart / Epitaph

½

Roger Miret And The Disasters, 1984

Alanis Morissette, Jagged Little Pill Acoustic

10 ans après sa sortie originale, voilà qu’Alanis Morissette réenregistre en version acoustique son excellent album Jagged Little Pill. En plus d’avoir été le meilleur album de 1995 et d’avoir vendu des millions d’exemplaires à travers le monde, il s’agit certainement d’un album marquant des années 90. L’album a également été marquant pour Alanis puisqu’elle a renié ses enregistrements précédents (des albums pop dansants insipides) et a tenté sans succès par la suite de revenir avec des albums d’une aussi grande qualité (et aussi populaires). Donc, quoi de mieux que de réenregistrer son meilleur album pour renflouer son compte en banque! On retrouve ici exactement le même contenu que sur la version originale dans un style à la guitare acoustique très douce. La voix d’Alanis est mise en valeur sur chacune des chansons et elle ne se gêne pas pour y aller d’élans vocaux impressionnants de puissance. C’est une excellente façon de redécouvrir les pièces que vous avez aimées mais, personnellement, je préfère tout de même les enregistrements originaux un peu plus énergiques. (février 2006)

Motion City Soundtrack, Commit This To Memory

Après un premier album apprécié des fans de pop/punk (I Am The Movie), Motion City Soundtrack s'est retrouvé à faire la première partie de Blink 182 en Europe et au Japon. C'est alors que Mark Hoppus a manifesté l'intérêt de travailler avec le groupe sur son futur album. Il est donc le réalisateur de Commit This To Memory, un album qui tend beaucoup plus vers le pop rock que le punk. En effet, après avoir apprécié les trois premières pièces, incluant le premier extrait "Everything Is Alright", j'ai été un peu ennuyé par le côté un peu "boys band" de "Resolution" et "Feel Like Rain". "Time Turned Fragile" m'a quelque peu réconcilié avec leur réputation de punks de la nouvelle génération, même si d'autres chansons un peu trop pop à mon goût se sont ajoutées par la suite. Si au moins on pouvait sentir qu'une de ces chansons pouvait les propulser et les faire connaître, ce serait bien. Mais, de la musique pop qui demeure dans l'underground, c'est plutôt inutile et j'ai bien peur que ce soit ce qui leur arrive. S'ils connaissent du succès, ça risque plus d'arriver avec leurs chansons les plus rythmées qui sont plus souvent qu'autrement intéressantes. La ballade acoustique "Together We'll Ring In The New Year" pourrait être l'exception. Même si je suis partagé au sujet de ce deuxième album de Motion City Soundtrack, je peux affirmer qu'il est bien réalisé et risque de plaire à beaucoup de fans dans le genre. Mais, un certain travail de composition reste à faire pour nous présenter un prochain album plus constant. (août 2005)

Epitaph

MXPX, Panic

Après un séjour de quelques années dans les ligues majeures de l'industrie du disque, voilà que le groupe pop/punk de la côte ouest américaine MXPX se retrouve à nouveau avec une étiquette indépendante, Side One Dummy. Ce qui démontre certainement une baisse d'intérêt général envers le groupe peut aussi lui permettre de laisser aller à nouveau sa créativité au maximum. Le résultat sur Panic est par moments bien intéressant, même s'il ne s'agit pas d'un des groupes les plus créatifs de la scène punk. Les rythmes et les mélodies sont toujours aussi efficaces, ce qui leur a permis de se créer une armée de fans parmi les amateurs de skateboard au cours des dernières années. Le groupe est aussi reconnu pour aborder des thèmes religieux chrétiens et ils le font encore une fois ici, même si les fans de punk rock ne sont pas de ceux qui se préoccupent le plus des paroles de leurs artistes préférés. Sur Panic, le groupe réussit à se sortir de la fâcheuse position dans laquelle il s'était placé avec l'album précédent, Before Everything And After, qui ne présentait aucun élément intéressant en n'offrant qu'un pop/punk commun sans énergie. On retrouve à nouveau leur son influencé de Green Day et Social Distortion ainsi que des compositions rafraîchissantes et énergiques comme "The Darkest Places", "Young And Depressed", "Cold Streets", "The Story", l'originale "Late Again" et la hardcore "Get Me Out", même si les thèmes abordés n'y sont pas toujours roses. MXPX possède donc à nouveau tout ce qu'il faut pour rejoindre la jeune génération d'amateurs de punk, tout en ayant des propos un peu plus matures. (septembre 2005)

Side One Dummy

½

Nekromantix, Brought Back To Life Again

Brought Back To Life Again est la réédition de l'album Brought Back To Life enregistré en 1992 par Nekromantix. Il s'agissait certainement de l'album le plus solide du groupe avant la parution de Dead Girls Don't Cry en 2004. Le groupe danois de psychobilly (un rockabilly en version accélérée) y est complètement déchaîné. Sur cette réédition, on peut entendre un son repiqué numériquement. On peut aussi y entendre quelques ajouts comme l'intro originale qui avait été exclue lors de la première parution du disque, la pièce "Monster Movie Fan" avec une fin légèrement différente et en boni, la version originale de "Nekrofelia" avec cloche et orgue. Les amateurs de Kim Nekroman et sa bande apprécieront certainement cette réédition qui amène l'album à un niveau supérieur. Veuillez noter que Nekroman est toujours actif avec le supergroupe HorrorPops qui vient de lancer un nouvel album. (novembre 2005)

Hellcat / Epitaph

½

The New Pornographers, Twin Cinema

Nickelback, All The Right Reasons

Puisqu'il le faut, voici ma critique du plus récent album de Nickelback, qui trône au sommet des palmarès depuis sa sortie. Le groupe a également attiré les foules lors de sa présence récente à Montréal en concert. Depuis l'immense succès de l'album Silver Side Up, le groupe n'a cessé de réutiliser la même formule et c'est encore le cas ici. Riffs faciles, ballades criardes, mélodies prévisibles, même son de guitare et la voix caractéristique de Chad Kroeger (que je ne suis plus capable de supporter) font encore partie de cet album qui a tout pour connaître le succès que le groupe a eu jusqu'à maintenant, mais rien pour s'attirer la sympathie d'un chroniqueur musical. C'est qu'à travers cette recette, qu'un tas d'autres groupes ont réutilisée dans les 5 dernières années, on ne retrouve rien d'original ou d'artistiquement intéressant. Il y a bien quelques pièces qui déménagent un peu plus sur All The Right Reasons, des pièces issues de leurs influences de Metallica qui attirent rapidement notre attention avant que l'intérêt retombe par manque d'originalité ("Animals", "Side Of A Bullet" et "Someone That You're With"). Mais, on enrobe le tout dans des ballades radiophoniques et fredonnables à souhait comme les succès "Photograph", "Savin' Me" et "Far Away". Ils en viennent même à me rappeler le Bon Jovi de 1994, alors que les ballades régnaient sur tout ce qui aurait pu avoir un peu de mordant. Il est intéressant de noter l'hommage que le groupe fait au regretté Dimebag Darrell (ex-Pantera et Damageplan) sur "Side Of A Bullet" où on échantillonne même la guitare de Darrell. On tente d'ajouter de nouveaux éléments au son du groupe, comme du piano et de la guitare acoustique en quelques occasions, mais ça ne vient pas changer grand-chose à ce son post-grunge complètement dépassé. Si vous aimez ce que vous avez entendu à la radio de Nickelback dans les derniers mois, c'est certain que vous apprécierez parce que vous en reconnaîtrez la majorité. Mais, d'un point de vue créatif, il est clair que Kroeger ne peut pas vraiment aller plus loin. Il serait peut-être temps qu'on arrête de s'occuper de ce groupe canadien sans grand intérêt... (critique principale d'avril 2006)

Nine Inch Nails, With Teeth (CD + DVD)

Nine Inch Nails nous a offert le printemps dernier ce qui n'est en réalité que le 4e album du groupe avec With Teeth, malgré une carrière de 16 ans. Il semble toujours aussi douloureux pour Trent Reznor d'accoucher d'un nouvel album et encore une fois à travers sa musique on le sent terriblement torturé. Après The Fragile en 1999 qui était un album double particulièrement difficile à apprivoiser, voilà que Reznor nous revient avec le digne successeur de The Downward Spiral, l'album qui a fait connaître NIN auprès d'un vaste public à travers le monde en 1994, malgré un style industriel qui n'avait rien à voir avec le mouvement grunge alors en vogue. Sur With Teeth on retrouve à nouveau des pièces accessibles pouvant satisfaire un public plus large que les fans invétérés de musique industrielle. Des pièces comme le succès "The Hand That Feeds", "You Know What You Are?" et "Only" font en sorte d'attirer notre attention avant qu'on nous offre des pièces un peu plus expérimentales dans la plus pure tradition du groupe (comme "All The Love In The World" qui ouvre l'album, "Love Is Not Enough" et la chanson-titre). L'album, d'une durée de 56 minutes, nécessite quelques bonnes écoutes et une certaine ouverture d'esprit pour arriver à vraiment l'apprécier. Mais, en bout de ligne, c'est un excellent album qui a comme avantage d'être totalement différent de tout ce qui se fait en ce moment. Bien sûr, quelques mauvaises langues vous diront que le groupe aurait pu nous présenter cet album 2 ans après The Downward Spiral, sauf que comme personne n'a jamais vraiment réussi à copier ce style, il demeure toujours unique et moderne 10 ans plus tard. Veuillez noter la participation de Dave Grohl en tant que batteur sur l'album, même si aucune mention n'est faite dans la pochette qui est complètement dépouillée d'information, en plus de ressembler à toutes leurs pochettes précédentes. Ce nouvel album vous est offert en format CD seul ou en format dual disc (avec DVD au verso du CD). Le côté DVD contient la totalité de l'album en version stéréo ou surround, leur discographie, ainsi que le vidéoclip de "The Hand That Feeds", rien de bien renversant qui ne mérite probablement pas les quelques dollars additionnels. Mais, le CD à lui seul vaut son pesant d'or. (janvier 2006)

½

Noir Désir, En public (2 CD)

Nural, The Weight of the World

Oasis, Don't Believe The Truth

Depuis plusieurs années déjà, mon intérêt vis-à-vis Oasis était totalement disparu alors que le groupe, miné par ses conflits internes et les abus de drogues et d'alcool des frères Gallagher, avait perdu toute sa créativité des débuts. En fait, comme c'est Noel qui composait tout, c'est plutôt lui et seulement lui qu'on devrait blâmer pour cette baisse de régime, même si Liam était le plus détestable depuis qu'il avait atteint le statut de vedette. Il semble que ces problèmes soient du passé et que les gars se soient assagis et réconciliés. Sur Don't Believe The Truth, le groupe reprend là où il avait laissé avec (What's The Story) Morning Glory?. Sans égaler la qualité incontestable de ce dernier et celle de Definitely Maybe (leur tout premier), ce nouvel enregistrement bat à plate couture les 3 albums précédents. Pour la première fois, Noel laisse même les autres membres du groupe composer quelques pièces, du sang neuf qui est bien apprécié. Évidemment, le parallèle avec les Beatles se fait encore naturellement puisqu'il s'agit de la plus grosse influence du groupe. Ils ont même embauché Zak Starkey comme batteur, le fils de Ringo Starr. Des pièces comme "Mucky Fingers", "Lyla" et "Love Like A Bomb" nous rappellent les bonnes années du groupe, même si quelques titres un peu plus faibles apparaissent dans la deuxième moitié ("Part Of The Queue" et "Keep The Dream Alive"). Par contre, la finale, l'excellente ballade "Let There Be Love", magnifiquement interprétée en duo par les frères Gallagher, nous laisse totalement conquis et nous donne seulement envie de recommencer cet album de 42 minutes. Un excellent album qui vous fera à nouveau apprécier Oasis... enfin! (juillet 2005)

½

Orange, Welcome to the World of... Orange

Ozzy Osbourne, Under Cover

Les Paul & Friends, American Made World Played

Pennywise, The Fuse

Pitty Sing, Pitty Sing

Le groupe Pitty Sing a été formé à Boston avant de devenir officiellement new yorkais, même si son leader et compositeur, Paul Holmes, est né à Manchester en Angleterre. Le son qui en ressort est essentiellement britannique alors qu'on peut les comparer à The Smiths, Simple Minds et The Cure, même si Holmes avoue ne jamais avoir écouté leur musique (du moins pour les 2 premiers). Il y a quand même quelques éléments de Talking Heads à gauche et à droite pour justifier les origines new yorkaises du groupe. Holmes s'est inspiré d'une compilation alternative sombre des années 80 qu'il a écouté quelques fois avant de l'abandonner complètement. Cette musique l'a hanté pendant des années et c'est à partir de ces souvenirs qu'il a composé ce qui allait devenir le premier album complet de Pitty Sing. Il a affirmé son désir de ramener des souvenirs dans la tête des gens et c'est essentiellement ce que nous donne cet album éponyme. C'est que rien de ce disque ressemble à quelque chose d'actuel. Tout nous fait penser au rock alternatif des années 80, alors que The Cure dominait cette scène. La voix, les rythmes souvent lents, l'ajout de claviers, les thèmes plutôt sombres, tout nous y ramène. Malgré tout, le groupe réussit à nous présenter sa musique avec une certaine originalité et il se distingue totalement dans le décor musical actuel. Sans être renversant, c'est un album intéressant d'un groupe qui plaira aux nostalgiques des coupes de cheveux extravagantes de Robert Smith. (découverte du mois de janvier 2006)

Vidéoclips: "Radio" - "Bleeding Hearts"

½

Robert Plant, Mighty Rearranger

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Au fil des années, après le clash de Led Zeppelin, ca n'a jamais été évident pour Robert Plant de se remettre à flot dans une carrière solo en demi teinte... parsemée d'albums moyens voire presque médiocres pour certains. Le spectre du Zeppelin planait au-dessus de ses épaules, et les quelques exercices réussis par le talentueux chanteur l'ont été, en partie, grâce à de nouvelles (et sporadiques) collaborations avec l'éternel Jimmy Page (sur le live No Quarter). Mais le rideau est enfin tombé, le génie qui sommeillait en lui depuis quelques années est ressorti pour réaffirmer toute la dimension d'un artiste tel que Robert Plant. Il dégage toujours cette force tranquille et cette profondeur d'âme très appréciable. Libéré, Plant propose un album de 12 titres, supportés par The Strange Sensation, groupe talentueux qui l'avait déjà accompagné sur Dreamland. Et au final, les choses sont claires: Mighty Rearranger est riche de morceaux variés, extrêmement bien composés et joués, dans des styles pourtant bien différents. Plant revient sur toutes les influences musicales qui le font vibrer depuis le début de sa "carrière": ses amours du début, du folk soyeux pimenté par ses éclairs vocaux, du blues électrique, à mi-chemin entre le classique et le contemporain. Il revient également au rock pur et dur, avec quelques morceaux agressifs, aux riffs zeppeliniens, qu'il interprète d'une voix rajeunie de dix ans (avec ces montées aigues et cet enregistrement du chant qui semble être éloigné, avec un peu d'écho ("Tin Pan Valley"!). Dans ce pêle-mêle musical on retrouve également quelques rajouts de sonorités électro, et bien évidemment des titres plus tribaux, aux couleurs du monde... un mélange raffiné et exceptionnel. Avec un retour en arrière de quelques années, on peut affirmer objectivement que Robert Plant n'avait pas chanté aussi bien depuis Led Zeppelin! Ca force l'admiration. En définitive, c'est excitant de voir le contraste entre les anciens artistes et les nouveaux... les nouveaux qui veulent se rapprocher des 60's - 70's, et les anciens qui, paradoxalement s'aventurent vers de nouvelles rives... car l'exercice de Plant était à la fois périlleux mais très haut en expérimentation. (juillet 2005)

½

Les Porn Flakes, Les Porn Flakes

Les Porn Flakes ont été formés par Dan Georgesco (ex-Too Many Cooks qui a été aussi guitariste pour Jean Leloup, Martin Deschamps, Lulu Hughes et Kevin Parent) et Mike Plant (ex-Too Many Cooks et ex-Sword) qui voulaient jouer des "tounes le fun" avec des amis. Se sont joints à eux Alain Quirion (ex-Zébulon qui a aussi été batteur pour Robert Charlebois et Daniel Bélanger) et Maurice "Soso" Williams (qui a été entre autres bassiste pour Ariane Moffatt et Garou). Le concept du groupe était d'inviter des chanteurs et chanteuses à venir faire une chanson de leur choix sur scène. Leurs spectacles sont devenus rapidement un "happening" où défilaient un tas de vedettes et des artistes de la relève remplis de talent. Les voici pour la première fois sur disque avec ce qui pourrait pratiquement être considéré comme une compilation des meilleurs interprètes rock au Québec tellement les noms y sont imposants. On y trouve tout d'abord Jean Leloup (ou plutôt Leclerc puisque l'autre est mort!) sur une nouvelle composition particulièrement intéressante, "Les corneilles", sa pièce la plus rock depuis plusieurs années. Kevin Parent vient y faire sa 3e partie de "Father On The Go", version Porn Flakes, intitulée "Penses-tu", ainsi que "Down In Mexico" un peu plus tard. Éric Lapointe nous offre "Patof Blue", un gros succès sur scène alors qu'il troquait la veste de cuir pour le costume de clown. La pièce de Lulu Hughes, intitulée "Je suis hot", est certainement une des plus solides de l'album avec un rock n' roll qui déménage royalement. On retrouve une belle surprise alors que le père et le fils Bougon, les comédiens Rémy Girard et Antoine Bertrand viennent reprendre le classique d'Offenbach "Deux autres bières", d'une façon assez réussie je dois le dire. La très talentueuse Anik Jean nous interprète "Homewrecker" qui est ma préférée du disque et aurait été tout un ajout à son propre album. Quant au non moins talentueux Stefie Shock c'est "Tout écartillé" qu'il vient chanter. Les autres artistes qui nous offrent leur voix sont Richard D'Anjou (ex-Too Many Cooks), Jenifer Aubry et Vicky Martel (la petite boule d'énergie de Vénus 3). Georgesco nous interprète lui-même une chanson et l'album se complète avec l'instrumentale "Petit Tom". Avec cette énumération, vous pouvez constater que les faiblesses sont probablement plutôt rares et vous avez raison. Il y a du bon dans à peu près toutes les pièces de l'album, même si on retrouve quelques compositions un peu moins originales. Pour apprécier l'album, vous devez absolument aimer le rock québécois. Si c'est le cas et que vous aimez au moins quelques-uns des artistes offerts, vous serez au paradis. Pour ma part, j'ai adoré, mais j'aurais bien aimé entendre la reprise de "Back In Black" de AC/DC par Martin Deschamps qui était un des moments fort des spectacles où la performance a eu lieu. Malgré cet "oubli", il s'agit définitivement d'un disque de party que je conseille fortement. (novembre 2005)

Novem

Pressure, The Hard Way

Pressure est un groupe de punk rock de Québec qui nous offre aussi des éléments du glam rock et du hard rock des années 80. On peut donc autant les comparer à New Found Glory qu'aux débuts de Bon Jovi. J'ai même eu l'impression d'entendre à l'occasion un groupe glam, sous-produit de Poison qui n'a lancé qu'un seul album en 1989, du nom de Pretty Boy Floyd. Je dois avouer que je n'avais pas de très grandes attentes vis-à-vis The Hard Way, mais j'ai été agréablement surpris. J'ai bien aimé l'énergie qui se dégage de cet album, ce qui laisse un bon présage pour leurs performances sur scène. Ce qui m'a surtout impressionné, c'est que le groupe s'est créé un style bien à lui qui amalgame parfaitement ses différentes influences. J'ai eu beau trouver des ressemblances avec différents autres groupes, mais je n'ai réussi à les associer à aucun mouvement musical actuel et les comparaisons sont difficiles avec les autres groupes présents en 2005. C'est donc un groupe passablement original qu'on peut se mettre sous la dent avec ces jeunes gars de Québec. Malgré une certaine uniformité, je peux dire qu'il s'agit d'une belle découverte. (novembre 2005)

New Horizon

½

Priestess, Hello Master

Priestess est un groupe de Montréal qui nous offre un rock n' roll passablement heavy, mais très mélodique. On peut les comparer à Queens Of The Stone Age et Jet, mais aussi au rock des années 70 allant de Motörhead (pour qui ils ont d'ailleurs fait des premières parties) à AC/DC. Ils sont présentement en tournée un peu partout aux États-Unis où ça semble bien fonctionner pour eux alors que chez eux au Québec, c'est le néant (mais ça, c'est pas nouveau!). Avec les 2 premiers extraits de l'album, la rapide "I Am The Night, Colour Me Black" (qui nous rappelle Queens Of The Stone Age) et "Run Home", en plus de l'excellente "Lay Down", qui ouvrent toutes les trois l'album, Priestess réussit à capter définitivement notre attention pour le reste du disque. Par la suite, il y a bien quelques pièces un peu moins fortes, mais l'ensemble demeure très solide et nous donne le goût de les voir performer en spectacle. Veuillez prendre note que l'album a été réalisé par Gus Van Go (qui a entre autres travaillé avec The Stills) et que la photo de la pochette a été prise par Melissa Auf Der Maur. Priestess est un excellent nouveau groupe qui en mettra plein les oreilles aux amateurs de musique qui brasse! On devrait commencer à en entendre parler bientôt, quand la vague prendra un peu plus d'ampleur aux États-Unis... (avril 2006)

Indica

½

Queens Of The Stone Age, Lullabies To Paralyze

Après le succès monstre de Songs For The Deaf, un des meilleurs albums de 2002, Queens Of The Stone Age nous revient avec un autre album de grande qualité, Lullabies To Paralyze, son 4e. Ce groupe, qui a vu le jour des cendres du groupe métal Kyuss, est toujours aussi difficile à décrire et à comparer. Quelque part entre le métal, le rock n' roll alternatif, le rock psychédélique de la fin des années 60 et le rock progressif des années 70, on peut oser des comparaisons plus ou moins justes avec Soundgarden, Black Sabbath, Screaming Trees, Jimi Hendrix et bien sûr Kyuss. Après l'intro intitulée "This Lullaby", "Medication" n'est pas sans nous rappeler les bonnes années de Black Sabbath. Ensuite, les excellentes "Everybody Knows That You Are Insane" et "Tangled Up In Plaid" nous amènent admirablement au succès "Burn The Witch". L'introspective "In My Head" nous fait reprendre notre souffle avant "Little Sister", une de mes préférées. "I Never Came" commence calmement la deuxième moitié du disque qui vous tiendra sur le bout de votre siège jusqu'à la fin des 58 minutes avec "Someone's In The Wolf" (une pièce particulièrement dense de plus de 7 minutes), "The Blood Is Love", "Skin On Skin", "Broken Box", "You Got A Killer Scene There, Man..." et "Long Slow Goodbye". Même si l'album nécessite quelques écoutes pour bien l'apprivoiser, il reste que QOTSA nous offre encore une fois un album extrêmement solide qui est assuré d'une place de choix dans mon top 20 de l'année. Les amateurs de musique originale, créative, voire même bizarre ne devraient certainement pas lever le nez sur QOTSA qui leur en donnera encore et toujours pour leur argent. (critique principale de juin 2005)

Rammstein, Rosenrot

1 an seulement après Reise, Reise, le groupe industriel allemand était de retour à la fin de 2005 avec Rosenrot. Malheureusement, le groupe ne réussit toujours pas à nous ramener un album de la trempe de Sehnsucht, paru en 1998, qui a catapulté le groupe au sommet à travers le monde. À chaque album, on essaie très fort en amenant quelques nouvelles sonorités. Sauf qu’à chaque fois, le cœur de l’album est calqué sur ce que le groupe a fait depuis le début de sa carrière. Guitares lourdes sur une ambiance un peu sombre, des refrains qui explosent… sans vraiment exploser, des textes en allemand, voilà la recette qu’on retrouve à nouveau sur ce dernier album. Ici, la petite touche nouvelle qu’on apporte, c’est une pièce en espagnol avec de la trompette de mariachis, "Te Quiero Puta!". À part des textes insignifiants, il s’agit certainement d’une de leurs meilleures pièces depuis le classique "Du Hast". On retrouve également la dynamique "Zerstören", une pièce industrielle digne de Ministry. Pour le reste, l’ensemble est beaucoup trop souvent monotone et ennuyant. Je pense qu’on peut commencer à parler de Rammstein comme d’un groupe d’un seul album entouré de remplissage. Heureusement que le groupe offre des performances impressionnantes et uniques sur scène, ce qui aidera à conserver l’intérêt envers eux. L’album est aussi disponible en édition limitée avec un DVD contenant 3 pièces en concert de leur dernière tournée. Je ne crois pas que ça vaut le coût. (juillet 2006)

½

Rocketface, Rocketface

The Rolling Stones, A Bigger Bang

Il y a bien longtemps que je ne m'étais pas intéressé à un album des Stones, puisque selon moi ils n'ont été un grand groupe que dans les années 60, malgré quelques bons albums saupoudrés à gauche et à droite depuis 35 ans. Je vois déjà les emails de bêtises commencer à entrer dans ma boîte de réception, étant donné que les Stones font partie de cette catégorie de groupes intouchables qu'on doit toujours trouver bons même quand ils ne le sont pas et aller les voir en spectacle à 1 000 $ le billet, même si on les a déjà vus des dizaines de fois. Moi, je n'embarque pas dans ce type de vague que je trouve totalement ridicule, désolé... Mais pour revenir à leur nouvel album, A Bigger Bang, il s'agit de leur premier album en 8 ans, soit depuis le médiocre Bridges To Babylon. J'ai été agréablement surpris par l'album de 16 titres qui a attiré mon attention rapidement (avec "Rough Justice") et qui a su la conserver jusqu'à la fin. Après la solide ballade "Streets Of Love", un blues surprenant vient nous atteindre en pleine figure, "Back Of My Hand", qui est ensuite suivi du succès incontournable "She Saw Me Coming". On retrouve aussi un son folk ou country à l'occasion qui nous montre que le groupe n'a pas essayé de se copier lui-même, mais qu'ils ont plutôt réalisé l'album dont ils avaient vraiment envie. Pour la première fois depuis un bon bout de temps, le groupe se renouvelle quelque peu et il s'agit certainement de leur meilleur album depuis au moins 25 ans, peut-être même depuis Exile On Main Street en 1972 (il y a 33 ans déjà!). Évidemment, vous les reconnaîtrez tout de suite grâce aux riffs uniques de Keith Richards et à la voix singulière de Mick Jagger, mais le groupe nous propose un son plus moderne, moins ancré dans leur son des années 60. On peut encore faire des parallèles, mais il est beaucoup plus difficile d'associer une pièce à un classique du groupe, ce qui est un bon pas en avant. Malgré ce bon album qui plaira autant aux nostalgiques qu'à une génération plus jeune, je continue de penser qu'il serait temps qu'ils se retirent avant de devenir pathétiques. Ils ont beau avoir toute une machine promotionnelle derrière eux, mais ils ont quand même tous passé la soixantaine (sauf Ron Wood) et ils risquent de ne plus être à la hauteur de leur réputation. Je croyais bien qu'ils avaient bouclé la boucle avec la compilation double Forty Licks parue en 2002 pour souligner le 40e anniversaire du groupe et le double album souvenir de la tournée qui a suivi en 2004, Live Licks. Mais, il semble que non comme ils nous le prouvent avec A Bigger Bang. Réussiront-ils à revenir avec un autre album de qualité après celui-ci? J'en doute beaucoup, mais c'est à suivre... (critique principale de décembre 2005)

Santana, All That I Am

Screeching Weasel, My Brain Hurts (1991) (réédition de 2005)

Seemless, Seemless (2004) (réédition de 2005)

The Soundtrack Of Our Lives, Origin Vol. 1

Après leur succès de 2001 avec l'album Behind The Music, The Soundtrack Of Our Lives est de retour avec un 4^e album, Origin Vol. 1. Le groupe suédois nous revient encore une fois avec un album solide, un album alternatif qui a tout d'un album pop. En effet, les mélodies sont toujours aussi accrocheuses et les rythmes, efficaces, mais leur musique est probablement trop créative pour rejoindre un large public... L'album commence en force avec 3 pièces particulièrement bien construites en "Believe I've Found", Transcendental Suicide" et le premier extrait, "Big Time". Il est intéressant de noter que le groupe se permet quelques mots de français dans "Midnight Children". Tout au long de l'album, on retrouve des pièces fortement influencées des années 60, de The Who à The Stooges, en passant par Buffalo Springfield, The Rolling Stones et The Beatles. Le potentiel commercial est présent plus que jamais, mais ils ne semblent pas être en mesure d'attirer les projecteurs sur eux. D'ailleurs, même s'ils nous offrent un excellent album, je l'ai laissé traîné des mois avant d'en faire une chronique ici, ce qui signifie qu'il m'a en quelque sorte laissé indifférent moi aussi. Pourtant, les faiblesses y sont bien rares... (juin 2006)

½

Stereophonics, Language. Sex. Violence. Other?

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Déroutant, explosif... Pour qui connaît et a aimé les Stereophonics sur l'excellent Just Enough Education To Perform, ce nouvel et 5e album ne peut être que déroutant. Alors que sur Just Enough... on découvrait un groupe de pop rock mélodique, au style assez rond, une pop soyeuse et parfaitement arrangée avec, pour ne rien gâcher, la voix rauque (émotionnellement chargée) de Kelly Jones, ce nouveau venu bouscule le confort de l'auditeur, et projette littéralement un son agressif! Plus rock encore que les deux premiers albums, Language. Sex. Violence. Other? provoque une explosion instantanée dès le premier morceau "Superman". Le rythme est élevé, l'intensité au maximum, les Stereophonics semblent avoir viré vers une sorte de rock garage, un peu électro... C'est réellement brutal! Et ce n'est pas le récent changement de batteur qui explique le tout... D'autant plus que la voix du chanteur vire au rouge, et provoque une révolte, un chant incendiaire... à peine reconnaissable! A ce moment là, on ne se doute pas encore que tout l'album reste sur le même ton! Pas un moment de répit, pas une baisse de régime, les décibels coulent à flots, les guitares se déchaînent! Leur musique est devenue plus dense, moins aérée, plus oppressante... avec toutefois, un titre fort qui se démarque, "Dakota". Au final, on se retrouve avec un album qui gagne en énergie rock, mais qui perd sensiblement en caractère et originalité, pour un groupe qui avait développé un style qui lui convenait parfaitement. Sans être un album raté, Language. Sex. Violence. Other? finit par se fondre dans la nouvelle mouvance rock un peu garage... (mai 2005)

Supergrass, Road To Rouen

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

L’onde de choc fut terrible lors de la sortie de leur premier opus, I Should Coco. Depuis, et suite à la confirmation faite par In It For The Money, les quatre garçons anglais, originaires d’Oxford, sont qualifiés de génies… un peu marginaux, souvent discrets, mais terriblement efficaces et inspirés. Road To Rouen est le 5^e album du groupe, qui fête par la même occasion ses 10 années de carrière ! Le nom choisi cette fois-ci est un « habile » jeu de mot, mélangeant le titre de l’album Road To Ruin des Ramones avec la région où ils ont enregistré ce dernier disque, en Normandie… Supergrass est un groupe qui bouge, composé de musiciens imprévisibles qui passent souvent du coq à l’âne (mais pas n’importe comment…). D’un premier disque pop punk, à un second plus acoustique, le changement est aussi brutal que jouissif ! Supergrass aurait-il voulu surprendre? En tout cas, musicalement, Road To Rouen est réellement différent, et novateur pour le groupe... mais malheureusement pas dans le monde musical. Après avoir joué un punk savant, bien habillé et de la pop nerveuse bien affûtée, Supergrass revient dans une configuration musicale trop classique... de la pop trop soft, déjà vue. Le premier morceau est assez réussi, "Tales Of Endurance" (morceau en plusieurs parties...), mélange de pop rock (façon Franz Ferdinand sur certains accords), de pop atmosphérique et de folk. Mais la suite est bien plus convenue avec ballades traditionnelles ("St Petersburg"), pop rock déjà vu ("Sad Girl", "Road To Rouen" et "Kick in The Teeth") et tentatives presque infructueuses ("Coffee In The Pot")... Ça manque globalement de pêche et de cette touche de génie et de grâce qui touchait le groupe sur ses premiers albums. Road To Rouen n'est pas mauvais en soit... juste décevant. (octobre 2005)

System Of A Down, Mezmerize

Quatre ans après le monstre de Toxicity, le meilleur album métal des années 2000 jusqu'à maintenant, System Of A Down nous revient avec Mezmerize alors que la pression est forte et les attentes, nombreuses. Le groupe a bien fait de prendre son temps, de laisser retomber la poussière et de nous présenter un album de pièces inédites en 2002 pour nous faire patienter (Steal This Album!). Mezmerize est la première partie de ce qui aurait pu être un album double, mais qu'on a décidé de nous présenter séparément, la suite, Hypnotize, étant prévue pour septembre. On retrouve à nouveau le style unique de SOAD avec ses variations rythmiques toujours inattendues dans lesquelles on peut passer du métal le plus violent à des genres un peu plus introspectifs ou légers. Malgré ces variations, les pièces sont bien rythmées et les mélodies sont toujours aussi efficaces. Le tout débute par une intro d'une minute, bien douce pour être sûr qu'on fasse le saut quand ça commencera pour vrai. Heureusement, c'est le premier simple, "B.Y.O.B.", qui suit, ce qui n'est pas trop épeurant puisque c'est une pièce de la qualité de "Chop Suey!" qui avait largement contribué à propulser leur album précédent au sommet. Toutes les pièces qui suivront auront leurs riffs incroyables à un moment ou à un autre, une énergie hors du commun et, malgré une ligne directrice bien évidente maintenant très caractéristique au groupe, se distingueront toutes les unes des autres. "Radio/Video" nous proposera même une espèce de petit ska un peu vieillot en plein milieu, un style jamais exploré par le groupe jusque là, du moins sous cette forme. Des moments presque industriels sur "Violent Pornography" en font une de mes préférées et on utilisera un traitement électronique de la voix sur "Old School Hollywood" pour la rendre unique. Les faiblesses sont rares sur cet album de 36 minutes et la seule chose qui peut le rendre inférieur à Toxicity est l'impact qu'ils auront sur la nouvelle génération qui sera sûrement moins grand maintenant qu'ils sont déjà bien implantés dans l'industrie. Les fans du groupe ne peuvent passer à côté de Mezmerize, tout comme les amateurs de métal de grande qualité, mais n'oubliez pas de surveiller la sortie de Hypnotize vers la fin de l'été. (critique principale de juillet 2005)

System Of A Down, Hypnotize

Voici la suite tant attendue de l'excellent Mezmerize paru 6 mois auparavant. À ce moment, c'était déjà prévu et annoncé qu'Hypnotize suivrait dès l'automne, un beau travail de marketing quoi! Surtout que les 2 albums, même s'ils s'écoutent parfaitement chacun de leur côté, auraient pu former un seul et même album de 76 minutes. Les boîtiers ont même été conçus pour se joindre ensemble et ne faire qu'un seul coffret. Encore là, c'est un excellent truc du département de création pour éviter le téléchargement illégal sur le web, puisqu'il y a une valeur ajoutée évidente à se procurer les 2 albums. Musicalement, ce nouveau disque ressemble bien sûr au précédent. Ce qui le rend peut-être légèrement inférieur est qu'on a déjà découvert certaines facettes du groupe sur Mezmerize qui reviennent ici. Vous direz que c'est normal puisqu'ils ont été créés presque en même temps et vous avez raison. C'est justement ce qui fait qu'on aurait dû nous présenter tout à la fois, un peu comme Guns N' Roses l'avait fait avec Use Your Illusion 1 & 2, il y a de cela plus d'une décennie. Mais, ça aurait brisé le génie marketing... Sur Hypnotize, vous ne trouverez pas de bombes comme "B.Y.O.B." ou "Question!" sur le précédent, mais "Stealing Society", "Attack" (qui démarre l'album) et "U-Fig" vous en mettront plein les oreilles. "Kill Rock 'N Roll" reprend exactement là où "Old School Hollywood" nous avait laissé avec une tendance rock n' roll que je n'avais pas entendu chez SOAD auparavant. La chanson-titre et premier extrait de l'album m'a quelque peu déçu au départ, mais me plaît de plus en plus et fait partie de ces pièces qu'on apprend à apprivoiser. L'album se termine avec l'excellente ballade "Lonely Day" et avec "Soldier Side" qui complète l'intro du même titre de l'album Mezmerize. La boucle est donc bouclée. J'ai écouté l'album seul, ainsi qu'à la suite de son jeune prédécesseur et je dois dire que c'est en les écoutant en continu qu'on en tire le meilleur. Avec ces 2 albums, SOAD nous présente non seulement le meilleur métal de 2005, mais le meilleur depuis bien longtemps. Même si Hypnotize est peut-être (je dis bien peut-être) légèrement inférieur à Mezmerize, il s'agit d'un album de premier plan d'un groupe qui est dans une classe à part. Qui pourra les déloger? Veuillez noter qu'Hypnotize est également disponible en dual disc avec le côté DVD qui inclut un film sur l'enregistrement des 2 albums en studio. (critique principale de janvier 2006)

Lynda Thalie, Lynda Thalie

Lynda Thalie est une québécoise d'origine algérienne qui nous présente ici son 2^e album. Sa voix chaude est enrobée d'arrangements magnifiques sur une musique qu'on pourrait qualifier d'internationale avec ses rythmes arabo-occidentaux. L'album a été réalisé par Nicolas Maranda qui a vraiment su tirer le meilleur de la chanteuse, auteure et compositeure au talent immense. Elle reprend ici "En équilibre", une pièce de son premier album, Sablier, et en fait même le premier extrait de cet album éponyme. Il s'agit selon moi de la meilleure pièce du disque. Elle reprend aussi une pièce de Sade, une adaptation en arabe de "Pearls" qui devient "Djouhar". Elle dit avoir été très touchée par cette pièce, mais là c'est une question de goût. D'autres pièces sont dignes d'intérêt puisqu'elles captent rapidement notre attention: "Nomade", "Adieu mon pays" (d'Enrico Macias), "Tout ce dont j'ai besoin" et "Galouli". Lynda a aussi eu le privilège de recevoir un texte de Michel Rivard qu'elle a mis en musique et qui s'intitule "De neige ou de sable". En général, l'album possède un son passablement uniforme, assez ambiant, qui ne s'écoute pas dans n'importe quelle situation. Par contre, lorsque les circonstances s'y prêtent bien, c'est un album qui se déguste littéralement par son atmosphère chaleureuse. Il vous fera assurément rêver en vous transportant complètement ailleurs. Que c'est agréable d'entendre une chanteuse québécoise se différencier de la masse des chanteuses à textes! (février 2006)

Carbone

½

Tonik, Last Call

The Trews, Den Of Thieves

Turbonegro, Party Animals (CD + DVD)

Dans les années 90, alors que tout le monde de la musique rock n'en avait que pour le grunge, puis le post-grunge, un groupe de hard rock norvégien apparaissait et nous offrait ce que les américains et les britanniques n'étaient plus en mesure de nous donner dans le genre glam metal et hard rock. Ce groupe c'est Turbonegro qui nous a présenté le classique Apocalypse Dudes en 1999. Le groupe est maintenant de retour, 2 ans après l'excellent Scandinavian Leather. Ma première impression à l'écoute de ce nouvel album: ça brasse et c'est bon! Mais, en l'écoutant un peu plus en profondeur, je me suis plutôt ravisé. C'est que le groupe revient jouer dans les mêmes clichés qu'il avait si brillamment utilisés sur ses précédents albums, sauf qu'ici ça sent le réchauffé. Ils tentent de refaire leurs gros albums mais tombent malheureusement dans de véritables clichés en se copiant eux-mêmes en plus d'une bonne dizaine de groupes de la fin des années 70 et des années 80. Voici les groupes qui me sont venus en tête le plus souvent: Judas Priest, Accept, Scorpions, Guns N' Roses et Hanoi Rocks. En plus, les thèmes abordés n'ont souvent rien de bien modernes comme vous le montreront les titres suivants: "City Of Satan" (le nouveau vidéoclip), "Death From Above", "Stay Free" et "Babylon Forever". Il est vrai que le groupe ne s'est jamais trop pris au sérieux, mais là c'est la créativité qui en prend pour son rhume. Certaines mélodies vous plairont quand même et les pièces punk "All My Friends Are Dead" et "Final Warning" sont très bonnes. Le fait qu'un DVD est inclus m'a attiré au départ, mais il est totalement inutile. On n'y voit que le chanteur Hank Von Helvete dans un gymnase qui nous donne ses trucs pour un bon entraînement. Lui qui n'est pas trop crédible dans ce rôle peut nous faire sourire au départ, mais on trouve ensuite les 13 minutes du vidéo bien longues, même si on peut entendre des bouts de quelques pièces de l'album en certaines occasions. En conclusion, vous apprécierez peut-être parce que ça brasse et que les groupes hard rock potables sont quand même rares de nos jours. Mais, Party Animals ne passera pas à l'histoire comme un grand album de Turbonegro. (décembre 2005)

Burning Heart / Abacus

The Unseen, State Of Discontent

Florent Vollant, Nipaiamianan (1999) (réédition de 2005)

Nipaiamianan est un album de Noël qui était déjà paru en 1999, mais n'était plus disponible depuis un certain temps déjà. En voici la réédition qui était très attendue. C'est qu'il s'agit ici d'un album de Noël qui se différencie de la masse des albums du genre par son style musical plus folk et par la langue employée, celle des ancêtres de Florent Vollant, l'innu. Il s'entoure de plusieurs collaborateurs sur cet album, allant de Richard Séguin à Réjean Bouchard en passant par Ray Bonneville, Zachary Richard, Luce Dufault et Lucien Gabriel Jourdain. Vous y entendrez certains classiques de Noël, que Florent adapte librement et vous offre d'une façon unique que vous ne risquez pas d'entendre très souvent.  "Sainte nuit" devient "Tshitshitua Tepishkat", "Minuit, chrétiens" devient "Nipaiamianan" (la chanson-titre qui signifie longue nuit), "Les anges dans nos campagnes" se transforme en "Eku Papa-Petakakut", "Adeste fideles" devient "Metshetiek" et "Venez, divin Messie" apparaît sous le titre "Eku Nashpit Minuashu". J'avoue que je n'ai jamais de bien grandes attentes face à un disque de Noël, mais il était bien difficile ici de ne pas tomber sous le charme. La guitare acoustique de Florent Vollant est toujours bien enrobée dans de magnifiques arrangements doux et captivants. Certaines pièces ont même réussi à me faire oublier que j'écoutais un album de Noël ("Kassinu", "Tshishe Manitu", etc.), ce qui peut laisser la possibilité d'écouter l'album tout au long de l'année, en faisant un saut par-dessus les classiques qui risquent d'être moins pertinents par un bel après-midi de juin. Pour un album de Noël unique et d'une grande qualité artistique, voici un choix qui vous changera des classiques éternellement réinterprétés de la même façon. (décembre 2005)

Diffusion YFB

Martha Wainwright, Martha Wainwright

Wasted Sunday, Barely Spoken, Already Understood

Wasted Sunday est un groupe de Québec composé de 4 jeunes hommes au tout début de la vingtaine. Ils nous proposent un pop punk énergique et mélodique. Parmi leurs influences principales, on retrouve NOFX, No Use For A Name, Thrice, Strung Out et Lagwagon, ce qui donne en même temps un assez bon aperçu de leur son. On pourrait aussi les comparer à 1208 et Amber Pacific, avec des traces de Sum 41. Malgré des mélodies très efficaces et une qualité de réalisation irréprochable, je trouve malheureusement que le groupe n'a rien pour se démarquer de la mer de groupes dans le genre qui inonde complètement la planète au point de tous nous noyer. Bon, dans un festival punk à travers plusieurs autres groupes punks et pop punks, Wasted Sunday plaira assurément... comme la plupart des autres groupes présents. Mais, il manque cette étincelle, ces pièces une coche au-dessus de la moyenne qui feraient que le groupe pourrait aspirer à plus et éventuellement vivre de sa musique, même si des pièces comme "Quietly Drowning" et "The Silence" sont très intéressantes. Peut-être que le prochain album les amènera à ce niveau. Je leur souhaite! En attendant, qu'ils aient du plaisir à tourner à travers le Québec et en profitent au maximum. Pour ceux qui mangent du pop punk et n'écoutent que ça, Wasted Sunday aura sa place dans votre collection. (décembre 2005)

New Horizon

Andrée Watters, À travers

Andrée Watters amenait en 2003 un nouveau vent de fraîcheur dans la musique pop rock radiophonique avec son premier album, AW, et ses succès "Dépendre de toi" et "Si exceptionnel", entre autres. Elle s'est d'ailleurs méritée un Félix pour l'album rock de l'année, devant Daniel Boucher. En 2005, c'était le moment du lancement de son fameux 2^e album, un 2^e album qui est toujours très craint des artistes, mais encore plus des chroniqueurs musicaux. C'est donc avec une certaine réticence que j'ai écouté À travers en espérant ne pas avoir à trop être négatif. Après tout, j'avais bien aimé son premier album et elle est sympathique. À l'écoute du premier extrait, j'avais mes doutes, parce que malgré un refrain fort, la chute était plutôt brusque aux couplets. J'ai tout de suite pensé que ça ressemblait à ce que j'avais le moins aimé sur son premier album, c'est-à-dire des pièces pop sans trop de mordant qui ne cadraient pas avec la présentation de rockeuse qu'on en faisait. Sur À travers, ce style se répand sur toute la longueur du disque de 45 minutes. Quelques bons refrains avec de la guitare pour justifier son titre de rockeuse et le reste des chansons est souvent plutôt ennuyant. C'est aussi un peu le cas avec son nouvel extrait, "Ce que je perds". En fait, je pense qu'il faut oublier l'étiquette de rockeuse pour éviter la déception. Elle nous offre une musique pop avec un peu de guitare, point final. Si on s'en tient à ça, elle offre un produit de qualité qui bénéficie en plus de la grosse machine promotionnelle de Sony BMG. Au moins, il y a "Tu pars" qui est vraiment excellente, mais en bout de ligne, c'est un 2^e album très moyen pour Andrée Watters, malgré plusieurs succès radio. (avril 2006)

Weerd Science, Friends And Nervous Breakdowns

Weezer, Make Believe

Voici un groupe qui représente définitivement une énigme. Rares sont les groupes qui divisent autant les critiques et ce, sans jamais avoir lancé un mauvais album. Nous n'avons qu'à prendre l'exemple de leur 2^e album, Pinkerton. En 1996, il a été un flop commercial total, en plus d'être démoli par la critique, la revue Rolling Stone parlant même du pire album de l'année. Par contre, avec le temps, Pinkerton est devenu un album culte pour le groupe, un album que plus personne n'oserait critiquer et qui est considéré par plusieurs comme leur meilleur en carrière, rien de moins. Ils ont tout d'abord été faussement associés au punk en présentant leur premier album dans la foulée des méga-succès de Green Day et The Offspring en 1994. Par la suite, c'est au rock alternatif qu'on les a associés, alors qu'ils nous ont toujours offert de bonnes chansons pop rock, tout simplement. Ils ont leur style bien à eux, donc qu'on cesse d'essayer de les associer à un mouvement en particulier! Sur Make Believe, le groupe revient aux pièces pop de ses 2 albums éponymes, en laissant de côté le son lourd qu'on retrouvait sur Maladroit, leur dernier album paru en 2002. Ce n'est donc pas bien surprenant de voir le succès qu'on eu les pièces "Beverly Hills", "We Are All On Drugs" et "Perfect Situation". Par contre, ils réussissent à nous surprendre en quelques occasions avec un son différent, comme c'est le cas avec "This Is Such A Pity" qui fait très années 80. Elle n'est pas sans nous rappeler The Cars et on a peut-être arrangé cette chanson en l'honneur de Ric Ocasek qui a déjà travaillé avec eux comme réalisateur. Rivers Cuomo, qui a pris le contrôle du groupe il y a déjà bien longtemps, nous offre encore une fois des compositions de qualité et les faiblesses sont rares sur Make Believe, malgré quelques ballades un peu superflues. C'est Rick Rubin qui a eu la responsabilité de le réaliser et le résultat est efficace, sans que ce soit trop travaillé. Il faut quand même un son de guitare un peu sale et distorsionné pour bien rendre le son unique à Weezer. Certains diront que plusieurs pièces ressemblent à ce qu'ils ont fait dans le passé et ce n'est pas tout à fait faux. Par contre, je n'ai pas eu l'impression qu'ils se copiaient eux-mêmes, et tant que les pièces sont efficaces, je ne vois pas le problème. Un autre bon album pour Weezer... (février 2006)

½

Kanye West, Late Registration

Kanye West a d'abord été réalisateur pour quelques-uns des plus grands rappeurs incluant Jay-Z. Mais, lorsqu'il a décidé de lancer son premier album en 2004, The College Dropout, son succès a été instantané, en plus d'être acclamé de la critique. Un an plus tard, il nous revenait avec Late Registration, considéré par ses fans comme un album inférieur à son premier, mais encore une fois grandement apprécié de la critique. Pour ma part, ce que j'ai découvert ici est un album de très grande qualité, parmi les meilleurs albums hip hop du moment. West nous propose une musique riche en sonorités qui explore différents styles allant du funk au R&B, en passant par un fond de jazz en quelques occasions. Ses mélodies sont d'une efficacité incomparable et plusieurs pièces possèdent un grand potentiel commercial (incluant bien sûr les méga-succès "Gold Digger" et "Diamonds From Sierra Leone"). Tous les éléments d'un bon album hip hop sont présents: 70 minutes de musique, des intermèdes et de nombreux artistes invités (Adam Levine de Maroon 5, Jamie Foxx, Brandy, Jay-Z et plusieurs autres). Il y a bien quelques titres qui m'ont un peu moins intéressé, mais l'ensemble s'écoute tout de même à merveille, ce qui en fait certainement un des meilleurs albums hip hop de 2005. Late Registration est une excellente façon de nous faire patienter jusqu'au prochain bon album de Eminem. (critique principale de mai 2006)

The White Stripes, Get Behind Me Satan

Voici le très attendu 5e album du duo minimaliste de Détroit The White Stripes, un duo qui continue d'affirmer qu'ils sont frère et soeur même s'ils sont en réalité ex-conjoints (eh oui, le nom de Jack White est un pseudonyme). Musicalement, le groupe a réussi à se frayer un chemin dans le son blues garage underground et à devenir un des groupes les plus admirés des années 2000. Avec leur précédent album, Elephant, ils ont battu des records de ventes, principalement grâce au succès commercial de "Seven Nation Army" qui a même inspiré plusieurs DJ pour en faire des versions encore plus dansantes. Sur Get Behind Me Satan, Jack, qui est le seul compositeur, se laisse aller plus que jamais dans le romantisme, et laisse de côté du même coup la guitare distorsionnée qui a fait le succès des enregistrements précédents. Il y en a encore, comme dans la pièce blues "Instinct Blues", mais le piano prend un espace beaucoup plus important et nous prive quelque peu du talent immense de Jack en tant que guitariste. On explore différents styles comme le country sur "Little Ghost" et "I'm Lonely" ainsi que le disco/métal sur le succès "Blue Orchid", une autre pièce dansante qui se fera sûrement remixée bien des fois. Mais, en général c'est un son blues tout à fait unique que nous propose à nouveau ce compositeur à la créativité sans bornes. On reconnaît le style des White Stripes, mais l'album va encore une fois un peu plus loin. C'est comme ça depuis leurs débuts, ce qui fait que de nouveaux fans s'ajoutent et que d'autres décrochent espérant réentendre ce qu'ils avaient aimé du duo auparavant. Comme pour "Seven Nation Army" sur le précédent album, les gens qui achèteront Get Behind Me Satan parce qu'ils aiment "Blue Orchid" seront assurément déçus, puisque le reste de l'album n'a rien à voir avec celle-ci. Pour ma part, je le trouve un peu moins satisfaisant que Elephant, que j'avais considéré comme le meilleur album de 2003. Ce n'est pas qu'il est moins original, mais plutôt que le son du piano me rejoint moins que celui de la guitare, donc c'est purement une question de goût. En conclusion, c'est un autre album solide que nous offrent The White Stripes, un top 10 assuré de l'année en cours. (critique principale de septembre 2005)

Wolf Parade, Apologies To The Queen Mary

Wolf Parade est un nouveau groupe montréalais qui est surtout connu pour avoir fait la première partie de Arcade Fire, la nouvelle sensation de la scène montréalaise, à plusieurs reprises. C'est d'ailleurs dans ce contexte que je les ai découverts en avril dernier. Après 2 mini albums, voilà que le groupe nous offre son premier album complet, un disque très attendu dans la scène alternative, autant à Montréal qu'ailleurs en Amérique. Le groupe tire ses influences de David Bowie, des Pixies et de Modest Mouse. Parmi leurs contemporains, on peut les comparer à Franz Ferdinand et évidemment à The Arcade Fire. J'ai même entendu Gorillaz à travers la structure de la première pièce, "You Are A Runner And I Am My Father's Son". Après avoir attiré l'attention de Isaac Brock de Modest Mouse, Wolf Parade a été amené chez l'étiquette Sub Pop par le gérant de ce groupe américain très créatif. Finalement, Brock a réalisé ce premier essai pour les nouveaux venus. Une des particularités du groupe est qu'il alterne presque parfaitement le chant entre Dan Boeckner, le guitariste, et Spencer Krug, le claviériste. Hadji Bakara (claviers et électronique) et Arlen Thompson (batterie) viennent compléter le quatuor. Il faut aussi noter la présence de Tim Kingsbury de Arcade Fire sur 2 pièces à la guitare et sur 1 à la basse. Même si je n'avais pas été totalement renversé par leur performance sur scène il y a 7 mois, je dois dire que je m'étais créé de fortes attentes vis-à-vis cet album. Donc, la première écoute m'a laissé sur mon appétit. Il faut dire qu'il s'agit du genre d'album qu'on doit écouter à plusieurs reprises pour pouvoir l'apprécier à sa juste valeur. Je ne me suis donc pas découragé et l'ai réécouté plusieurs fois pour finalement découvrir un des albums les plus créatifs de 2005. Il y a bien certaines sonorités que je n'arrive pas à apprécier totalement: parfois la voix, parfois le clavier et parfois la rythmique un peu particulière. Mais, une fois les opinions personnelles mises de côté, c'est un album extrêmement solide qu'on peut entendre avec Apologies To The Queen Mary. Bizarrement, malgré des mélodies souvent très accrocheuses, je n'ai pas l'impression qu'il s'agit d'un album pop qui plaira à un vaste public. Peu de chansons sont aussi accrocheuses que ce que nous a offert Arcade Fire jusqu'à maintenant, sauf peut-être l'excellente "Shine A Light" et "It's A Curse". Pour les amateurs de musique originale et différente, Wolf Parade est un choix judicieux. Avec eux, la continuité du succès de la scène alternative montréalaise est assurée. (découverte du mois de décembre 2005)

Youth Group, Skeleton Jar

Compilations :

Big Shiny Tunes 10

C.R.A.Z.Y. (musique originale)

The Flaming Lips, Late Night Tales

Horloge biologique (musique originale)

Voilà une bande originale qui accompagne merveilleusement bien un film de qualité pour en faire un film de premier plan. La musique a en effet un rôle bien important à jouer à différents moments du film Horloge biologique et elle vous reste nécessairement en tête. C'est donc un paquet de souvenirs qui reviennent en écoutant l'album. Fait rare pour une bande originale de film, le CD de 50 minutes s'écoute bien du début à la fin. Il nous propose un mélange de rock et d'électro moderne, avec quelques classiques en prime dont "It's My Life" de Talk Talk. Par contre, vous n'y trouverez pas le fameux succès de Foreigner "I Want To Know What Love Is" qu'on entend à répétition dans le film lors des séances d'aquagym. Peut-être qu'elle ne cadrait tout simplement pas avec le reste du disque qui bouge quand même passablement. Du côté rock, on retrouve 2 pièces de Poxy, le nouveau groupe de Xavier Caféïne. Du côté plus dansant, on est très heureux d'entendre la fameuse toune des 5 à 7 qui faisait partie de la bande-annonce, "When Nature Calls" de Mataï, ainsi que l'excellente "Son Of Bumba Cloth" de Apollo n Sound System. Entre les deux, les 3 pièces rock/électro de Dee et celle de Echo Kitty donnent le ton à l'album pour en faire un disque au son des années 2000. Le funk est également présent grâce à "Gee's Up" de Miss Cannonball. Même si peu d'artistes connus sont présents, on aura assurément envie de découvrir les nouveaux noms, parce que très peu présentent des pièces réellement faibles. Si certaines vous plaisent moins, ce sera plutôt une question de goût qu'un manque de qualité. Peu de pièces ont un potentiel d'éclatement commercial, mais pour accompagner un film, on ne pouvait trouver mieux. Un excellent disque! Pour lire ma critique du film, visitez Cinémania. (mars 2006)

½

Punk O Rama 10 (CD + DVD)

The Suicide Girls: Black Heart Retrospective

Sympathetic Sounds Of Montreal

Vans Warped Tour '05