Comme vous avez pu le remarquer, il n'arrive jamais que nous donnions 5 étoiles à un album. C'est simplement qu'on ne peut établir dès sa sortie qu'un album est parfait et deviendra un album historique. Un recul de quelques années est nécessaire. Nous vous présentons donc ici des albums datant d'au moins 10 ans, qui se sont probablement mérités 4 étoiles ou 4 étoiles et demie à l'époque, mais qui méritent clairement 5 étoiles avec le recul. Ce sont de véritables albums historiques!

Après le meilleur album du groupe à ce jour en Highway To Hell et le décès de son chanteur vedette, Bon Scott, on aurait très bien pu voir la fin d'AC/DC dès 1980. Pourtant, le groupe s'est retroussé les manches, a embauché le chanteur "crieur" Brian Johnson et nous a offert rapidement l'album qui allait les classer parmi les légendes du rock, Back In Black. Le groupe avait déjà commencé depuis quelques années à prendre ses distances par rapport à ses influences blues et le style d'AC/DC allait vraiment être immortalisé sur cet album. Ils allaient tenter sans cesse par la suite de se copier eux-mêmes en refaisant de nouveaux Back In Black, mais avec beaucoup moins de succès. La cloche qui annonce "Hells Bells", la première pièce de l'album, annonce aussi la fin d'une époque et le début d'une nouvelle ère pour AC/DC. Ensuite, tentez de trouver les faiblesses sur cet album et vous aurez bien de la difficulté. Avec des pièces comme "Shoot To Thrill", "Givin the Dog a Bone", le méga-succès "You Shook Me All Night Long" et la chanson-titre, les moments de répit seront plutôt rares. Si vous ne connaissez pas AC/DC, vous n'avez besoin que de 2 albums au départ: Back In Black et la version de 2 CD de Live qui vous présentera leur énergie en concert. Veuillez noter que Back In Black a été repiqué numériquement et relancé en 2003, ce qui vous permettra d'avoir une version rafraîchie de ce classique. Comme pour toutes les autres rééditions d'AC/DC, le CD vous donne accès à du contenu inédit sur le site du groupe. On y trouve une entrevue de Brian Johnson, 3 vidéoclips et plus... (novembre 2005)

The Arcade Fire est un groupe montréalais qui attire passablement l'attention depuis la sortie de son premier album en septembre 2004. Le groupe est formé du couple Win Butler et Régine Chassagne, accompagnés de Will, le jeune frère de Win, le tout complété par Richard Parry et Tim Kingsbury. Cette petite famille nous propose une musique indie rock particulièrement originale avec des mélodies inoubliables et un amalgame parfait d'introspection et de rythme. On peut les comparer à leurs cousins montréalais de The Dears, mais d'autres noms peuvent nous venir en tête : Pixies, Sugarcubes, Modest Mouse, The Cure, etc. On retrouve dans la musique d'Arcade Fire une très belle utilisation des cordes et des claviers qui vient ajouter une richesse musicale incomparable. On a intitulé l'album Funeral suite aux nombreux décès que plusieurs membres du groupe ont dû vivre au cours de l’année précédent le disque, mais rassurez-vous, l'album n'a rien d'ennuyant à en « mourir ». Au contraire, les 10 pièces coulent à merveille pendant 48 minutes sans jamais nous décevoir, et chaque nouvelle écoute nous en fait apprécier un aspect non entendu auparavant. Funeral est un album sans faiblesses qui laissait présager un avenir hors du commun pour ce nouveau groupe de la scène montréalaise, un groupe qu’on comparait déjà aux plus grands. (découverte du mois de février 2005)

Les Beach Boys atteignent sur Pet Sounds un tout autre niveau en termes de composition et de production, superposant pistes sur pistes de voix et d'instruments pour créer un son richement symphonique. Les claviers et les guitares ont été combinés à des touches exotiques de cordes orchestrées, de sonnettes de bicyclette, d'orgues, de clavecins, de flûtes, de thérémine, d'instruments à cordes hawaïens, de canettes de cola, de chiens aboyant, etc. L’album n'aurait pas été un classique sans de grandes chansons, et celles-ci contiennent certaines des mélodies les plus étonnantes du groupe, ainsi que des thèmes lyriques qui évoquent à la fois l'intensité des amours naissantes et la déception d'une romance ratée, en plus de quelques déclarations générales sur la perte de l'innocence et la confusion des temps modernes. La qualité du matériel est renforcée par les plus belles voix masculines dans le registre supérieur (en particulier celles de Brian et Carl Wilson) jamais entendues sur un disque de rock. « Wouldn't It Be Nice », « God Only Knows », « Caroline No » et « Sloop John B » (qui n'était pas prévu à l'origine sur l'album) sont les succès les plus connus, mais d’autres titres sont tout aussi dignes d'intérêt (« You Still Believe in Me », « Don't Talk », « I Know There's an Answer », « I Just Wasn't Made for These Times »). On dit souvent que Pet Sounds est plus un enregistrement de Brian Wilson que des Beach Boys (des musiciens de studio ayant joué la plupart des pistes), mais il faut noter que les harmonies vocales demeurent du pur Beach Boys (et certaines de leurs meilleures). Très influent à sa sortie (bien qu'il se soit relativement peu vendu par rapport à leurs albums précédents), Pet Sounds a immédiatement propulsé le groupe au premier rang des innovateurs du rock, particulièrement au Royaume-Uni où son succès a été plus grand qu’aux USA. (février 2023)

Contrairement à Stereopathetic Soulmanure et One Foot in the Grave, les albums indépendants qui ont suivi son premier album Mellow Gold de quelques mois seulement, Odelay est un album à part entière, avec une production complexe et méticuleuse des Dust Brothers. Odelay repose sur un mélange de sons trouvés et d'échantillons, mais les Dust Brothers mettent en valeur les sons toujours changeants de Beck, tout en liant les divers changements de style. Comme pour Mellow Gold, Odelay touche à des éléments disparates : folk, country, rock garage, grunge, électro et rap. Cependant, tout évolue en douceur dans un ensemble parfaitement cohérent. Plusieurs chansons semblent un peu plus compliquées qu'elles ne le sont en réalité. Elles trahissent les racines de Beck en tant que chanteur anti-folk. Il retravaille les structures du blues (« Devil's Haircut »), du country (« Lord Only Knows », « Sissyneck »), du soul (« Hotwax »), du folk (« Ramshackle ») et du rap (« High 5 [Rock the Catskills] », « Where It's At »). Mais, chaque morceau évite les conventions, que ce soit dans sa construction ou sa présentation. Bien que plusieurs des meilleures chansons de Beck se trouvent ici, Odelay s'apprécie mieux comme un tout. Un album d’une grande originalité! (janvier 2023)

Si vous désiriez découvrir les premiers albums de Chuck Berry sur Chess Records, voici celui qu’il faut posséder à tout prix. La liste des chansons est exemplaire, rassemblant des classiques comme « Maybellene », « Carol », « Sweet Little Rock & Roller », « Little Queenie », « Roll Over Beethoven », et « Johnny B. Goode ». Avec l'ajout de « Hey Pedro » à la saveur latine, ainsi que « Blues for Hawaiians », « Anthony Boy » et « Jo Jo Gunne » à la guitare steel, cet album constitue presque une compilation de grands succès en soi. Bien qu'il ne s'agisse que d'une collection de singles plutôt que d’un véritable album (comme la plupart des disques de rock ‘n’ roll dans les années 1950 et au début des années 1960), il s'agit de l'album le plus parfaitement réalisé de la carrière de Chuck Berry. Un chef d’œuvre incontournable de l’histoire du rock! (janvier 2023)

En 1972, David Bowie a décidé de s’inventer un personnage androgyne qu’il a surnommé Ziggy Stardust. Il a présenté l’album concept The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un chef-d’œuvre hors de son temps qui allait révolutionner le genre et mettre définitivement Bowie sur la carte. Le personnage ferait à nouveau son apparition 1 an plus tard sur Aladdin Sane avant qu’il le fasse disparaître sur scène à la fin de la tournée suivante. L’album qu’on appelle communément Ziggy Stardust forme un tout indissociable de 11 titres. Chaque pièce a en effet son importance et son rôle à jouer sur le disque, de « Five Years » à « Rock ‘N’ Roll Suicide », en passant par « Moonage Dream », « Starman », « Lady Stardust », la rock n’ roll « Suffragette City » et la chanson-titre à succès. On peut dire que David Bowie a exploré plusieurs genres au cours de sa carrière, souvent avant même qu’ils deviennent à la mode, mais le glam rock de la période Ziggy Stardust allait probablement s’avérer sa période la plus créative et la plus marquante (même si certains fans préfèrent la trilogie de Berlin de la fin des années 70 en collaboration avec Brian Eno). Selon moi, Ziggy Stardust demeure l’album ultime de Bowie, celui qui a tout démarré, mais aussi celui qui a élevé les attentes vis-à-vis tout le reste de sa carrière, faisant souvent de lui un mal-aimé des critiques malgré sa créativité débordante et son avant-gardisme. Pour plus d’informations sur David Bowie, vous pouvez visiter sa musicographie : www.musicomania.ca/davidbowie. (avril 2008)

En 1989, dans une période où les cheveux des musiciens semblaient plus importants que la qualité de leurs compositions, un groupe a surpris tout le monde avec un album différent, Faith No More. Malgré un excellent album lancé 2 ans plus tôt (Introduce Yourself), ils n'avaient pas réussi à sortir de l'underground. Mais avec The Real Thing, le groupe est passé de l'autre côté avec un succès immense et de nombreux prix. Ils ont d'abord été un des premiers groupes à si bien mélanger rock et rap sur le succès "Epic". Ils ont aussi présenté un son des plus originaux sur des pièces comme l'entraînante "From Out of Nowhere", l'excellente "Falling To Pieces", la lourde "Surprise! You're Dead!" et la variée "Zombie Eaters". Ils ont en plus osé reprendre un classique de Black Sabbath, "War Pigs" qu'ils ont su s'approprier habilement, à tel point que certains jeunes de l'époque croyaient que la pièce était de Faith No More, n'ayant pas connu l'originale lancée presque 20 ans plus tôt. Dans ce groupe que le peuple découvrait, on pouvait entendre un jeune chanteur prometteur du nom de Mike Patton. Celui-ci s'est fait connaître au cours des années suivantes pour son éclectisme au sein de groupes comme Mr. Bungle, Fantômas et Tomahawk pour ne nommer que ceux-là. Avec The Real Thing, Faith No More nous présentait un album de 55 minutes sans faiblesses, original et varié, qui nous a permis d'oublier que les groupes rock américains qui régnaient en rois et maîtres à l'époque étaient Bon Jovi et Poison et que tous les artistes issus des années 70 (sauf de rares exceptions) étaient incapables de lancer un album intéressant à ce moment. Faith No More a été précurseur du mouvement alternatif qui allait se développer dans les années 90 dirigé par le grunge de Seattle. Ils allaient eux-mêmes contribuer au mouvement en 1992 avec l'excellent album Angel Dust que certains préfèrent même à The Real Thing. (juin 2005)

Quatre ans après Warning, voilà que Green Day nous revient avec American Idiot, un autre album surprenant. Même si le son nous ramène plus près de ce qu'ils nous avaient offert avant Warning, et malgré la chanson-titre à succès qui nous rappelle les meilleurs moments de l'excellent Dookie, ce disque se veut un album concept. Il contient même 2 pièces de 9 minutes en 5 parties chacune : « Jesus of Suburbia » et « Homecoming ». Certaines critiques parlent d'un album à mi-chemin entre Tommy de The Who et l'opéra punk de Hüsker Dü, Zen Arcade. Sans aller jusque là, je me limiterais à dire que Green Day continue son évolution dans le punk rock moderne, une évolution qui laisse perplexe tellement elle est rapide, mais qui sera sûrement reconnue dans le futur. Il ne faut surtout pas oublier que Green Day n'a jamais présenté de mauvais albums, même si le public a eu parfois de la difficulté à suivre. Les compositions punks de Billie Joe Armstrong sont toujours aussi efficaces (la chanson-titre, l'excellente « St. Jimmy », « She's A Rebel », etc.), mais le groupe va aussi piger dans le rock classique et théâtral (Queen, etc.). L'album, extrêmement riche en textures, vous plaira au premier abord, mais vous comblera totalement après plusieurs écoutes. Même s’il forme un tout à écouter en entier, chaque pièce est excellente séparément. C'est un disque sans faiblesses, qui frôle la perfection. (chronique principale de novembre 2004)

En 1994, la musique punk est redevenue en vogue grâce essentiellement à 2 groupes: The Offspring, mais surtout Green Day. Ce dernier qui n'avait lancé que des disques indépendants jusque-là nous proposait un premier album distribué à grande échelle et qui allait conquérir la planète entière dans les mois suivants. Grâce à 14 pièces, toutes solides, incluant les succès "Basket Case", "Welcome To Paradise" et "When I Come Around", Dookie est parmi les albums les plus agréables à écouter en totalité et à recommencer une fois terminés. Cet album allait inspirer toute une nouvelle génération de musiciens pop/punk et Green Day allait devenir un des groupes les plus souvent cités comme inspiration par les nouveaux artistes. Même si le groupe a lancé d'autres albums de grande qualité par la suite, aucun n'allait pouvoir égaler le génie de Dookie, un album incomparable à posséder absolument dans sa collection. (juillet 2005)

En 1987, alors que le rock était plongé dans une mer de groupes hard rock, une bande de mauvais garçons a fait son apparition avec un son qui se différenciait de la masse. Ils nous lançaient: "Bienvenue dans la jungle!", pour reprendre le premier titre d'Appetite For Destruction, "Welcome To The Jungle". Le premier succès radio au riff de guitare inoubliable, "Sweet Child O' Mine", qu'on a présenté aux radios dans une version écourtée par rapport à l'originale de l'album, a permis au groupe de rejoindre un public très large. Pourtant l'attitude des gars n'avait rien de bien enviable et était un assez mauvais exemple pour la jeunesse, puisque drogues et alcool étaient utilisés librement au sein du groupe. C'est d'ailleurs une des raisons qui a fait en sorte que le groupe, dirigé par le chanteur Axl Rose et le guitariste Slash, n'a présenté que 2 véritables albums par la suite et qu'ils se sont séparés (la plupart des membres font maintenant partie de Velvet Revolver sans Axl). Mais revenons à Appetite For Destruction qui est un album de hard rock parfait contenant 12 titres et totalisant 54 minutes. Les pièces s'enchaînent magnifiquement bien et semblent toutes meilleures que la précédente. Le rock n' roll y est roi et peu d'albums depuis ce temps ont réussi à présenter un son rock aussi brut et aussi parfait à la fois. Le style a perdu de la vigueur dans les années 90 avec l'avènement du grunge qui a transformé la façon de jouer de plusieurs musiciens. Mais, Appetite For Destruction demeure ce grand album hard rock qui constitue la référence dans le genre. Un incontournable! (septembre 2005)

Après avoir produit un album à succès avec Off the Wall en 1979, Michael Jackson était bien décidé à atteindre le sommet avec Thriller 3 ans plus tard. Il a parfaitement atteint son objectif en vendant plus de 45 millions de copies de cet album. Thriller devenait ainsi l’album le plus vendu de l’histoire et serait reconnu comme tel par le Livre des records Guinness qui chiffrerait ces ventes à 65 millions. Ce sont rien de moins que 7 des 9 pièces de l’album qui sont parues en 45 tours pour devenir des succès. Les 3 plus importants ont inspiré des vidéoclips révolutionnaires, de véritables mini-films qui ont changé la façon de produire un vidéoclip pour les générations à venir. Il s’agit de « Beat It », « Billie Jean » et la chanson-titre. Parmi les autres succès, nous devons également considérer la collaboration exceptionnelle de Paul McCartney (l’ex-Beatle) à « The Girl Is Mine », qui allait déboucher sur une participation de Jackson à l’album suivant de McCartney. Thriller ne comporte aucun moment faible alors que les pièces s’enchaînent magnifiquement en alternant la pop légère et une musique pop un peu plus rock. Jackson était assurément au sommet de sa créativité à cette époque et cet album allait le couronner comme le roi de la pop. En février 2008, pour souligner le 25^e anniversaire de la parution de l’album, une nouvelle édition était mise sur le marché, Thriller 25, avec 2 choix de pochettes, classique et zombie. Cette nouvelle version de l’album inclut, en plus de la version repiquée numériquement des 9 titres du disque, 5 pièces réenregistrées avec des artistes des années 2000 : will.i.am (2), Akon, Fergie et Kanye West. Elles sont toutes particulièrement réussies, la moins efficace étant « Billie Jean » avec Kanye West qui est franchement ennuyante. On retrouve également en boni une pièce tirée des sessions d’enregistrement de l’album mais jamais parue auparavant, « For All Time ». Un DVD est aussi inclus sur lequel on retrouve les vidéoclips complets de « Billie Jean », « Beat It » et « Thriller », ainsi que sa performance de « Billie Jean » au spectacle 25^e anniversaire de Motown, l’étiquette sur laquelle Michael a enregistré ses premiers disques avec ses frères. Thriller 25 fait parfaitement honneur à cet album classique de l’histoire de la musique. Il est d’autant plus intéressant que l’édition originale de l’album n’est plus disponible. Un incontournable! Visitez la musicographie de Michael Jackson ici : http://www.musicomania.ca/michaeljackson. (mai 2008)

En 1991, alors que la musique rock devenait de plus en plus ennuyante et prévisible, voilà que nous est apparu un vidéoclip qui allait créer des remous et attirer l’attention d’un très large public, "Smells Like Teen Spirit" par un groupe de Seattle nommé Nirvana. Ce groupe aux influences punk allait diriger une nouvelle vague musicale, le grunge, avec des groupes comme Pearl Jam, Soundgarden et Alice In Chains. Nevermind, réalisé par Butch Vig, est considéré par plusieurs comme l’album qui a permis au rock de survivre au moment où il en avait bien besoin. La quasi-totalité des 12 pièces incluses sur ce disque sont devenues des succès à un moment ou à un autre, soit dans leur version originale ou dans une version en concert (électrique ou acoustique). En plus de "Smells Like Teen Spirit", on ne peut passer sous silence le brio de Kurt Cobain, Kris Novoselic et Dave Grohl sur des classiques comme "In Bloom", "Come As You Are", "Breed", "Lithium", "Polly", "Drain You", "On A Plain" et "Something In The Way". Oubliez les faiblesses sur ce disque qui prouve que la perfection peut bel et bien exister. C’est un album qu’on peut écouter à répétition sans jamais se lasser, un album que le groupe lui-même n’a pu égaler par la suite dans une courte carrière brutalement interrompue par le décès de Cobain en 1994. Symbole par excellence des années 90, Nevermind demeure aujourd’hui un album phare de la musique rock, un album qui passera à travers l’histoire comme ayant été parmi les meilleurs. Pour en savoir plus sur Nirvana, vous pouvez visiter la musicographie sur le groupe à l’adresse suivante : www.musicomania.ca/nirvana. (avril 2005)

Quand est apparu Pearl Jam dans le paysage musical en 1991, on les a tout de suite comparés à Nirvana, Soundgarden et Alice In Chains et qualifiés de grunge, puisque tous ces groupes venaient de la même ville de Seattle. Pourtant, ils étaient tous passablement différents. Pearl Jam, pour sa part, allait puiser dans le hard rock des années 70, nous proposant un son à la fois "hard" et introspectif. Avec la voix unique d'Eddie Vedder et un son de guitare bien caractéristique, le groupe a su paver la voie pour un nombre extraordinaire de groupes des années 90 et 2000. Ten est le meilleur exemple d'un album parfait puisqu'il ne contient aucune faiblesse, s'écoute en totalité avec plaisir et contient plusieurs des meilleures pièces du groupe en carrière ("Even Flow", "Alive", "Black", "Jeremy", etc.), toujours les plus populaires en spectacle. La deuxième portion du disque, un peu plus introspective, nous transporte littéralement dans un univers parallèle dont seul Radiohead a pu avoir le secret par la suite. Malgré quelques bons albums après celui-ci, Pearl Jam n'allait jamais réussir à égaler la qualité et le succès de Ten qui demeure l'album par excellence du groupe. (mai 2005)

En condensant les explorations sonores de Meddle en véritables chansons et en ajoutant une production luxuriante et immaculée à leurs sections instrumentales les plus trippantes, Pink Floyd a, par inadvertance, conçu sa percée commerciale avec The Dark Side of the Moon. Roger Waters a écrit une série de chansons sur des détails banals du quotidien qui ne sont pas très impressionnants en soi, mais qui, lorsqu'ils sont accompagnés des paysages sonores lents et atmosphériques de Pink Floyd et d'effets sonores soigneusement placés, trouvent une résonance émotionnelle. Mais ce qui donne à l'album sa véritable puissance, c'est sa musique subtilement texturée, qui évolue d'un rock artistique lourd et néo-psychédélique vers un jazz fusion et un blues rock avant de revenir au psychédélisme. Elle est dense en détails, mais d'un rythme tranquille, créant son propre monde sombre et obsédant. Avec The Dark Side of the Moon, Pink Floyd a prouvé qu’avec un peu de concentration et une parfaite collaboration on pouvait arriver à livrer un chef-d’œuvre. The Dark Side of the Moon détient toujours le record du plus grand nombre de semaines consécutives au palmarès top 200 du Billboard avec 724 semaines, soit jusqu’en avril 1988. Plus de 200 autres semaines se sont ajoutées à différents moments par la suite. (juin 2023)

Après ses débuts aux studios de Sun Records, Elvis Presley est engagé par RCA qui fait confiance à l’adolescent de Memphis au talent indéniable. Les circonstances entourant ce premier album ne sont pourtant ni simples ni prometteuses, et rien dans l'histoire de la musique populaire jusqu'alors ne laissait présager qu'Elvis Presley allait être autre chose qu’un feu de paille. À l’époque, il n'était même pas certain qu'il y ait une raison pour un artiste de rock ‘n’ roll de faire un album, puisque les adolescents achetaient des 45 tours, pas des 33 tours. Le premier extrait, « Heartbreak Hotel », semble être un single potentiel, mais personne ne pense qu'il se vendra. Il aura fallu environ un mois avant que ça démarre et qu’il commence à se vendre. Puis, Elvis apparaît à la télévision, et le single devient #1 du palmarès pop. L'album provient de deux sessions d’enregistrement en janvier et février, augmentées de cinq chansons inédites de Sun Records. Il s'agit du premier album le plus étonnant jamais réalisé, représentant toutes les influences musicales d'Elvis, sauf le gospel qui allait venir plus tard. Le rockabilly, le blues, le R&B, le country et la pop sont tous présents dans une combinaison explosive et séduisante. Elvis Presley devient le premier album de rock ‘n’ roll à atteindre la première place du palmarès américain, et le premier album pop de RCA à rapporter un million de dollars. Voici un disque entraînant qui s’avère franchement impressionnant, un album qui jettera les bases du rock ‘n’ roll, un incontournable de l’histoire de la musique rock. (janvier 2023)

Au cours de sa carrière, Queen nous a offert de bons et de moins bons albums. Un par contre se démarque largement du lot : A Night At The Opera. Paru en 1975, l’album reprend les éléments hard rock, voire métal, de Sheer Heart Attack, mais en les amenant dans un véritable opéra rock. Le groupe utilise de nombreux instruments et des arrangements précis pour nous offrir une richesse musicale hors du commun. Queen demeure métal sur « Death On Two Legs » et « Sweet Lady », mais il offre aussi de la musique pop toute simple sur le succès « You’re My Best Friend », peut-être leur plus belle chanson d’amour, composée par John Deacon. Brian May est beaucoup plus mystique sur la presque country « ‘39 » et la progressive aux accents psychédéliques « The Prophet’s Song ». La ballade de Freddie Mercury « Love Of My Life » est demeurée pendant de nombreuses années une favorite en concert. Enfin, le groupe nous présente du music hall avec « Lazing On A Sunday Afternoon » et « Seaside Rendezvous ». Tout ce mélange de créativité se regroupe finalement dans la pièce finale, « Bohemian Rhapsody », la chanson la plus populaire de toute la carrière du groupe. En 2005, une nouvelle édition de l’album avec un DVD a été mise sur le marché. Le DVD contient un superbe son ambiophonique 5.1 qui améliore encore plus la qualité de l’album. En fait, il devient totalement inutile d’écouter la version stéréo avec une telle version à portée de main. Du visuel accompagne chacune des pièces, que ce soit le vidéoclip d’origine, des images en concert ou d’autres images diverses. Il est également possible d’entendre les commentaires des membres du groupe. Cette version est donc l’idéale à se procurer pour une expérience musicale grandiose. Pour en savoir un peu plus sur Queen, visitez la musicographie : www.musicomania.ca/queen.(décembre 2007)

Après 2 premiers albums exceptionnels en Pablo Honey et The Bends, Radiohead nous offrait en 1997 un album qui allait révolutionner le rock, remettre les pendules à l'heure. Suite au mouvement grunge du début de la décennie où les guitares distortionnées régnaient, voilà que le groupe nous arrivait avec un album contenant un peu plus de subtilités et de textures. On y retrouve tout de même toujours de bonnes guitares, comme ils nous avaient offertes auparavant, sauf qu'elles étaient maintenant mieux placées et alternées avec un côté acoustique un peu plus doux complété par la voix magnifique de Thom Yorke. Pour ajouter à la richesse, le groupe peut désormais compter sur l'utilisation discrète d'électronique et de claviers. Les 12 compositions de cet album forment un tout indissociable et sans faiblesse, un tout qu'on apprécie de plus en plus à chaque écoute subséquente par la découverte de nouvelles subtilités. Vous y trouverez les succès "Karma Police", "Paranoid Android", "Subterranean Homesick Alien" et "No Surprises" que vous connaissez sûrement déjà par coeur. Mais n'ayez aucune crainte quant à celles que vous ne connaissez pas, car tout y est impressionnant. Le travail déjà bien entrepris avec The Bends atteignait maintenant de nouveaux sommets jamais égalés depuis, ni par eux ni par personne d'autre. Radiohead a établi un nouveau standard pour les années 2000 avec OK Computer, tout un défi à relever pour les nouvelles générations de musiciens. Il s'agit certainement d'un enregistrement qui traversera les époques et sera cité en exemple pendant plusieurs générations. (mars 2005)

Même si le mouvement punk a démarré aux États-Unis, c’est l’apparition des Sex Pistols à Londres qui a véritablement déclenché toute la vague maintenant connue sous le nom de « punk de 1977 ». Les Sex Pistols sont considérés par plusieurs comme un des rares véritables groupes punks de l’histoire, non seulement à cause de leur musique, mais aussi par leur attitude. Ce qui est bien particulier avec ce groupe légendaire, c’est qu’il ne nous a offert qu’un seul album studio, mais quel album! Never Mind The Bollocks Here’s The Sex Pistols représente le modèle idéal à suivre pour tout groupe qui veut produire un album de punk rock. Rythmes déchaînés, textes provocateurs et chansons de 3 minutes toutes terriblement efficaces font de ce seul album une collection de succès incroyable. Que ce soit la chanson d’ouverture, « Holidays In The Sun », ou encore « Problems », « God Save The Queen », « Anarchy In The U.K. » et « Pretty Vacant », toutes ont été reprises, copiées et bannies des dizaines de fois au cours des 30 dernières années. L’album ne nous laisse aucun répit et nous offre les 38 minutes les plus intenses de notre vie. Les Sex Pistols nous ont donc présenté un disque incontournable dans l’univers du rock. Pour en savoir un peu plus sur le groupe, visitez notre musicographie : www.musicomania.ca/sexpistols. (2005)

Voici la nouvelle sensation du milieu underground aux États-Unis, le groupe qui a fait le plus parler de lui en 2001. Les Strokes sont présentés comme le nouveau groupe « punk » new yorkais. On entend d'ailleurs de façon évidente leurs influences de Talking Heads et Television. On peut aussi deviner une influence importante de The Cure et The Smiths. Pour leur premier album, les Strokes ont choisi d'y aller avec une réalisation sobre, ce qui peut être agaçant à l'occasion sachant que l'album a été fait en 2001. Avec toute la technologie dont on dispose, il est possible de faire mieux, mais le résultat est quand même impressionnant. C'est un excellent disque, varié, original et mélodique, un album que l'on doit écouter d'un bout à l'autre (de toute façon, il ne dure que 36 minutes). Is This It n’est pas le type d’album à inclure un grand nombre de succès radios, même si certaines pièces en ont le potentiel. « Last Night » et « Hard to Explain » ont tout de même connu leur part de succès, mais essentiellement en marge de l’industrie musicale populaire. Avec Is This It, les Strokes ont pris les rênes d’un nouveau mouvement de rock garage. Un nombre impressionnant de groupes qui ont suivi cite The Strokes comme leur influence principale. Il s’agit donc d’un album d’une grande importance pour la musique underground des années 2000. (décembre 2001)

Après un premier album éponyme en 1998 qui avait été acclamé de la critique, mais n'avait pas vraiment fait de vagues en dehors de l'underground (malgré une certification or), voilà que System Of A Down nous présentait Toxicity 3 ans plus tard. Dès les premiers moments de "Prison Song", on se doutait bien que ce n'était pas un groupe métal comme les autres qui nous était présenté. Les changements de rythmes étourdissants nous faisaient passer par toute la gamme des émotions à l'intérieure d'une seule et même chanson, du jamais vu! System Of A Down a été formé en 1995 dans le sud de la Californie par Serj Tankian (voix et claviers), Daron Malakian (guitares, voix), Shavo Odadjian (basse) et John Dolmayan (batterie). Ils sont influencés par le métal underground des années 80, par le punk hardcore et par le rock alternatif (dans le vrai sens du terme) des années 90. On retrouve aussi des éléments néo-gothiques dans leur musique, en plus d'éléments moyen-orientaux, sûrement inspirés de leurs origines arméniennes. Mélangez le tout avec de nombreuses variations dans toutes les compositions et vous aurez un bon aperçu de ce à quoi ressemble SOAD. Aux premières écoutes de Toxicity à sa sortie, je me rappelle être resté sans voix tellement ça changeait du métal à lequel j'étais habitué (et Dieu sait que j'en ai entendu!). C'est un album où les pièces s'enchaînent toutes à la perfection, sans faiblesses, et avec comme plats de résistance les classiques "Chop Suey", la chanson-titre et "Aerials" qui vient magnifiquement conclure l'album de 44 minutes. Après avoir entendu les 2 albums de 2005, Mezmerize et Hypnotize, qui constituent en fait la suite et la fin de la trilogie, j'en venais presque à dire que c'était meilleur que Toxicity. Sauf qu'en le réécoutant, je réalise que Toxicity est assurément l'album de leur carrière, un album sans failles. Ils ont bien fait de prendre une pause après cet album, parce qu'ils n'auraient certainement pas pu nous présenter un autre disque rapidement sans qu'il soit une déception. Si SOAD est devenu le groupe métal des années 2000, c'est grâce à Toxicity qui a véritablement parti le bal. C'est définitivement un album incontournable! (avril 2006)